Tracks: Iñigo Vontier - Desperado (Multi Culti)

Hablar de originalidad en estos tiempos es difícil pero no imposible. Desde México, Iñigo Vontier publicó el que podríamos decir es su segundo EP de la serie Acid Cowboy en Multi Culti.

Y es que en agosto del año pasado, el también dirigente de Calypso Records (junto a Thomass Jackson), lanzó uno de nuestros tracks favoritos del 2025, el primer y homónimo track del EP Acid Cow Boy, una droga auditiva alucinógena que combina ritmos de la música regional mexicana y acid house con acontecimientos sonoros punzocortantes.

Ahora, Iñigo Vontier presenta Tech Mex. Acaso la secuela. Y de nuevo es el primer track del EP que va directo a nuestro top 2026. Se titula Desperado y es toda una trama que te va atrapando en la medida que avanza. This is not the way for us babe... dice el vocal del forajido del rave (que, según se escucha, pasa de estar paranoicamente mal a estar derretidamente bien) mientras llueven secuencias de ácidos latigazos sonoros y la atmósfera se va tornando cada vez más densa. Le ha hecho bien a Iñigo Vontier juntarse con Manfredas. Escuchá Desperado aquí:

La nave de Moby pasó por Stuttgart, repasó clásicos de su discografía y pidió disculpas por Donald Trump

Moby en Stuttgart. Foto propia.

En una nota completamente inesperada, primero porque el radar de esta redacción no había detectado la fecha de Moby en Stuttgart, que es la ciudad vecina de donde está basada actualmente; y segundo, porque el presupuesto está apretando, asistimos al concierto del músico estadounidense que cerró el festival Jazz Open 2026.

La justificación de porqué la presentación de una figura clave en el desarrollo de la música electrónica a nivel mundial estaba cerrando un festival de jazz, la dio el mismo Richard Melville Hall (tataranieto de Herman Melville, autor de Moby-Dick, de ahí su nombre artístico) al inicio del show: el jazz fue parte de su formación como guitarrista e influenció sus procesos de composición.

En formato live, temas que hoy por hoy son reconocidos como grandes clásicos de la electrónica, fueron interpretados: abrió con Bodyrock y enseguida, cambiando la guitarra por las congas, contó que la siguiente canción había sido una de sus primeras producciones en ser lanzada por la disquera alemana Low Spirit en 1991, se trataba nada más y nada menos que de Go, cuya versión en vivo fue enriquecida por las ejecuciones instrumentales de la banda que lo acompaña en esta gira (una cellista, una violinista, un tecladista que también hace de bajista y DJ, dos vocalistas y el batería). Este primer bloque energético del show fue completado por un mashup entre Next is the E de su autoría y Without me del rapero Eminem en cuyas letras puede encontrarse una línea que dice: "Moby? Nobody listens to techno", que Melville está sabiendo aprovechar al proyectarla en la pantalla gigante a sus espaldas, como una nota irónica pues, más de veinte años después de los intercambios entre los dos músicos (Moby le señaló públicamente a Eminem que las letras de sus canciones eran controversiales a lo que el segundo respondió con Without me), el techno, uno de los subgéneros de la música electrónica que Melville, como un puente desde el rock, contribuyó a popularizar, está más vigente que nunca.

El show continuó con un bloque más emocional (y hasta gospel) pues la banda prosiguió a interpretar In this world, In my heart, un cover de Heroes de David Bowie, We are all made of stars y Why does my heart feel so bad, en que las cantantes que acompañan al estadounidense lucieron su potencia vocal. Eso sí, el bombo activando palmas no paró en toda la franja. Incluso hubo tiempo para un mensaje en video y visuales en pro del bienestar de los animales por parte de la etnóloga británica Jane Goodall (1934 - 2025).

Moby en Stuttgart. Imagen propia.

La noche fue cayendo sobre la Schlossplatz y el juego de luces también se fue intensificando en la medida que la energía volvía a emanar del escenario: el mix vocal de Steve Angello a Raining Again y la electrizante versión de Disco Lies por Spencer & Hill pusieron de pie hasta a quienes habían adquirido localidad para estar sentados convirtiendo la plaza en una pista de baile gigante (alrededor de siete mil asistentes).

Para bajar un poco las revoluciones, Moby tomó de nuevo su instrumento y anunció que en la siguiente canción vendría un solo de guitarra. Así la banda continuó con Flower / Find my baby, siguió con Honey y el remix de Armin Van Buuren a Extreme Ways volvió a subir las palancas para dar paso a una versión dance de Natural Blues en la que Melville regresó a las congas previo a agradecer y despedirse preliminarmente.

