Let's go to the rendezvous: The Hacker in Fridas Pier, Stuttgart, 10.17.2026

The Hacker @ Fridas Pier, 17.10.26
Foto: Gustavo Gomez.

Some nights begin long before the music does. This one had been taking shape for months, in conversations, in anticipation, in the thought of finally hearing The Hacker together. And just when I had resigned myself to attending alone, my partner told me he would come. In spite of the heavy weight of his commitments, he had made room for this: a night we had imagined and would now get to inhabit. Before a single beat had sounded, something had already fallen into place—what is ‘magic’ if not this? Being moved by that something in the music, the arts, the crea(c)tivities...

Getting to Fridas Pier proved surprisingly difficult due the closing of a bridge over the Neckar river and the heavy rain. By the time we finally arrived at long last, craving to be present had acquired the restless urgency of almost missing something precious. We caught the last stretch of the preceding DJ’s set (Sibel and Raphael Dincsoy), enough to begin dancing, to let the journey loosen its grip on our bodies.

Then, almost before we realised it, Michel Amato was there. The Hacker (Our top DJ set 2025). The atmosphere at the ship was electrifying. We were dancing at once, for there is not much more one can do when finding oneself in front of such a seminal pioneer of the electroclash and EBM.

Whatever words we might have found for the occasion would have had to wait. There was something exhilarating about that proximity: hearing the music with its maker just in front of us, watching the distance between a familiar recording and a living moment collapse.

For two hours I danced beside the person who had first introduced me to The Hacker. A detail that ran through my whole body. Music someone you love—your beloved one—has brought into your life carries a particular intimacy that frankly is equivalent to a trip on ecstasy.

And then came the opening notes of 1982.

We looked at each other. Recognition took only an instant; the pleasure of it seemed to open out endlessly. Our bodies were swept up like delicate feathers caught in a current. I had waited months to be there, and now I could scarcely hold on to a single moment before the next one moved through me, like a track after another in a high energy mix.

Perhaps that is part of the ache of a unique night like this. Even at its most intense, one knows they cannot keep it. One can only dance deeper into it, give it the full weight of their body, mind, heart, and soul, and trust that something will remain.

Raising a glass to all the moments when the music shall be carrying us again.

Words: Maria Nefeli Giannia / @catsoup__

#VoteExtended: Future Nobodies - 80's Cocaine (Extended Version)

Si la versión original publicada en abril ya era como el comienzo de una noche larga, la versión extendida de uno de nuestros tracks favoritos del año, es como encontrarse con un amigo en Berlín después de muchos años de no verse y no darse una sino dos, tres o cuatro noches de pista y, al despedirse, que el abrazo, como el bajo de esta versión, suene a volveremos a vernos, la música volverá a juntarnos.

Primero se fue el verano antes que esta redacción presentara este proyecto musical independiente de Chicago, el trío post-punk Future Nobodies, que el mes pasado publicó su tercer álbum titulado Kiss Me Like You Used To y que, al igual que el homónimo lanzado en 2024, está siendo distribuido en vinilo por la disquera alemana Yound & Cold Records. 

Future Nobodies. Foto: @junnylaraa

Como sucede con lo que vale la pena o con lo que está destinado a suceder, una cosa lleva a la otra: Estábamos escuchando, o bueno, viendo y escuchando, mejor dicho, el set de Cormac en el festival Sónar de Barcelona que, para nuestra grata sorpresa, abrió con la versión original de "80's Cocaine". Escucharla se sintió como volver a donde se fue feliz, a la primera vez de algo, aunque sea en vano, porque lo que extrañamos ya no existe o ya no puede ser, como volar y caer al mismo tiempo.

Las referencias sonoras están de más, nos encantan el bajo y los sintetizadores análogos en clave de new-dark-wave de estos Goths against ICE, la voz dreampop de la vocalista Jessica Covarrubias, las baterías digitales y la guitarra nirvanezca a lo largo del nuevo álbum. Date un poco de "80's Cocaine (Extended Version" y de paso escuchá Kiss Me Like You Used To aquí:

Tracks: Iñigo Vontier - Desperado (Multi Culti)

Hablar de originalidad en estos tiempos es difícil pero no imposible. Desde México, Iñigo Vontier publicó el que podríamos decir es su segundo EP de la serie Acid Cowboy en Multi Culti.

Y es que en agosto del año pasado, el también dirigente de Calypso Records (junto a Thomass Jackson), lanzó uno de nuestros tracks favoritos del 2025, el primer y homónimo track del EP Acid Cow Boy, una droga auditiva alucinógena que combina ritmos de la música regional mexicana y acid house con acontecimientos sonoros punzocortantes.

Ahora, Iñigo Vontier presenta Tech Mex. Acaso la secuela. Y de nuevo es el primer track del EP que va directo a nuestro top 2026. Se titula Desperado y es toda una trama que te va atrapando en la medida que avanza. This is not the way for us babe... dice el vocal del forajido del rave (que, según se escucha, pasa de estar paranoicamente mal a estar derretidamente bien) mientras llueven secuencias de ácidos latigazos sonoros y la atmósfera se va tornando cada vez más densa. Le ha hecho bien a Iñigo Vontier juntarse con Manfredas. Escuchá Desperado aquí:

La nave de Moby pasó por Stuttgart, repasó clásicos de su discografía y pidió disculpas por Donald Trump

Moby en Stuttgart. Foto propia.

En una nota completamente inesperada, primero porque el radar de esta redacción no había detectado la fecha de Moby en Stuttgart, que es la ciudad vecina de donde está basada actualmente; y segundo, porque el presupuesto está apretando, asistimos al concierto del músico estadounidense que cerró el festival Jazz Open 2026.

La justificación de porqué la presentación de una figura clave en el desarrollo de la música electrónica a nivel mundial estaba cerrando un festival de jazz, la dio el mismo Richard Melville Hall (tataranieto de Herman Melville, autor de Moby-Dick, de ahí su nombre artístico) al inicio del show: el jazz fue parte de su formación como guitarrista e influenció sus procesos de composición.

En formato live, temas que hoy por hoy son reconocidos como grandes clásicos de la electrónica, fueron interpretados: abrió con Bodyrock y enseguida, cambiando la guitarra por las congas, contó que la siguiente canción había sido una de sus primeras producciones en ser lanzada por la disquera alemana Low Spirit en 1991, se trataba nada más y nada menos que de Go, cuya versión en vivo fue enriquecida por las ejecuciones instrumentales de la banda que lo acompaña en esta gira (una cellista, una violinista, un tecladista que también hace de bajista y DJ, dos vocalistas y el batería). Este primer bloque energético del show fue completado por un mashup entre Next is the E de su autoría y Without me del rapero Eminem en cuyas letras puede encontrarse una línea que dice: "Moby? Nobody listens to techno", que Melville está sabiendo aprovechar al proyectarla en la pantalla gigante a sus espaldas, como una nota irónica pues, más de veinte años después de los intercambios entre los dos músicos (Moby le señaló públicamente a Eminem que las letras de sus canciones eran controversiales a lo que el segundo respondió con Without me), el techno, uno de los subgéneros de la música electrónica que Melville, como un puente desde el rock, contribuyó a popularizar, está más vigente que nunca.