Moby y su banda se fueron y volvieron para el encore. El estadounidense pidió que si la siguiente canción era del agrado del público que encendieran la luz de su celular. Así las cuerdas de Porcelain salieron por los parlantes y un mar de luces (que en otros tiempos hubieran sido encendedores) llenaron el aire de una emocionalidad propia de soundtrack de película. Tal vez de la película de la vida de cada persona presente. Al final de la canción (y de la lluvia de aplausos), Moby tomó el micrófono y dijo que uno de sus trabajos en este tour era pedir disculpas por su país ya que el presidente donald trump (las minúsculas son a propósito) era el peor en la historia de los Estados Unidos. Los aplausos elevaron la temperatura para que la banda interpretara Lift me up mientras imágenes de protestas eran proyectadas en las pantallas (por donde ya habían pasado imágenes de ciudades, paisajes terrenales y espaciales, florecimientos y nubes) y cerrara el concierto con Feeling so real, una tradición que Moby aseguró mantiene desde los 90's cuando del espíritu de la escena electrónica alemana, con festivales rave como Love Parade y Mad Day y DJ's como Mark Spoon y Sven Väth, lo inspiraron a escribirla en este país y a cuyos asistentes nos las dedicaba.

Tras más de una hora y media de presentación Richard Melville y su banda se despidieron para continuar con una gira que ya les vio presentarse en escenarios como Coachella y que les mantendrá en Europa hasta finales de agosto.

"Nobody's free until they're broken": Madonna publicó nuevo álbum y ya tenemos track favorito

Ok, el viernes la reina del pop publicó su nuevo álbum: la esperada secuela del Confessions On A Dancefloor que instauró toda una época en el circuito mainstream de la música desde el 2005.

Y no es que Madonna o Stuart Price, el productor británico tanto de ese como del Confessions II, se hayan inventado la música electrónica. Pero de alguna manera oficializaron el que sería el sonido de la noche de los últimos veinte años para quienes hemos estado afuera desde entonces. ¿Significa este décimo quinto álbum de la madre del pop que está pariendo por lo menos otra década con la música electrónica y la cultura rave en la hegemonía del amanecer en clubes y festivales alrededor del mundo?

Y es que si bien es cierto que el concepto del álbum ya lo conocíamos desde el 2005, lo que han entendido tanto Madonna como Stuart Price y, porqué no, también nosotrxs, sobre las pistas de baile, se ha ido sofisticando. El disco es transgénero sonoramente pero el reconocimiento del dancefloor como un cronotopo utópico donde podemos ensayar otro mundo posible desde el conocimiento personal es transversal.

Nuestro track favorito de estas nuevas Confessions es One Step Away. Tal vez porque funciona como un manifiesto a tal reconocimiento de la pista de baile: "the dance floor is not just a place, it's a threshold, a ritualistic space where movement replaces language", dicen las letras que también interpelan lo que se siente al escuchar la sublime base deep house del también conocido como Jacques Lu Cont.

Parte del nuevo material gráfico del disco.

Pero las letras dicen más: "understand your violence and the trauma you've survived, nobody's free until they're broken" y parecen recalcar algo que la antropóloga argentina Rita Segato vino a decir hace unas semanas a Tübingen y aquí parafraseamos: la violencia estructural del sistema mundo en que vivimos es proporcional a la fragilidad de las construcciones identitarias sexuales que llamamos géneros (ella se refiere principalmente a las agresiones causadas por las inseguridades masculinas).

Por eso cuando dice "nobody's free, it's just a token", Madonna parece recordarnos que nadie será libre verdaderamente hasta que todxs lo seamos. Y ese parece ser el ejercicio al que nos invita en la pista de baile: construir espacios y tiempos donde no haya nada que esconder y se pueda ser quien se quiera ser, donde el conocimiento personal mediante el fluir del alma que habita un cuerpo en movimiento, sea una forma de salvación.

A un paso de tu libertad, a una respiración del baile de la vida, a un paso del latido de tu corazón, a un paso, sí, estás a un paso, o a un clic, mejor dicho, de escuchar un nuevo clásico. Dale play:

Tracks: Matías Aguayo feat. Camille Mandoki & IARAHEI - La Heredera (Platoon)

Ok, del nuevo disco titulado "Anenoa" de Matías Aguayo, que salió hace unos días, hay varios tracks para resaltar. El chileno-alemán no requiere que esta redacción lo valide pero, personalmente, estamos clavadxs con dos de sus nuevas producciones: una es la masterclass "The Beat", al que no nos referiremos en esta ocasión porque tanto el track como el video son tan explícitos que no hay mucho que agregar.

Y el otro, es ese dark vals que, junto a la música mexicana Camille Mandoki y a la chilena IAHAREI, titularon "La Heredera". Que inicia como una canción pop cualquiera, ya sabés, con un ritmito y una vocecita sexy, pero que, inesperadamente, poco a poco, se va desenvolviendo y, cuando te das cuenta, estás atrapadx en la trama de la letra: búsqueda y control, encuentro y posesión pero también complicidad y placer que redime de las sentencias personales, como las sombras y las esperas.

Mas esta trama también es un juego de luces sonoras: capas de kicks y drum machines análogas, bajos, sintes (Etienne Jaumet) y un juego del viento que se decodifica mediante aparatos fonológicos... un paisaje por la ventana, un horizonte que antoja ser murciélago para perseguirlo, los vocales carajo, la vocales como fantasmas de la noche cantándole a la ciudad y a la mano que tapa el sol y hasta invitan a gritar (tal vez antes de que los gritos griten por unx, como diría Saramago). Sí, they can take us there... Dale play:

REPLAY OF MAY: Vladimir Ivkovic @ The Lot Radio & David Carretta @ Loone x Kaputt

Ya sea caminando por una ciudad desconocida, derritiéndome bajo el sol, volviéndome loco bailando en mi habitación o corriendo mientras voy tarde (algo que podría ser mi biografía), dos sets destacaron entre toda la música que me acompañó este mes.

Vladimir Ivkovic @ The Lot Radio

El label boss de Offen Music estuvo de gira por los Yunais e hizo una parada por The Lot Radio en Nueva York. Una parada de una hora que va desde música electrónica rara, rayando en lo ruidista, pasa por nuevos clásicos que no han sido lanzados o que han sido lanzados recientemente, ya sea del rock n' roll alternativo como American Cream Band - "We are not so sinister" o del nuevo trip hop como Now Always Fades feat. Alias Error - "Faceless Angel" y llega a una psicodelia lenta pero pesada, de esa que poco a poco se apodera de uno hasta hacerle perder el control, con tracks como el Hardway Bros We Lost Control Dub Vox a "Goodbye my friend" de Flying on the ground. Una muestra de porqué la crítica alaba al serbio afirmando que es un selector de moods y no solo de tracks.

David Carretta @ Loone x Kaputt

Este año, el lema del Kaputt Festival Futuro fue, "el futuro no se predice, se practica". Una frase que bien podría describir lo que el DJ y productor francés ha venido haciendo desde inicios de los 90's cuando se inscribió en la historia de la música como uno de los pioneros del sonido electroclash, del techno análogo y de los sintetizadores que siempre voltearon a ver para saber lo que venía. Y parece que este movimiento, en clave de Sankofa, es el que los curadores del festival emularon al llevar al afiliado a International DJ Gigolo Records no solo a cerrar el escenario Kaputt (ahora Proyecto Kinder) el primer día del festival celebrado hace un mes en Bogotá, sino también a abrir las transmisiones vía Loone Radio al día siguiente con tracks de su autoría como "Sequence Harmony", entre otras.

Un par de joyas atemporales que no se derriten bajo el sol. Dales play. O replay.

Bailar para contarlo: Ricardo Villalobos en Blitz, Múnich

"Nada restará da festa", dice el dúo brasileño Noporn. "Un huracán no dura toda la mañana", dice por su parte la banda española Ángeles del Infierno. Y en la intersección, todas las formas de salirse de la línea, o sea, de ser un inconforme, de ser un Sui Géneris. Ok, ya estamos hablando de Charly. Sí, para mí, solo nos quedan dos rockstars sudamericanos: Charly García y Ricardo Villalobos. Sí, fui yo quien te lo gritó desde la frontline un par de veces el viernes en la noche sábado en la mañana, Ricardo. Había tenido una semana "Dark and long", como dirían los Underworld y, cuando me di cuenta, estaba pateando botellas de cerveza en la pista del Blitz Music Club.