El show continuó con un bloque más emocional (y hasta gospel) pues la banda prosiguió a interpretar In this world, In my heart, un cover de Heroes de David Bowie, We are all made of stars y Why does my heart feel so bad, en que las cantantes que acompañan al estadounidense lucieron su potencia vocal. Eso sí, el bombo activando palmas no paró en toda la franja. Incluso hubo tiempo para un mensaje en video y visuales en pro del bienestar de los animales por parte de la etnóloga británica Jane Goodall (1934 - 2025).

Moby en Stuttgart. Imagen propia.

La noche fue cayendo sobre la Schlossplatz y el juego de luces también se fue intensificando en la medida que la energía volvía a emanar del escenario: el mix vocal de Steve Angello a Raining Again y la electrizante versión de Disco Lies por Spencer & Hill pusieron de pie hasta a quienes habían adquirido localidad para estar sentados convirtiendo la plaza en una pista de baile gigante (alrededor de siete mil asistentes).

Para bajar un poco las revoluciones, Moby tomó de nuevo su instrumento y anunció que en la siguiente canción vendría un solo de guitarra. Así la banda continuó con Flower / Find my baby, siguió con Honey y el remix de Armin Van Buuren a Extreme Ways volvió a subir las palancas para dar paso a una versión dance de Natural Blues en la que Melville regresó a las congas previo a agradecer y despedirse preliminarmente.

Moby y su banda se fueron y volvieron para el encore. El estadounidense pidió que si la siguiente canción era del agrado del público que encendieran la luz de su celular. Así las cuerdas de Porcelain salieron por los parlantes y un mar de luces (que en otros tiempos hubieran sido encendedores) llenaron el aire de una emocionalidad propia de soundtrack de película. Tal vez de la película de la vida de cada persona presente. Al final de la canción (y de la lluvia de aplausos), Moby tomó el micrófono y dijo que uno de sus trabajos en este tour era pedir disculpas por su país ya que el presidente donald trump (las minúsculas son a propósito) era el peor en la historia de los Estados Unidos. Los aplausos elevaron la temperatura para que la banda interpretara Lift me up mientras imágenes de protestas eran proyectadas en las pantallas (por donde ya habían pasado imágenes de ciudades, paisajes terrenales y espaciales, florecimientos y nubes) y cerrara el concierto con Feeling so real, una tradición que Moby aseguró mantiene desde los 90's cuando del espíritu de la escena electrónica alemana, con festivales rave como Love Parade y Mad Day y DJ's como Mark Spoon y Sven Väth, lo inspiraron a escribirla en este país y a cuyos asistentes nos las dedicaba.

Tras más de una hora y media de presentación Richard Melville y su banda se despidieron para continuar con una gira que ya les vio presentarse en escenarios como Coachella y que les mantendrá en Europa hasta finales de agosto.

"Nobody's free until they're broken": Madonna publicó nuevo álbum y ya tenemos track favorito

Ok, el viernes la reina del pop publicó su nuevo álbum: la esperada secuela del Confessions On A Dancefloor que instauró toda una época en el circuito mainstream de la música desde el 2005.

Y no es que Madonna o Stuart Price, el productor británico tanto de ese como del Confessions II, se hayan inventado la música electrónica. Pero de alguna manera oficializaron el que sería el sonido de la noche de los últimos veinte años para quienes hemos estado afuera desde entonces. ¿Significa este décimo quinto álbum de la madre del pop que está pariendo por lo menos otra década con la música electrónica y la cultura rave en la hegemonía del amanecer en clubes y festivales alrededor del mundo?

Y es que si bien es cierto que el concepto del álbum ya lo conocíamos desde el 2005, lo que han entendido tanto Madonna como Stuart Price y, porqué no, también nosotrxs, sobre las pistas de baile, se ha ido sofisticando. El disco es transgénero sonoramente pero el reconocimiento del dancefloor como un cronotopo utópico donde podemos ensayar otro mundo posible desde el conocimiento personal es transversal.

Nuestro track favorito de estas nuevas Confessions es One Step Away. Tal vez porque funciona como un manifiesto a tal reconocimiento de la pista de baile: "the dance floor is not just a place, it's a threshold, a ritualistic space where movement replaces language", dicen las letras que también interpelan lo que se siente al escuchar la sublime base deep house del también conocido como Jacques Lu Cont.

Parte del nuevo material gráfico del disco.

Pero las letras dicen más: "understand your violence and the trauma you've survived, nobody's free until they're broken" y parecen recalcar algo que la antropóloga argentina Rita Segato vino a decir hace unas semanas a Tübingen y aquí parafraseamos: la violencia estructural del sistema mundo en que vivimos es proporcional a la fragilidad de las construcciones identitarias sexuales que llamamos géneros (ella se refiere principalmente a las agresiones causadas por las inseguridades masculinas).

Por eso cuando dice "nobody's free, it's just a token", Madonna parece recordarnos que nadie será libre verdaderamente hasta que todxs lo seamos. Y ese parece ser el ejercicio al que nos invita en la pista de baile: construir espacios y tiempos donde no haya nada que esconder y se pueda ser quien se quiera ser, donde el conocimiento personal mediante el fluir del alma que habita un cuerpo en movimiento, sea una forma de salvación.

A un paso de tu libertad, a una respiración del baile de la vida, a un paso del latido de tu corazón, a un paso, sí, estás a un paso, o a un clic, mejor dicho, de escuchar un nuevo clásico. Dale play:

Tracks: Matías Aguayo feat. Camille Mandoki & IARAHEI - La Heredera (Platoon)

Ok, del nuevo disco titulado "Anenoa" de Matías Aguayo, que salió hace unos días, hay varios tracks para resaltar. El chileno-alemán no requiere que esta redacción lo valide pero, personalmente, estamos clavadxs con dos de sus nuevas producciones: una es la masterclass "The Beat", al que no nos referiremos en esta ocasión porque tanto el track como el video son tan explícitos que no hay mucho que agregar.

Y el otro, es ese dark vals que, junto a la música mexicana Camille Mandoki y a la chilena IAHAREI, titularon "La Heredera". Que inicia como una canción pop cualquiera, ya sabés, con un ritmito y una vocecita sexy, pero que, inesperadamente, poco a poco, se va desenvolviendo y, cuando te das cuenta, estás atrapadx en la trama de la letra: búsqueda y control, encuentro y posesión pero también complicidad y placer que redime de las sentencias personales, como las sombras y las esperas.

Mas esta trama también es un juego de luces sonoras: capas de kicks y drum machines análogas, bajos, sintes (Etienne Jaumet) y un juego del viento que se decodifica mediante aparatos fonológicos... un paisaje por la ventana, un horizonte que antoja ser murciélago para perseguirlo, los vocales carajo, la vocales como fantasmas de la noche cantándole a la ciudad y a la mano que tapa el sol y hasta invitan a gritar (tal vez antes de que los gritos griten por unx, como diría Saramago). Sí, they can take us there... Dale play:

REPLAY OF MAY: Vladimir Ivkovic @ The Lot Radio & David Carretta @ Loone x Kaputt

Ya sea caminando por una ciudad desconocida, derritiéndome bajo el sol, volviéndome loco bailando en mi habitación o corriendo mientras voy tarde (algo que podría ser mi biografía), dos sets destacaron entre toda la música que me acompañó este mes.

Vladimir Ivkovic @ The Lot Radio

El label boss de Offen Music estuvo de gira por los Yunais e hizo una parada por The Lot Radio en Nueva York. Una parada de una hora que va desde música electrónica rara, rayando en lo ruidista, pasa por nuevos clásicos que no han sido lanzados o que han sido lanzados recientemente, ya sea del rock n' roll alternativo como American Cream Band - "We are not so sinister" o del nuevo trip hop como Now Always Fades feat. Alias Error - "Faceless Angel" y llega a una psicodelia lenta pero pesada, de esa que poco a poco se apodera de uno hasta hacerle perder el control, con tracks como el Hardway Bros We Lost Control Dub Vox a "Goodbye my friend" de Flying on the ground. Una muestra de porqué la crítica alaba al serbio afirmando que es un selector de moods y no solo de tracks.

David Carretta @ Loone x Kaputt

Este año, el lema del Kaputt Festival Futuro fue, "el futuro no se predice, se practica". Una frase que bien podría describir lo que el DJ y productor francés ha venido haciendo desde inicios de los 90's cuando se inscribió en la historia de la música como uno de los pioneros del sonido electroclash, del techno análogo y de los sintetizadores que siempre voltearon a ver para saber lo que venía. Y parece que este movimiento, en clave de Sankofa, es el que los curadores del festival emularon al llevar al afiliado a International DJ Gigolo Records no solo a cerrar el escenario Kaputt (ahora Proyecto Kinder) el primer día del festival celebrado hace un mes en Bogotá, sino también a abrir las transmisiones vía Loone Radio al día siguiente con tracks de su autoría como "Sequence Harmony", entre otras.

Un par de joyas atemporales que no se derriten bajo el sol. Dales play. O replay.

Bailar para contarlo: Ricardo Villalobos en Blitz, Múnich

"Nada restará da festa", dice el dúo brasileño Noporn. "Un huracán no dura toda la mañana", dice por su parte la banda española Ángeles del Infierno. Y en la intersección, todas las formas de salirse de la línea, o sea, de ser un inconforme, de ser un Sui Géneris. Ok, ya estamos hablando de Charly. Sí, para mí, solo nos quedan dos rockstars sudamericanos: Charly García y Ricardo Villalobos. Sí, fui yo quien te lo gritó desde la frontline un par de veces el viernes en la noche sábado en la mañana, Ricardo. Había tenido una semana "Dark and long", como dirían los Underworld y, cuando me di cuenta, estaba pateando botellas de cerveza en la pista del Blitz Music Club.

E insistí con lo que sos uno de los últimos dos rockstars sudamericanos porque, ¿quién sino un rockstar sale a tocar a las 5 de la mañana haciendo a quienes habíamos llegado desde las 11 de la noche (en mi caso luego un viaje de tres horas desde Tübingen) primero a embarcarnos en el mar hedonista de una noche larga, segundo ponernos a todxs lxs rarxs que ahí estábamos esperándolo a bailar salsa con su 'Lecktro Cariño Remix a "Electrolatino" de Señor Coconut y tercero, hasta a confesar nuestras diversas maneras de resistir con su Conclave Remix a "The sinner in me" de Depeche mode? Vaya selección de tracks para aprovechar las potencias del generoso Void soundsystem del club y vaya Maestro que es Ricardo Villalobos para convertirlo en el escenario de una dramática y apasionante trama en la que no faltaron lo que yo llamaría sus yuxtaposiciones sonoras: esos momentos en los que el riesgo y la tensión se pueden sentir en el aire ya que Ricardo pone un track encima de otro sin un aparente orden, por lo menos para quien no está acostumbrado a bailar espontáneamente con lo impredecible.

El Blitz Music Club localizado en el Deutsches Museum de Múnich, Bavaria. Foto propia.

Y es que, hay puristas que juzgan el estilo de Villalobos como si fuera cualquier otro DJ o productor. Pero Ricardo Villallobos ES Ricardo Villalobos. Único en genio y figura hasta la sepultura, un punk en cuerpo y alma, entonces, cuando Ricardo pone un track encima de otro y, desde oídos puristas, no están cuadrados como sus mentes, lo están juzgando como si Ricardo Villalobos fuera un DJ y productor más. Cuando habría que juzgar el bacanal que crea en sus apariciones como una obra intermedial en su conjunto: performance continuado, música, arte sonoro, comunalidad: da y recibe.

Tras alguno de mis gritos desde el frontline, alguien quiso callarme. Le dije que mis gritos eran parte del track que Ricardo Villalobos estaba tocando, que había que escuchar la obra de paisaje sonoro completa. Valorar las presentaciones del chileno estrictamente desde lo técnico o musical, o peor, no entender sus yuxtaposisiones sonoras, es como no entender porqué Charly García solía romper guitarras o porqué se tiró a una piscina desde su habitación de hotel en el noveno piso. Y tal vez los simples mortales no podamos entenderlo. Perdónalos porque no saben lo que hacen. Y también perdónalos porque tal vez saben muy bien lo que hacen. Sí, me refiero a quienes pretendieron imponer la razón sobre el mito.

¿A qué hora habrás terminado de tocar, Ricardo? ¿8, 9 de la mañana? El paso de Ricardo Villalobos, el habitante de la intersección, por Múnich fue como un huracán al amanecer y nada restó de la fiesta. Lo digo literalmente, el after que estaba programado fue cancelado porque Ricardo prefirió seguir compartiendo con nosotrxs. Yo todavía tomé una foto del flyer de la fiesta que quise traerme de souvenir. Pero también lo perdí. Tal vez haya que seguir apostando por otros dispositivos de memoria, otros souvenires que no se puedan perder, tal vez sonoros, como la música, y seguir bailando, para poder contarlo.

PD. Al día siguiente me fui a una fiesta de recaudación de fondos por Palestina. Y pude senti-pensar cómo la pista de baile puede tornarse un generador de energía.

Tracks: F.F.S. feat. Ms. Boan - Crisis

En un momento de la historia humana donde es cada vez más difícil encontrar personas que puedan ser, estar, existir, pensar(se), sentir(se), y crear en un mundo al margen del regimen transnacional de producción y reproducción de dinero, basado en el consumo de tendencias seteadas por Internet y redes sociales, dos proyectos musicales norteamericanos colaboraron para revivir un clásico de la icónica banda electro pop española Alaska y Dinarama.

En los días que estamos viviendo, no es de sorprenderse que la palabra "crisis" aparezca constantemente en el scrolling cotidiano. Lo que tal vez podría sorprender es lo certero que era el título del álbum (Canciones Profanas) publicado en mayo de 1983 por la banda integrada por Alaska, Carlos Berlanga y Nacho Canut y que incluía el sencillo Crisis, acaso una caricatura sonora que hoy se imprime en los diarios de las grandes capitales del mundo.

Y precisamente por lo contemporáneo de la temática, la decadencia implícita en el modelo de competencia capitalista entre los hombres, el productor Kristian Moreno aka F.F.S. y la vocalista Mariana Saldaña aka Ms Boan, ambxs de Los Ángeles, lo revitalizaron a su estilo: en clave análoga, oscura, ácida y de alta energía, justo a tiempo para un verano de baile consciente. Escuchalo aquí:

Top 20 Tracks 2025

Agradecido de haber podido escuchar y ser acompañado por la música un año más. Agradecido con lxs músicxs por la música. Estos fueron mis veinte tracks favoritos del 2025 más o menos en orden de lanzamiento.

Six Sex, MCR-T - Bitches like me - Dale play Records

Matías Aguayo - El Internet - Rekids

Cafius, Fel C - Digital satisfaction - TAU

MCR-T - My Boo My Bae My Baddie (Malugi Remix) - Live From Earth

Ada - Moon Rider (Kazbo Remix) - Pampa Records

David Shaw and The Beat - The mechanic of your power (Ivan Smagghe & Johnny Aux Remix)

GusGus - Rivals (DJ Hell mix) - Kompakt

Peter LC - Waiting for you - Rawax

Cormac - Gone - Polari

Madonna - Skin (Peter & Victor's Collaboration Remix Edit) - Warner

Marc Houle  - Was ist das - Meant Records

Tobias Bernstrup - Breakout - Tonight Records

Tobias Bernstrup - Chiaroscuro (Kendal Remix) - Tonight Records

Iñigo Vontier - Acid cowboy - Multi Culti

Hot Chip - Devotion (Boy's Shorts Remix) - Domino Recording Co

Titanic - La trampa sale - Unheard of Hope

The Chronics - Silent voltage - Bipolar Disorder Records

C.A.R. - On the line - The Nothing Special

Ada - Each and every one - c/o Michaela Dippel

Guy Gerber feat. blancacomolasal - Everytime we say goodbye - Rumors

UnClubbed feat. Zoe Durrant - Need to feel loved (Guy J Remix) - Global Underground

Donald Dust - The Muscle and the Sinew - Enter Planet Dust

DJ Hell - The rain - International Deejay Gigolo Records

Top 3 DJ Sets 2025

Soy nuevo en el barrio europeo así que este primer año viviendo aquí ha sido de exploración. Las grandes diferencias estructurales que hay entre las escenas de América Latina y Europa las dejaré para otro post. Por el momento, me conformaré con nombrar y dedicar unas palabras a mis tres sets favoritos de todos los que me di el lujo de escuchar este año viajando por Milán, Berlín, Paris, Estrasburgo, Londres y Stuttgart.

Foto: Rex Club Facebook

1. The Hacker @ Rex club, Paris

En el marco del segundo fin de semana de octubre, cuya programación fue una labor curatorial sonora de Ivan Smagghe, en el icónico Rex Club de París que celebraba más de tres décadas de existencia, el viaje en el tiempo (tipo regreso al futuro) no hubiera sido total sin la presencia del uno de los pioneros del electroclash, el señor Michel Amato, mejor conocido como The Hacker, DJ y productor francés que, tras recibir la cabina de un b2b en clave de warm up entre Chloé y el propio Smagghe alrededor de las dos de la mañana, no se guardó nada y enloqueció al dancefloor con tracks como un remix no identificado de Depeche Mode - Everything counts, Liaisons Dangereuses - Los niños del parque, International Music System - Nonline (Fabrizio Mammarella Remix) y el remix de David Carretta a Good time de Smitech Wesson.

Foto: fabric club website

2. Marcel Dettmann @ fabric, London

Lo único que diré para calificar este set es que había alguien gritando de placer a la par mía. Y no era por la música, ese era yo en el front. Era alguien teniendo sexo en la pista de baile a quien no quise voltear a ver mucho pero cuyos gemidos fueron parte del paisaje sonoro. Por lo demás,  como era de esperarse de uno de los residentes insignia del Berghain/Panorama Bar de Berlín,  las expectativas del dancefloor londinense fueron superadas a punta de tres horas de un techno percusivo, atmosférico y denso. Un regreso triunfal el primer fin de semana de diciembre al legendario club de la capital del Reino Unido donde el DJ y productor alemán se sintió como en casa.

Foto propia.

3. Ada @ Romantica, Stuttgart

Hay noches en las que todo resulta bien: ir y venir, entrar y salir, la música y el sonido, la bebida y el dulce y hasta el baño y el guardarropa. Así fue mi experiencia en el Romantica Club de Stuttgart, el tercer fin de semana de diciembre donde la cantante, productora y DJ Michaela Dippel, mejor conocida como Ada, presentó en un ambiente íntimo (en Romantica caben alrededor de cien personas) las credenciales que la afilian a sellos como Pampa, Kompakt o Studio Barnhus en una sesión en la que mostró varias aristas de su sonido pop, minimal, house y hasta afro, aprovechando el sobresaliente sistema de sonido del club para desarrollar un ambiente que se balanceaba entre lo dulce y lo intenso, con tracks como Roman Flügel - 9 years (DJ Koze Remix), Meloko & Selim Sivade - World y otros que era en vano intentar shazamear.

¡Qué viva la música!

Tracks: Cosmo Vitelli - Lights on

El DJ y productor francés basado en Berlín, Benjamin Boguet, mejor conocido como Cosmo Vitelli, no ha querido quedarse afuera de la lista de deseos navideños y ha publicado una compilación de ediciones especiales o remixes a tracks que según él ha venido tocando pero que para esta redacción suenan totalmente como nuevos.

Con el título de Edit Service Special Delivery Vol. 7 y siempre bajo su sello I'm A Cliché, son diez los tracks masterizados por Krikor Kouchian y liberados el pasado 10 de diciembre vía Bandcamp.

Foto: Cosmo Vitelli Bandcamp

Aunque son varios los que nos gustan ("Don Hell", "Two for one", "Don't stop" y "Want me no more", entre otros) porque ilustran ese variado sexy-slay-sound de una escuela Death Disco en la que tiempos y elementos que siguieron a los del punk, el post punk, el new wave y el electro clash resuenan y a la que Boguer asistió pero que ingeniosamente deconstruye produciendo una identidad sonora propia, nuestro track favorito de la compilación definitivamente es "Lights on".

Travieso. Hipnótico. Andante. Oscuro. Retrofuturista. Mientras la ciudad duerme durante la noche alguien dejó la luz encendida, dicen las letras. Seguro es Cosmo Vitelli y sus máquinas. Dale, slay, quiero decir, play:

De cuando la música te hace moverte: recordando al Gonzo con un track de Jimpster

Jimpster en Studios du Rhin, Estrasburgo. Foto propia.

Tenía ganas de escribir algo y supongo que para algo sirve este blog. Hoy hace cinco años murió el Gonzo. Eso es más que el tiempo que convivimos pero estas letras son evidencia de que lo nuestro, esa complicidad en una búsqueda perpetua, inquieta y creativa, sigue viva. Hace unas semanas me subí a un bus para cruzar el río que divide a Alemania y Francia para asistir a la presentación del DJ y productor inglés Jimpster que sé que le gustaba al Gonzo.

La vida me lleva/trae cerca de fronteras, de fronteras fluviales, de ríos. En Brasil era el Río Paraná y aquí el Rin. Y justo por esos días había estado leyendo el cuento A terceira margem do rio de João Guimarães Rosa en el que el padre del narrador "se retira" (deja a su familia y su vida en sociedad) para vivir indefinidamente en una canoa sobre un río sin dar razones.

Como perdí el bus que originalmente iba a tomar, llegué tarde a Estrasburgo. Así que apenas llegué a la estación de buses, me fui al hotel para cambiarme y salir rumbo a los Studios du Rhin donde uno de los fundadores de Freerange Records amenizaría la noche producida por el Festival Contretemps.

Gonzo en su programa de radio en 2016. Foto: Danzón Pérez Facebook

Localizado entre bodegas cubiertas por neblina, el venue era una excepción a la desolación y el frío de la noche que se percibía en los alrededores del lugar. Cuando llegué faltaba poco para que Jamie Odell entrara a la cabina y subiera la temperatura de la pista de baile por más de tres horas a punta de house, deep house, disco y tambores tribales.

En un momento de cercanía, me atreví a pedirle uno de sus tracks: Jimpster - English rose, que el Gonzo solía poner en su programa de radio en Guatemala los viernes por la noche. Casi de inmediato el también autor de "Roller girl" la mezcló con la velocidad de los beats por minuto más rápida de lo normal, me miro como diciéndome "esta es para ti" y yo me entregué al track. Apenas grabé porque supongo que fue mi manera de honrar la memoria del Gonzo.

La tercera margen del río en el cuento de João Guimarães Rosa representa un espacio simbólico y existencial: no es una ribera física, sino un entre-mundo, una zona liminal donde el padre del narrador decide habitar en soledad, separado de los demás y de las convenciones sociales. Al quedarse siempre dentro de la canoa, nunca toma tierra de ninguna de las dos riberas, así que la “tercera margen” es ese espacio imposible, ambiguo, fuera de toda lógica habitual: ni aquí ni allá, ni vida ni muerte, ni pertenencia ni rechazo total.

La música no se trata solo de música. English rose no es solo un track de Jimpster, es un medio que sirve de conexión entre el Gonzo y yo, un artefacto que crea un cronotopo especial, acaso como la canoa que conecta al personaje del cuento con el río. Cuando este track suena, el Gonzo está presente. Y cuando lo escucho y lo bailo, sé que él está contento porque nuestro fuego sigue encendido. Pienso que cada viaje, por corto que sea, es toda una vida; y por lo tanto una muerte, acaso como los ciclos que se cierran para que otros se abran. Salú Jose!

Te interesa: 

José Raúl González "el Gonzo": un mensaje personificado en un héroe guatemalteco (1)

José Raúl González "el Gonzo": un mensaje personificado en un héroe guatemalteco (2)

Tobias Bernstrup in Berlin 141125 (+playlist!)

Tobias Bernstrup en Urban Spree, Berlin, noviembre 2025. Foto propia.

El músico y artista visual Tobias Bernstrup se presentó en Berlín el viernes de la semana pasada como parte del line up de la fiesta de lanzamiento del nuevo EP de Alpha Sect en Crave Tapes en el que participó con un remix. Estuvimos ahí para contarlo.

Tras un viaje de casi diez horas combinando bus, carro y tren, desde Tübingen hasta la capital alemana; y una caminata de casi una hora desde el hostel hasta el venue, el Urban Spree, en una noche oscura y fría, ni la lluvia ni los charcos ni mi pantalón manchado de lodo pudieron impedir quitarnos la gana de presenciar y bailar el acto en vivo de un músico al que le hemos venido siguiendo el sonido.

Venerado como un ícono del Hi-NRG y del Italo Disco en México, el sueco publicó -bajo Nadanna Records- en agosto su séptimo álbum titulado Shadow Dancer que incluye singles como "Jackie 60" y "Chiaroscuro" versión original y Kendal remix pero también potentes tracks como "Under heavy strobe light", "And the smile" y "Breakout".

Salir con algo que difumine o cruce las líneas que encasillan géneros, ya sean sexuales o musicales, es parte de la propuesta estética de este artista. Antecedido por el live act local Tommy Countach que se permitió covers de Visage - Fade to gray y Real Life - Send me an angel y alrededor de la media noche, en medio de humo, luces rojas y blancas y su nuevo track "The sign of the cross" de fondo, el autor de "27", "Videodrome (junto a Trans X)", "Orrendamente solo" y "Midnight in the city" subió al escenario vistiendo uno de sus característicos andróginos y góticos atuendos para entregar poco más de una hora de un performance que incluyó una muestra de canciones lo suficientemente representativa de una ya larga discografía forjada por más de trés décadas.

Invitó al público a bailar abriendo en clave de synth pop con "Chiaroscuro", "Private Eye" y "Jackie 60". Le bajó a las revoluciones con "Doesn't matter" solo para volverle a subir con "Stranger", "Only one" y "Nylon". En un momento más dark wave y reflexivo cantó "Utopia", "Enemies of the earth" y, tras afirmar que no le gustaban las guerras, volvió al tono de fiesta con "Midnight blue", "Into the abyss" y "Shadow dancer".

Por ahí de la una de la mañana bajó del escenario solo para regresar a complacer a los más de cien asistentes con su remix de Alpha Sect - Felt Her Knife y, como no, la versión original y el laser mix de "27". Aprovechando que tuvimos acceso al setlist firmado por Tobias, elaboramos una playlist para revivir esa noche:

Tracks: The Chronics - Silent voltage (Bipolar Disorder Records)

Como parte del primer V.A. de la disquera basada en Genova, Bipolar Disorder Records, The Chronics publicó "Silent voltage", un track que podría ser el indicio de un palimpsesto sonoro que lo está posicionando como un nombre a prestarle atención en la escena techno.

El proyecto del Jules Auderset, que recientemente marcó presencia en el line up de la fiesta de 18 años Club Renate de Berlín y que próximamente compartirá con Klangkuenstler en su natal Suiza, no es un completo desconocido para esta redacción: Ya habíamos degustado algo de su sonido en la presentación de Miss Kittin en Buenos Aires que incluyó en su setlist ese delicioso track llamado "This is not a love song" con autoría firmada por The Chronics.

Empleando una fórmula que combina kicks diseñados para que retumben en espacios grandes, bajos propios del techno industrial, interludios enigmáticos mediante teclados y pads moldeados para darle profundidad a la textura melódica del track (que aquí lo calificaríamos de aerodinámico en el sentido de hecho para hacerte volar en la pista), "Silent voltage" es uno de esos tracks que suenan al final de la fiesta cuando todavía no querés que se termine. Escuchalo aquí:

Un domingo de agosto abriendo las ventanas del alma en el Berghain/Panorama Bar de Berlín

Una mañana soleada arribando al "templo" de la música electrónica
de la capital alemana. Foto propia.

"yacer

dejarse descender descender

se dice que todo lo que sube

debe de bajar

pero se dice

que no cualquiera vuelve

luego de haber tocado fondo

no es posible disimular o

hacer como si nada

en los ojos se nota

por cuántos vacíos se ha bajado

y hasta donde es posible más

...no hay parada"

Simón Pedroza 

Ahí iba yo: alrededor de las diez de la mañana de un domingo de verano en Berlín sin nada más que yo mismo, lo que soy y lo que tengo: esta piel, esta mente, este corazón, este religare (que me gustaría pensar he venido personalizando, si es que es posible) estas historias y estos intentos, cruzando el Oderbaumbrücke sobre el Río Spree. Iba descansado sin haber salido la noche anterior, bañado, vestido, desayunado y, tras una caminata de casi una hora de calentamiento desde el hostel, listo para el Berghain/Panorama Bar como quien va a misa. Cuando llegué, había una fila de menos de quince personas delante de mí entre los tubos de la entrada. Vi como les bouncers, una chica afro y un hombre con una gorra de los New York Yankees, le negaron el ingreso a varias personas. Yo estaba nervioso, tengo que reconocerlo, había escuchado y leído tantas cosas sobre este club que un rechazo en la entrada era un golpe a mi lastimado ego y era para dejarme pensando si todavía valía la pena seguir participando en una suerte de escena global de música electrónica como raver y periodista independiente. Ese era el nivel de relevancia personal en juego y por supuesto que iba solo y sin estar en la lista de invitados: era el Berghain/Panorama Bar, personificado en su filtro humano de ingreso, o sea, les bouncers y yo. Era mi destino y yo. Mi camino y yo. Mi suerte y yo. Todo o nada.

Llevaba gafas de sol puestas pero cuando llegó mi turno de ser "juzgado" en la puerta, me las quité. Curiosamente, la chica me preguntó -en inglés- si todo estaba bien conmigo. No sé si me lo preguntó porque el delineador que me había puesto en los ojos le agregaba cierto drama y profundidad a mi mirada -que yo performatizaba seria y directa como cuando uno pasa por el control de seguridad en los aeropuertos- pero solo le respondí que sí. El man de la gorra de los Yankees me preguntó si solo era yo, a lo que le respondí con un gesto medio abriendo los brazos y medio volteando a ver a mi alrededor como diciéndole: ¿mirás a alguien más a la par mía?, me vio a los ojos y supongo que es en la mirada, en un punto que los bouncers aprenden a reconocer con el tiempo, que saben tanto quién necesita, como quien podrá tolerar lo que ocurre adentro del club. Y, aunque ningún sistema de seguridad es infalible, y hasta a les bouncers del BH/PB se les filtran personas que solo entran de mirones a husmear e incomodar lo que pasa adentro, "the eyes, chico, they never lie": en los pocos segundos que duró nuestro cara a cara, pude percibir que, muy sutilmente y de difícil percepción, hubo algo que se quebró en su mirada, no sé exactamente qué fue (o tal vez sí: me vio a los ojos, y al verlos, supo que estaba frente a alguien que estaba sobreviviendo a una guerra interior), lo cierto es que solo sonrió y con la cabeza me hizo un gesto para que ingresara. Entré, como quien se prepara para cruzar un umbral entre uno y otro mundo, otro bouncer me pidió que sacara todo lo que llevaba en los bolsillos, lo hice, le puso un sticker color verde fosforescente a cada una de las cámaras de mi celular y pasé a pagar los treinta euros de cover. Me pusieron un brazalete y, quien me lo puso, pronunció la palabra liebe (que significa "amor" en alemán) cuando hizo un gesto como de sello o martillo con su puño sobre mi muñeca derecha.

No eran ni las once de la mañana y yo ya estaba en la parte de atrás del dancefloor del Berghain. Debo confesar que cuando ya estaba ahí, "reconociendo la cancha", se me salieron las lágrimas. ¿Por qué? Supongo que porque sentí que todo lo que había vivido hasta ese momento había valido la pena, porque estaba confirmado que era parte de algo más grande que yo. De algo que es parte de mi identidad. De una cultura de la que estoy parte. Lo demás, fueron diez hora de entregarse a la música (en este caso de Beatrice, Maemm y Chami, a quienes no había escuchado), de dejarse poseer por el sonido aerodinámico y habitar la pista de baile como quien habita un mundo ideal donde las únicas políticas son amar a tu prójimo como a ti mismo (o, no hacerle a tu próximo lo que no quisieras o no sabés si quisieras que te hicieran a vos) y ser/ofrecer códigos, referencias, por no decir dar el ejemplo, desde tu lugar en el espacio de la pista de baile (en el que verás pasar frente a ti una muestra de la diversidad del mundo, de vidas, de historias), de que hay que hacerse responsable de la realidad propia y de la gestión de instintos, pensamientos, traumas, emociones y demás. 

Alrededor de las ocho de la noche, mi personal main event, la presentación de Ivan Smagghe en el Panorama Bar, fue toda una revancha tras un frustrado intento de bailarlo en el showcase de My Favorite Robot en la última edición del BPM Festival en Playa del Carmen en 2017. La vida te quita y la vida te da. A mí me dio cuatro horas de danza rota en clave de electro techno en medio de una masa movediza de cuerpos sudorosos imposible de contener. Era un desborde corporal: los cuerpos chocaban y esos choques -esos shocks- eran llamados a cuestionarse y percibir las auténticas razones y sentidos para estar ahí. Yo fui a bailar mi revancha y lo logré. En cuanto Ivan finalizó, fui a descansar antes de cerrar mi jornada, de vuelta al Berghain para unas cuantas horas de las siete que tocó DJ Nobu y a caminar de vuelta al hostel.

¿Qué pasa adentro del Berghain/Panorama Bar? Lo mismo que pasa en cualquier otro lugar: el tiempo pasa. La cuestión es que el tiempo, el espacio-tiempo, el cronotopo, que se vive adentro de este club es un tiempo dedicado a la música y al sonido sí, pero también al autoconocimiento vía el deseo, el placer, la compensación inmediata, el hedonismo que se genera al encontrarse y reconocer, ya sea en las gradas o en los baños, la diferencia de la diversidad de seres que habitamos el mundo y que, a la luz o la sombra de la pista de baile, la verdad de la conmoción corporal no deja espacio para dudas: hay que aprender a fluir como el agua de un río que, aunque aparentemente estático en su cauce constante (o en el mismo lugar de la pista en el que estás bailando), en realidad el agua que fluye y lo constituye es diferente a cada instante (acaso como cada interacción con la otredad en la pista que te agrega conocimiento del mundo pero que también te deja una sensación de que, en el fondo, no somos tan distintos).

Pienso en la luz que entra por las ventanas del BH/PB del amanecer transformándolos en vitrales multicolor que se proyectan sobre los dark rooms. La evidencia del paso del tiempo es el cambio. Cada partícula de tiempo que pasa ya no somos lxs mismxs. Unos le llaman decadencia, otros le llaman salvación. ¿Y si la decadencia del ego es la salvación del alma?

Tracks: Arnaud Rebotini & Acid Washed - Gen Mix (Skylax Records)

Artwork: H5 Paris

Los productores franceses Arnaud Rebotini y Andrew Claristidge ¿o David Ducaruge?, mejor conocido como Acid Washed, publicaron el primero de cuatro EP's de una serie titulada R.A.V.E. que lanzarán, vía Skylax Records, de septiembre a enero.

Presentado como un tributo a las raíces y al futuro de la cultura rave y teniendo el álbum Musical Component de Rebotini como referencia, el EP nombrado Redshifts to Blueshifts, está compuesto por cuatro tracks originales que buscan capturar y transmitir la energía producida en vivo al jammear con los sintetizadores de los que el ex Black Strobe siempre está armado.

Acid Washed y Arnaud Rebotini en Bohnengold,
Berlín, agosto 2025. Foto propia.

Por una de esas gratas coincidencias y sorpresas de la vida, yo estaba en Berlín cuando Arnaud anunció en su Instagram que estaría dos noches en la capital alemana. Me lo había perdido en São Paulo a semanas de irme de Brasil, por lo que la primera de ellas, en el Bohnengold, un venue con varias salas: bar, juegos, pista de baile... era imperdible para mí y más, porque terminó siendo la unofficial release party de este nuevo material. La cuestión es que llegué muy temprano: ¡a las ocho! Y los autores del EP del que estamos hablando, solo iniciaban su jornada después de las diez, así que decidí salir a fumarme un cigarro en una de esas bancas que hay en cualquier lugar de Berlín y estando ahí, escuchando música en el celular, decidí ir comprar una cerveza a uno de los Späti cercanos. Cuando regresé, una chica estaba sentada en la banca. Vi si había otra banca cerca y, como no, le pregunté si podía sentarme. Terminamos platicando, resulto ser de Georgia y nuestra plática me hizo pensar en lo diferente que son las vidas que se encuentran en las pistas, que las pistas son como una muestra de la diversidad del mundo, o son el mundo a escala y la disco ball es como la luna, por eso es tan poderoso reunirse con la música como motivo.

Ya adentro del bar y después de varias Radler, el sonido disco que distingue al ciclo Welcome The Discothèque, dirigido por Acid Washed en este frecuentado venue de Kreuzberg, comenzó a escucharse por el sistema de sonido a diferentes niveles de volumen en los distintos ambientes del lugar. Personalmente era lo que estaba esperando así que bajé a la pista donde Claristidge ¿o Ducaruge? estaba iniciando la que sería una velada oscura y sudorosa con tracks como Den Haan - Release the beast que antecedieron a varias horas ininterrumpidas de un Arnaud Rebotini que llegó -en modo DJ set y en vísperas de su presentación en el Sisyphos- con altos voltajes de lo que yo llamaría 'disco-techno a la electroclash'.

Regresando al EP, nuestro track favorito es el de cierre: Gen Mix, un track intenso, dramático y ácido, que por momentos me lleva a From the crypt to the astrofloor de Laurent Garnier para el Speicher 95 de Kompakt Records. Un track techno que bien podría ser interpretado por una orquesta o ser la banda sonora de una película en la que el personaje está siguiendo a la música sin saber a donde lo está llevando pero con la esperanza (y el miedo) de que sea a un lugar del que ya no haya que escapar. Escuchalo aquí:

Cuando se acabe el mundo, la música seguirá sonando: Titanic presentó su nuevo álbum Hagen en la Kantine am Berghain

Titanic en la Kantine am Berghain, Berlín, septiembre 2025. Foto propia.

La banda liderada por el dúo compuesto por la violonchelista y cantante Mabe Fratti y el guitarrista y compositor Héctor "I La Católica" Tosta presentó su segundo álbum titulado Hagen, que salió el viernes, distribuido por la disquera Unheard of Hope, en la Kantine am Berghain de la capital alemana.

Detalles del outdoor area. Kantine am Berghain, Berlín, septiembre 2025.

Fotos propias.

En un día martes que comenzó lluvioso y terminó propicio para una caminata de casi una hora desde el hotel, en Neuköll, hacia el venue, entre los distritos de Kreuzberg y Friedrichshain, justo al lado del legendario templo de la música electrónica (al que ya nos referiremos en otro post porque el otro día entramos y sí, todo lo que se dice es cierto), fue anunciado por la productora Digital en Berlin y la Powerline Agency que las puertas abrirían a las 19:00 y el show arrancaría a las 20:00 con Jungstötter.

Aprovechando que llegué relativamente temprano, el lento paso de las nubes que, poco a poco, fueron ocupando el cielo despejado como expectadoras de lo que acontecía abajo, la mezcla de vegetación, concreto, metal y madera del paisaje y la selección de música chill out del bar afuera de la Kantine (sonaron esenciales como Jose Padilla - Sabor de verano), no fui el único en tomarse una cerveza de esas de medio litro típicas en Alemania y en descubrir que el espacio que hoy ocupa la Kantine, era el restaurante de una antigua planta de calefacción. Esperé a que se ocultara el sol e ingresé a la sala de conciertos de estilo cabaret industrial que, con una programación propia  y alternativa al club de al lado, abre sus puertas prácticamente todos los días a propuestas musicales independientes e innovadoras.

Kantine am Berghain. Berlín, septiembre 2025. Foto propia.

Con una capacidad para doscientos asistentes, la sala rectangular está conformada por el escenario, que esta noche luce un telón corinto de fondo, y sobre la tarima se ve una batería, varios micrófonos y monitores para los músicos, que serían bañados en luces rojas y amarillas toda la noche, y un sistema de sonido aéreo y de base. Al lado izquierdo de la entrada, una fila de bancos trípode esperando a los primeros en llegar; al lado derecho, una barra de bebidas con varias velas encendidas, que daban cierto aire de intimidad y atrás, la cabina del ingeniero de la sala con un retrato de la forma original de la planta donde hoy se encuentra el Berghain/Panorama Bar de fondo. Antecedido por una playlist que incluyó canciones como Godspeed You! Black Emperor - Babys in a thundercloud, alrededor de las 20:15 se apagaron las luces blancas que rodeaban la disco ball del techo de la sala para que el abridor, Fabian Altstötter, mejor conocido como Jungstötter, acompañado de un baterista, se subieran al escenario.

Jungstötter en la Kantine am Berghain. Berlín, septiembre 2025.
Foto propia.

Con las manos a veces en un piano y a veces en un bajo, una armónica alrededor del cuello, una voz grave, profunda, por momentos como el denso susurro nocturno de un utópico one man band, los trucos percusivos del batería y algunos sonidos extra desde una computadora, el austriaco interpretó algunas canciones de sus discos Love Is (2019) y One Star (2023) y se permitió probar alguna pieza en la que está trabajando. Más o menos media hora después, alrededor de las 20:45, agradeció la presencia de los asistentes y se bajó de la tarima junto al baterista para proceder a un intermedio que funcionó para el cambio de instrumentos y demás preparativos para lo que venía.

Alrededor de las 21:15, Friso Van Wijck se posicionó en la batería y Nat Philipps colocó al setlist al pie del saxofón para acompañar a la guatemalteca y el venezolano en la segunda fecha del tour de verano europeo de Titanic. La omnipresente atención de Fratti a las cuestiones técnicas me hizo recordar a los tiempos de SMA o FRAAEK en Guatemala donde se hacía lo que se podía con lo que se tenía pero, aunque parecida, su presencia no es la misma de las últimas veces que la vi hace casi diez años. La Mabe de hoy se ha convertido a sí misma en una referencia a la hora de hablar de romper los cánones tradicionales en la música contemporánea a punta de experimentar con su cello y con su voz. Con cuatro álbumes como solista bajo el arco: Pies sobre la tierra (2019), Será que ahora podremos entendernos (2021), Se ve desde aquí (2022) y Sentir que no sabes (2024); otro en colaboración con la fundadora de Malaria!, Gudrun Gut (Let's talk about the weather, 2021), otro con el colectivo Amor Muere (Un tiempo para amar, un tiempo para morir, 2023) y dos más con Titanic (Vidrio, 2023 y ahora Hagen, 2025), hoy por hoy continúa la construcción de un cuerpo de obra con el que ya es inmortal ("cuando deje de correr sé que no me van a perseguir", dice la letra de Te tragaste el chicle; "ya fui todo lo que quiero", dice Pájaro de fuego, ambas parte del nuevo material) aunque no por eso da señales de que vaya a parar, todo lo contrario, este año ha publicado colaboraciones con Lucrecia Dalt y Blood Orange y sigue girando en varios de los escenarios más especializados del mundo, como la Biennale Musica de Venezia dirigida por Caterina Barbieri, donde se estará presentando a doble turno en octubre.

Portada de Hagen. Artwork: Alejandro Beltrán.

El repertorio de Titanic, que para esta ocasión se alinea de izquierda a derecha con Van Wijck en la batería, Tosta en la guitarra, Philipps en el saxofón y Fratti en el cello y la voz, va un tema tras otro casi sin esperar por los aplausos. Alterna entre canciones de sus dos álbumes y sustituye los teclados de las versiones de estudio por el saxofón para recrear otras versiones en vivo con un toque de improvisación que emana una atmósfera de orden en el caos. Realmente cada una de las canciones tanto en su composición lírica y músical como en su interpretación en directo es una aventura diferente. El personaje de esta epopeya es la música misma, que siempre encuentra su camino para sonar y salvarnos. La utopía entonces del periodismo musical es transcribir una experiencia multisensorial en un texto que represente lo que se sintió estar de cuerpo presente ante un acto musical tan travieso e impredecible como este. Por eso, me conformaré con mencionar tres momentos. El primero, el inicio con Anónima que permitió que el cello y la voz de Mabe nos introdujera a la declaración de intenciones de la banda: hacer que el público entrara en un intenso estado de suspenso, incertidumbre y sorpresa. El segundo, la balada existencial Alzando el trofeo que le canta a la proporcionalidad entre decepción y expectativa: "Como imaginar que alzando el trofeo caería en arenas movedizas", dice el coro. Y el tercero, La trampa sale, acaso mi canción favorita del disco y una difícil decisión a la hora de escoger entre la versión original de estudio con pianos y sintetizadores que me hace bailar o la versión en vivo improvisada con guitarra y saxofón que me hizo gritar, especialmente desde el 02:47.

La traducción de la palabra inglesa "play" al español es "jugar". Así que podríamos decir que Titanic aprovechó el telón de fondo del escenario de la Kantine am Berghain para "jugar" un drama sonoro en clave de tensión y liberación al interpretar Libra, Hotel Elizabeth, Lágrima del sol, Gotera, Escarbo dimensiones, La dueña, Gallina degollada, Te evité, entre otras, para completar una hora de show. No sin antes presentar y dar lugar a un solo instrumental de cada uno de los demás integrantes, la artista guatemalteca basada en México agradeció la presencia de las casi cien personas ahí reunidas y la banda correspondió con un encore despidiéndose finalmente alrededor de las 22:15.  

Mabe Fratti y Héctor Tosta en la Kantine am Berghain, Berlín, septiembre 2025. Fotos propias.

Masterizado por Rafael Anton Irisarri, compuesto por diez canciones y de 33 minutos de duración, Hagen es un disco que transita entre géneros musicales con particularidad sónica, cada tema distorsiona una estructura fractálica creando microcomposiciones dentro de una misma pieza: por eso es jazz, es pop, es rock, es clásica, es experimental y no es nada en específico, es una vanguardista manera de concebir la música y el arte: el atravesamiento, procesamiento, reapropiación y montaje de influencias hasta desarrollar un lenguaje estético propio. Musicalmente abstracto pero narrativamente concreto, las letras de Hagen, mediante la voz de Fratti, dialogan con su audiencia uno a uno, como un experimentado amigo que cayó y regresó del infierno, aprendió a hacerse responsable de su mundo, su realidad y su porvenir y ahora es un como un refugio. En vivo Titanic es una banda que no requiere mucha parafernalia: la magia sucede de frente sin más trucos que la divinidad manifestándose por medio de la música que nace cuando los cuerpos sonoros de humanos virtuosos y los sedimentos acústicos de instrumentos con una ancestralidad material se encuentran.

Cuando termino de escribir esto, Titanic ya se ha presentado además en Jena, Praga y Dudingen como parte de una gira que continuará en Europa con Hagen como protagonista hasta finales de octubre. Sirva el presente texto como un registro de una noche en la que la música hizo confluir muchas identidades y temporalidades cambiantes y como un recordatorio de que cuando el mundo se acabe, la música seguirá sonando.

Cartel del Titanic Tour 2025 por Europa.
Fuente: Instagram de la banda.