E insistí con lo que sos uno de los últimos dos rockstars sudamericanos porque, ¿quién sino un rockstar sale a tocar a las 5 de la mañana haciendo a quienes habíamos llegado desde las 11 de la noche (en mi caso luego un viaje de tres horas desde Tübingen) primero a embarcarnos en el mar hedonista de una noche larga, segundo ponernos a todxs lxs rarxs que ahí estábamos esperándolo a bailar salsa con su 'Lecktro Cariño Remix a "Electrolatino" de Señor Coconut y tercero, hasta a confesar nuestras diversas maneras de resistir con su Conclave Remix a "The sinner in me" de Depeche mode? Vaya selección de tracks para aprovechar las potencias del generoso Void soundsystem del club y vaya Maestro que es Ricardo Villalobos para convertirlo en el escenario de una dramática y apasionante trama en la que no faltaron lo que yo llamaría sus yuxtaposiciones sonoras: esos momentos en los que el riesgo y la tensión se pueden sentir en el aire ya que Ricardo pone un track encima de otro sin un aparente orden, por lo menos para quien no está acostumbrado a bailar espontáneamente con lo impredecible.

El Blitz Music Club localizado en el Deutsches Museum de Múnich, Bavaria. Foto propia.

Y es que, hay puristas que juzgan el estilo de Villalobos como si fuera cualquier otro DJ o productor. Pero Ricardo Villallobos ES Ricardo Villalobos. Único en genio y figura hasta la sepultura, un punk en cuerpo y alma, entonces, cuando Ricardo pone un track encima de otro y, desde oídos puristas, no están cuadrados como sus mentes, lo están juzgando como si Ricardo Villalobos fuera un DJ y productor más. Cuando habría que juzgar el bacanal que crea en sus apariciones como una obra intermedial en su conjunto: performance continuado, música, arte sonoro, comunalidad: da y recibe.

Tras alguno de mis gritos desde el frontline, alguien quiso callarme. Le dije que mis gritos eran parte del track que Ricardo Villalobos estaba tocando, que había que escuchar la obra de paisaje sonoro completa. Valorar las presentaciones del chileno estrictamente desde lo técnico o musical, o peor, no entender sus yuxtaposisiones sonoras, es como no entender porqué Charly García solía romper guitarras o porqué se tiró a una piscina desde su habitación de hotel en el noveno piso. Y tal vez los simples mortales no podamos entenderlo. Perdónalos porque no saben lo que hacen. Y también perdónalos porque tal vez saben muy bien lo que hacen. Sí, me refiero a quienes pretendieron imponer la razón sobre el mito.

¿A qué hora habrás terminado de tocar, Ricardo? ¿8, 9 de la mañana? El paso de Ricardo Villalobos, el habitante de la intersección, por Múnich fue como un huracán al amanecer y nada restó de la fiesta. Lo digo literalmente, el after que estaba programado fue cancelado porque Ricardo prefirió seguir compartiendo con nosotrxs. Yo todavía tomé una foto del flyer de la fiesta que quise traerme de souvenir. Pero también lo perdí. Tal vez haya que seguir apostando por otros dispositivos de memoria, otros souvenires que no se puedan perder, tal vez sonoros, como la música, y seguir bailando, para poder contarlo.

PD. Al día siguiente me fui a una fiesta de recaudación de fondos por Palestina. Y pude senti-pensar cómo la pista de baile puede tornarse un generador de energía.

Tracks: F.F.S. feat. Ms. Boan - Crisis

En un momento de la historia humana donde es cada vez más difícil encontrar personas que puedan ser, estar, existir, pensar(se), sentir(se), y crear en un mundo al margen del regimen transnacional de producción y reproducción de dinero, basado en el consumo de tendencias seteadas por Internet y redes sociales, dos proyectos musicales norteamericanos colaboraron para revivir un clásico de la icónica banda electro pop española Alaska y Dinarama.

En los días que estamos viviendo, no es de sorprenderse que la palabra "crisis" aparezca constantemente en el scrolling cotidiano. Lo que tal vez podría sorprender es lo certero que era el título del álbum (Canciones Profanas) publicado en mayo de 1983 por la banda integrada por Alaska, Carlos Berlanga y Nacho Canut y que incluía el sencillo Crisis, acaso una caricatura sonora que hoy se imprime en los diarios de las grandes capitales del mundo.

Y precisamente por lo contemporáneo de la temática, la decadencia implícita en el modelo de competencia capitalista entre los hombres, el productor Kristian Moreno aka F.F.S. y la vocalista Mariana Saldaña aka Ms Boan, ambxs de Los Ángeles, lo revitalizaron a su estilo: en clave análoga, oscura, ácida y de alta energía, justo a tiempo para un verano de baile consciente. Escuchalo aquí: