No quise hacerte la pregunta que he venido guardando desde hace más de cinco años porque no quería que te perdieras para siempre. Además, era hora de bailar, así que preferí esperar la incierta e improvocable próxima y desde entonces estoy aquí, soñando con escapar a un loop que vos y yo conocemos bien: el amor se acaba pero no hay nada más que hacer.
Hay quienes abandonan el deseo para no sufrir más y hay quienes aman a su prójimx como a si mismxs. La diferencia entre desear y amar es lo que duran. Para amar no hay momento ni lugar. Tras un deseo viene otro.(Dejar de)Esperar es otra forma de sufrir. Por eso te volveré a encontrar y esta vez, si respondes, ten cuidado con el agujero. Somos habitantes de una zona de paso.
Con la película "Lost Highway" de David Lynch como una de sus influencias fílmicas "por el interés de lo intenso, freaky-lujurioso y paranoico-fascinante de las escenas oscuras en las que la cámara se acerca a la carretera como cayendo en la trampa de pretender capturar la nada que la recorre" el dúo estadounidense de dark pop, Boy Harsher, publicó su tercer álbum de estudio titulado "Careful" el pasado 1 de febrero. Acaso una compilación de diez canciones-escenas en las que la música congela por 44 minutos el tiempo, registra el todo y cuenta la historia de dos enamoradxs.
Gus Miller and Jae Matthews han estado toureando ininterrumpidamente en venues underground y clubes medianos de Norteamérica y Europa desde el lanzamiento de su primer EP "Lesser Man" en 2014 que ya incluía el meteórico hit "Pain".
Para sostener su caluroso y sudoroso sonido EBM, se han valido de un fantasmal sentimiento de nostalgia del que parece imposible escapar y que gusta tanto a punks y góticos como techneros e industriales. Tracks como "Morphine" de su segundo disco "Yr body is nothing" -publicado en 2016- y "Motion" de su EP "Country Girl" de 2018 -editado también en su propia disquera Nude Club Records- son el soundtrack perfecto para regresar a(o irse de)casa antes que todxs despierten. Después de todo, para no caer en la tentación, hay que acostumbrarse a su presencia.
Cada mes, I'm a Cliché Records (creada en 2004 por Cosmo Vitelli), a través de su serie "Edit Service", regala en formato mp3 la versión editada de un track sin publicar de alguno de sus afiliados.
Este mes, la disquera parisina liberó la edición que Benedikt Frey le hizo a la sudorosa canción "You" de la referente banda synthpop Boytronic a la que, el también germano, le redujo la velocidad, lo que aumentó la psicodelia y redimensionó la suplicante voz de Holger Wobker.
Hace unos días me preguntaba por qué el dancefloor guatemalteco todavía se emociona por una "Drumcode Night". La respuesta apareció cuando caí en cuenta del año que está iniciando, 2019: la escena de música electrónica en Guatemala cumple 20 años aproximadamente y, como joven, en primer o segundo año de universidad, cree que sabe lo que hace hasta que lo que hace cuestiona lo que cree.
Cuando en los 80's las discotecas gay como After Dark y de moda como Dash o Bacos y las discos móviles como Music Power o Columbia Station, entre muchas otras, programaban dance hits -en vinilo, cassette o CD -importados en su mayoría de México y Estados Unidos- o cuando en las fiestas de La Fosa Común a finales de los 90's había un ambiente para lo que se conocía como música electrónica o cuando Música 502 -la primera promotora del género- a inicios de milenio empezaba a contratar artistas internacionales (actualmente etiquetados como exponentes de Progressive House y Electro); la intención, no era crear una escena o industria. La intención, primero, era consecuente al fenómeno de la globalización de las tendencias -no sólo musicales- y segundo, causante -inconsciente- de una oferta primaria de consumo. Tras la sucesión de la televisión por cable y la telefonía móvil por el MP3 y el Internet esta oferta se fue catalogando y redirigiendo a audiencias específicas más directamente gracias a los nuevos canales y tácticas de comunicación, distribución y promoción.
Para el 2007 nombres como Enrique Ponce, Rafael Pretzanzín y Andrés Castaño (con Empire Promotions, Selekto y Cube, respectivamente), re-encausaban los pasos del dancefloor. El primero, con un enfoque comercial; el segundo, con un enfoque hedonista; y el tercero, con un enfoque constructivo; pero de cualquier manera, eran tres formas de legitimar el nicho de mercado que había inaugurado Rafael Tres con Música 502 en 1999: el de los eventos de música electrónica que ya se consumía a distintas escalas y colores en todo el mundo y que en Guatemala se alimentaba de los públicos que atendían lugares como The Box que desde 2003 agendaba dj's locales todos los fines de semana.
Por aquellos años el Trance dominaba la escena internacional entonces Empire Promotions contrató a los artistas del momento para masificar su posicionamiento y hacerse de los patrocinios -cuasivitalicios- de marcas de la Cervecería Centroamericana (propiedad de una de las familias criollas que han monopolizado las industrias nacionales desde la época independentista gracias a beneficios fiscales y otras facilidades que los gobiernos de turno -en los que han influenciado- les han otorgado para librarse de la competencia). Selekto, por su parte -y con financiamiento propio- era la contratendencia y los artistas Minimal y Techno que proponía, encontraban lugar en espacios como Irradiah y Kahlúa. Cube se movería entre ambos espectros con la melodía como especialidad de la casa.
La popularización de la música electrónica en 2010 gracias a la descentralización de los clubes y el resurgimiento de los festivales masivos derivó en el EDM (también mal llamado Progressive House), un subgénero caracterizado por el drop y la parafernalia espectacular sobre el escenario así como por la interacción del DJ con la pista de baile mediante el micrófono. La "EDMización" del circuito mainstream a nivel global, provocó que nuevas tendencias vinieran de la oposición para competir por el nuevo nicho de mercado-dancefloor que se había creado casi espontáneamente: el underground.
Cube, que en 2009 había inaugurado CubeRec -la primera disquera guatemalteca- también era pionera en la creación de contenidos mediante un blog y un programa de radio en FM. La idea era formar criterio para discernir entre la oferta que pretendía segmentarse cada vez más. De ahí que también produjeran festivales como Central Electrónica y Semana de Música Avanzada más adelante. Ambos, con una convocatoria insostenible. Sin embargo, venues como D'Embossa y Stage (antes llamado Irradiah y Atlantida y después Sin Privé) vieron a los disidentes del Trance desarrollar sus hábitos de consumo musical saciándose de otros ritmos no tan rápidos ni tan melódicos como el Tech House propiciado por nuevas promotoras como Saga Crew de Ricardo Girón -conductor del programa de radio Atmósfera Electrónica- y Edna Izeppi. De 2010 a 2012 y de la mano de Stage, Saga realizaba casi una fiesta por mes.
Del lado rave, Monstruo Ink (que había gestado el Rave del Castillo del 2000 al 2008 ininterrupidamente), Fraktal Crew (activa desde 2006) y Psyfamily Guatemaya (responsable del Cosmic Convergence desde 2012) hacían lo suyo como haría Bass Supremacy con el Drum & Bass.
En 2010 José Raúl González aka JR Gonzo saldría al aire en FM junto a su amigo Alex Bunge en el programa de radio Kool Beats que, al igual que el programa de Cube, se transmitía por Radio Infinita y que podría decirse, lo sustituyó. La propuesta del llamado DU-ET era clara: House Music para unir a la gente bailando. El mismo año, el también llamado Gonzo-Gonzo empezaría Danzón Pérez con las llamadas Danzón Nights en las que se presentaba los miércoles, que eran los días que menos gente llegaba a The Box. Para 2013 Kool Beats cambió su nombre por Danzón Pérez, más alineado a su narrativa y que en ese año había conformado un crew multidisciplinario (música, diseño, fotografía editorial), también ya producía los Danzón Sunsets (uno de ellos fue el primer evento en el jardín de la casa que luego se llamaría The Secret Garden), el Danzón Podcast, había inaugurado la disquera Danzón Records, se comenzaría a imprimir El Danzante y en los años siguientes robustecería su plataforma con dos programas de Danzón Radio más y un website para el que generaba contenidos propios, entre otros proyectos representados con una fuerte presencia virtual en redes sociales.
Desde 2013 otras promotoras como Four Promotions y Kill The Rave e incluso The Secret Garden (que al año siguiente abriría oficialmente como tal) competirían por el dancefloor underground trayendo importantes artistas internacionales mientras se preparaba la primera edición del Empire Music Festival (EMF) en 2014: un festival multigénero de dos días en cuatro escenarios que recibiría alrededor de 15,000 asistentes. y, paralelamente, Cube, ahora de la mano de Danzón, centraba sus esfuerzos en Semana de Música Avanzada.
En 2015 Danzón concebió "El Encuentro de las Tribus", un festival para celebrar su quinto aniversario, cuyo itinerario y line up convocó tanto público de la escena electrónica como de la escena alternativa. A finales de ese año abriría Espacio Solemne de Rodolfo Rivera (en 2016 empezaría la promotora Sonido Moderna) que continuaría ese proceso de "integración" entre los públicos de las escenas. Hasta ese año, muchas de las personas que habían asistido como aficionados no encontraron forma de participar de esta "comunidad" que no fuera haciéndose -o imitando- dj's de la música que escuchaban y empezando simuladores de promotoras maquilladas con conceptos superficial(por no decir mediocre)mente diseñados y gestionados. De esa cuenta que en el país hayan tantas pseudopromotoras que no vale la pena mencionar como narcopartidos políticos sin tanta diferencia en las propuestas de unas como las promesas de campaña de otros.
Con estos antecedentes, podemos regresar a la pregunta de inicio: ¿por qué el dancefloor guatemalteco todavía se emociona por escuchar lo mismo que venía hace más de 10 años? responder y formular otras:
Primero, porque no hubo continuidad en la formación y masificación de criterio para discernir: se dejaron de publicar contenidos que enseñaran a consumir la música (porque si no, la van a seguir tomando como una droga que no han probado). Y segundo, porque no hubo un proyecto que conectara las generaciones que han habitado el dancefloor desde hace más de 20 años, por lo menos 5 ó 6. Las consecuencias inmediatas son que lxs jóvenes que habitan el dancefloor actualmente lo más que saben de música electrónica es lo que han aprendido en el entry level del EDM de los 13 a los 19 años por lo que son susceptibles a cualquier tendencia -así sea mal llamada Techno.
Otra es que el dancefloor guatemalteco (aunque a veces se encuentren habitantes de antaño) sigue saliendo a distraerse y no a participar de una comunidad de música electrónica porque al no existir, si no industria, al menos una plataforma que le facilite valores y patrones con los que se pueda identificar y sentirse perteneciente, más se le dificulta encontrar puntos en la pista de baile que le permitan trascender las condiciones que le limitan e incidir en su realidad: las prácticas de las promotoras y los venues muchas veces discriminan racial y sexualmente, exclusivizan la música e instrumentalizan a la mujer (Lee: Por qué no voy a ladies nights ni a fiestas donde las mujeres entran 2x1 o no pagan) degenerando la cultura electrónica que desde el inicio ha sido de inclusión, diversidad, libertad, respeto y conexión.
¿Por qué es importante la cultura electrónica y cómo hacer que el dancefloor participe en la construcción de esta comunidad incidente?
A la escena guatemalteca no la toma en cuenta nadie ni nada más que su propio eco porque no interactúa con el entorno condicionante en el que se desarrolla: no habla con los contextos histórico, político, económico y social que vive el país sin lo que no tendría lugar. Y ni siquiera se retroalimenta.
Entendiéndose como los valores y hábitos en un espacio y tiempo compartido y diverso que enmarcan la conexión con la música, la cultura electrónica puede trascender el club/rave/festival e incidir en la realidad de su contexto en el que se desarrolla.
¿Para qué trascender el cronotopo efímero de una jornada de baile?
Responderé esta pregunta con otra que ponía Inés sobre la mesa la otra noche: ¿qué podés esperar de un evento en Guatemala si desde "cómo ir" es una experiencia cuestionable por razones de seguridad, etc.? Aquí se evidencia la necesidad de una proporción entre lo recreativo y lo político: el mejor sistema de seguridad es la convivencia, si nos conocemos, nos cuidamos y qué mejor lugar que la pista para propiciarla.
La cultura electrónica se fomenta mediante el discurso de quienes están configurando la experiencia de consumo de música -no sólo en la ciudad- ya que el canal/medio empleado, el mensajero/artista y el proveedor del micrófono/speaker, o sea sus prácticas, también son el mensaje y la intención.
"El silencio resuena en los oídos como un sonido de caracola, de esas caracolas que llegan muertas y vacías a la playa y se quedan allí, llenándose del vasto rumor de las olas, hasta que alguien pasa y las encuentra y, acercándolas lentamente al oído, se pone a escuchar y dice, El desierto."
Cuatro horas de lo mejor que escuché publicado este año en orden cronológico:
Against All Logic - Such a bad way - Other People
Clarian - Under the gun - Balance
C.A.R. - This city - Ransom Note Records
Pale Blue - Daughter of babylon - Crosstown Rebels
La máquina fue poseída por el alma. Se podría decir que eso fue lo que sucedió entre el productor colombiano -disidente del Trance pre-edm y militante nato de la experimentación- y lo que utilizó para componer su EP en el legendario sello R&S Records, en el que ya había debutado a inicios de año con el single "Collider".
Su computadora portátil, un mixer, un set básico de monitores y la experiencia de más de diez años haciendo música diversa pero de calidad transversal fue lo que requirió Santiago Niño para entregarle cuatro tracks inéditos a la disquera belga bajo su nuevo alias (una clara referencia a los intereses del multifacético autor) tras vender su estudio profesional.
"Techgnosis", no sólo cumple con la expectativa de Renaat Vandepapeliere -fundador de R&S- y es la continuidad del proyecto Techno de Hermetics, sino también es la proyección de lo que para Hermetics es esencial manifestar mediante la música: el eclecticismo de la existencia humana. ¿Cuántas vidas vive una persona en su vida?
Animismo a fuerza de arpegios; el suspenso del Jazz (propio de la abismal oscuridad previa a la luz del final del túnel instrospectivo), lo energético del Acid y lo hipnótico de una línea que parece infinita mientras construye un incesante paisaje sonoro, se encuentran en un cóctel digno de una película.
Disponible en las principales tiendas de vinilos y todas las plataformas digitales desde el 7 de diciembre. Dale play:
Cuando Contanza Piña se presentó como Corazón de Robota en el taller titulado (por el Festival ahora Colectivo Gradiente) "sintetizadores hechos a mano" que vino a impartir en julio 2016 a Guatemala en su paso hacia México, contó que los robots habían sido creados para realizar el trabajo que el hombre no quería hacer y que su nombre artístico era una alusión a "ponerle corazón al trabajo tedioso". Y es que sí, alguien tiene que realizar ese trabajo también. Pero, ¿cómo sentir tan siquiera atracción por la dificultad, por la des-facilitación de la existencia y, no digamos, tomarle cariño?
Fotos: Pepe Orozco
Para esta chilena, "cuando a alguien le sobra, a alguien le falta" y eso provoca una espiral de consumo nocivo por lo que, para ella, la basura no existe. Así recorre el mundo con maletas llenas de material electrónico reciclado y las herramientas necesarias para hackearlo: modificarlo y reusarlo en sus presentaciones como referencia del noise y la experimentación latinoamericana pero también para compartir su conocimiento ya que,"si alguien sabe hacer lo que yo sé hacer, también le puedo preguntar", dijo, provocando un perpetuo horizonte de posibilidades creativas.
Foto: Constanza Piña
Al alejarse del uso de computadoras y costosas máquinas, el proyecto sonoro de Corazón de Robota presenta una perspectiva retro-tecnológica creando artefactos de sonido de bajo costo construídos con tecnología modesta, desperdicio, cajas de chocolate y electrónicos reciclados bajo la filosofía de anarco-feminismo-electro-tecnológico y open hardware.
Hace dos semanas, Contanza Piña publicó su primer material discográfico. Se trata de un EP de tres tracks titulado "Infinitud Oceánica", en cuyos 35 minutos de duración, está representado su performance sonoro: sintetizadores hechos a mano, secuenciadores, filtros, errores, aberraciones electrónicas y cómo no, "el kick(los latidos)del corazón". La portada fue ilustrada por Delia Iglesias y está disponible en casete y en Bandcamp. Sumérgete aquí:
Esta semana la disquera Artemisa Records anunció el cierre de "La Encomienda", la trilogía discográfica en la que el DJ y productor guatemalteco Mariano Santolino ha estado trabajando en los últimos años.
Más de doce Lados B compondrán "Micro & Macro: La Encomienda B-Sides Edition" que estará disponible a partir del 16 de noviembre en CD Mix y doble álbum digital. Hoy te presentamos el primero.
Ya sea porque vas escuchando "Wilkie" en tu viaje a la playa o porque al atardecer estás despidiéndote de tu pareja con "Fantasy" de fondo o porque su rework a Benedikt Frey - "Out of here" sonó en la fiesta de anoche, la posición de Roman Flügel en el panorama de la música electrónica global es incuestionable. Hoy, el originario de Frankfurt suma un nuevo álbum a su extensa discografía.
Con este, tan sólo en los últimos cinco años ha lanzado tres producciones de larga duración: "Happiness is happening" y "All the right noises" bajo Dial Records, en 2014 y 2016, respectivamente, y ahora "Themes I - XIII", editado por ESP Institute cuyo catálogo se ha venido robusteciendo.
Para algunos medios especializados, fue con "All the right noises" que Roman se alejó de componer música para la pista de baile; algo que en #ItsNOTallAboutMusic no diríamos puesto que somos fans de la mayoría de los sencillos, EP's, remixes y participaciones que Flügel ha publicado entre álbum y álbum (por no mencionar su Fabric 95) y porque estamos de acuerdo con que el host de las Sister Midnight nunca, en los más de veinte años activo, se ha limitado a sí mismo creativamente.
Si bien es cierto que "Themes I - XIII" podría ser la continuación de un mood experimental, más cierto es -porque el mismo Roman Flügel así resume su nuevo álbum- que "sigue reduciendo la cantidad de notas" que emplea, en una suerte, para nosotrxs, de minimalismo melódico perfecto para el soundtrack de los coloridos cielos de fin de año que están viniendo. Escuchalo aquí:
Daniel Valanti, mejor conocido como Giaga Robot -y por ser la mitad del dúo italiano Margot junto a Stefano Serafini aka DJ Pepe- le ha puesto fin, tras 5 años, al "stand by" de su disquera homónima -Margot Records- para editar "Insieme" (que en italiano quiere decir "juntos" o "conjuntamente") un hit que sus fans veníamos esperando desde su sesión para Boiler Room Tuscany en 2016.
Para promocionarlo, el también originario de Riccione, ha recurrido al director Martino Masi para que dirigiera este video protagonizado por el actor Miro Tentoni.
"Tal vez nunca has tenido que preguntarte a ti mismo cuál es tu lugar en este mundo. Yo soy Miro y me lo pregunto todos los días. A veces me mantiene despierto en la noche. A veces es fácil de ignorar. He intentado encontrar una respuesta en el amor pero sigo gritando en mis sueños: Al final, dejo esta maldita casa: La familia. El amor. La madre. El alma. Eres la llamada "vida". Y sigues sin entender. Pero yo sí. Yo ya entendí. Te he visto, chico, "la vida". No dejaré nada. No soy bueno para esta vida. Pero la viviré mejor que tú. Gastaré cada momento y no recordaré ninguno. Este es mi abandono. Y gracias a mí, tú también la vivirás."
Con este monólogo-manifiesto que el actor le dirige a un árbol al inicio del video, te invitamos a escuchar el EP que salió el viernes e incluye un remix de DJ Tennis:
Caroline Chaspoul y Eduardo Henríquez necesitaban explorar territorios musicales que no habían encontrado en su pasado post punk como Pánico en donde eran mejor conocidos como Carolina Tres Estrellas y Edi Pistolas, de ahí que el dúo franco chileno publicara en 2015 su EP “Aparece en sueños” editado por el recién extinto Kill The DJ Records y en 2017 “All the way” en el que colaboraron con Alejandro Paz.
Hace unos días, Nova Materia lanzó “It comes”, su álbum debut bajo la belga Crammed Discs, un proyecto que “hace coexistir esta cosa robótica de la programación electrónica con la materia viva, que está cada vez cambiando y que es un magma de sonido”. “La idea mayor es ofrecer algo más asequible, ayudar al público a entrar en sonidos que no son tan usuales. Si tú sacas la parte rítmica y te quedas solo con las cosas orgánicas, te encuentras con una música totalmente distinta y que es experimental. El hecho de agregar algo más bailable permite a un público entrar en estas sonoridades, que a la vez, son sonoridades que todo el mundo conoce. Porque muchas veces son sonidos de la calle, o que tú puedes escuchar en la naturaleza, en el paisaje, en un paseo. Es hacer coexistir la tradición y la cultura de la música y las cosas que siempre escuchamos”, responden Eduardo y Caroline en una de las múltiples entrevistas que están surgiendo en la web.
“Estos sonidos orgánicos son piedras, maderas, fierros que seguimos siempre utilizando en vivo. Elegimos los momentos que nos gustaban más de esos sonidos. Son los que encontramos en la naturaleza o en la ciudad, incluso en basureros o cosas así de fierros, de construcciones. Desde ahí provienen, a veces cortamos los tubos para llegar a una nota o línea percusiva, por ejemplo”. “Entonces, tiene un aspecto de música concreta, otro de electrónica, de música pop también y hasta artsy, porque hay una instalación en vivo, con los fierros cuando nos presentamos, es una performance. Es transdisciplinario. Una voluntad transversal que tuvimos desde el inicio”, exponen.
"Nov Power" fue el primer sencillo de "It Comes", el álbum debut de Nova Materia en Crammed Discs.
“It Comes” incluye colaboraciones en el estudio de Chloé y las vocales en japonés de Narumi Hérisson de la banda Tristesse Contemporaine que se suman a otras en español, inglés y francés. Su sonido: chamánico y psicodélico, primitivo y extravante, mineral e inmaterial, es una reminiscencia del concepto tecnológico descubierto accidentalmente hace más de 12,000 años: entre una piedra en mano (acaso el primer martillo empleado por la humanidad) y un software para convertir fotografías en piezas sonoras, no hay ninguna diferencia: estilo es todo lo que no es técnica.
De si este país es realmente independiente o no, celebramos la utopía con dos rolas de músicxs guatemaltecxs que han estado resonando en la redacción de #ItsNOTallAboutMusic los últimos días:
Escuchábamos algo optimista - Mabe Fratti
Tercera pieza de su nuevo EP "Aprendiendo a hablar" publicado el 30 de agosto. En este track, la chelista -actualmente basada en la Ciudad de México- envuelve sus cuerdas en tensos sintetizadores mientras un saxofón funambulista (Roberto Tercero) camina sobre ellas. La voz libera al suspenso de la tensión. A estas alturas, Mabe ya está en "un lugar desde donde todo se mira como ruinas". Ese "lugar mejor" no puede ser otro que el presente.
Timeless condition - Mariano Santolino
Con este track cierra "State of illusion condition", el EP con el que se estrenó ayer -17 de septiembre- en Danzón Records. En esta pista, el DJ y productor explora una integración entre sonidos de sintetizadores análogos y su ya reconocible sonido deep tech que a media rola interviene con una serie de layers, pads y percusiones para volverla a soltar hacia lo desconocido que, como cualquier variable, es incierta, es segura, es premisa y, por lo tanto, es infinita.
Si vos también sos fan de las causas perdidas, podés escuchar completo "Aprendiendo a hablar", el nuevo EP de Mabe Fratti acá y "State of illusion condition" de Mariano Santolino por acá. Salud.
Siempre que hablo del cineasta me es imposible no mencionar lo que le respondió a alguien que le preguntó cuál había sido su mayor dificultad para realizar Te Prometo Anarquía -que esa noche (de un lunes, si no mal recuerdo) presentaba fugazmente en la ciudad: "antes me preguntaban cuál había sido la mayor dificultad para realizar mis películas y respondía que era la falta de presupuesto; la mayor dificultad para realizar esta película fue contar con el presupuesto porque se me acabaron las excusas". (Había ganado -por segunda vez consecutiva- el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México.)
Años y premios después, nos referiremos a Hernández Cordón como uno de los principales responsables de la evolución que ha sufrido el cine en Guatemala no sólo por la inspiración que el autor representa para las nuevas generaciones al, prácticamente, haber inventado un nuevo género cinematográfico en el que no emplea actores profesionales sino que busca gente alrededor suya que podrían ser protagonistas de sus historias-estilo documental, sino también porque Julio ha querido compartir lo que se encuentra en los múltiples festivales alrededor del mundo en los que participa gestionando independientemente muestras de cine cuya programación no se ha repetido en el país.
Julio Hernández Cordón, un artesano nostálgicamente desarraigado (nació en los Estados Unidos, creció entre Guatemala y Costa Rica y ahora vive en México) pasó de "hacer lo que hace para él sin pedir opiniones para no deprimirse" a ser reconocido internacionalmente "por su particular mirada de la realidad". Googleando las entrevistas que le han hecho realmente queda poco por preguntarle (o por lo menos yo, por el momento, me quedo corto). Sin embargo, es un verdadero honor hablar(no sólo)de música con él a propósito de la retrospectiva de los últimos 10 años de su obra que ofrecerá en el ciclo de cine que lleva su nombre del 29 de agosto al 1 de septiembre en la Ciudad de Guatemala.
¿Quién y cómo se componen los soundtracks de tus películas?
Al inicio de mi carrera leí Las Notas del Cinematógrafo de Robert Bresson y él expusó que la música en el cine era un especie de delito. Por eso en Gasolina casi no hay música. Además la música es cara. Pero en todas las películas que he escrito lo hice con música y repito la canción 500 veces mientras escribo y otras 500 veces cuando estoy en el rodaje. Normalmente estoy con audífonos en el set escuchando música o la canción que me pone en un estado emocional de fragilidad.
Cuando me mudé a México mi relación con la música cambió. Por primera vez tuve dinero para comprar las canciones con las que escribía. Uso música que está en mi playlist de la computadora. Mi gusto es muy diverso.
¿Qué papel juega la música en tus filmes?
Normalmente es la fragilidad de mis personajes. Pero no intento acentuar nada quiero acompañar a mis personajes. También es una forma de decir está película es mía porque esa canción está en mi computadora.
¿Creés que se pueden encontrar verdaderos cortometrajes, por ejemplo, en videos musicales o creés que son formatos-industrias aparte?
Por supuesto.
¿Alguna(s) recomendación(es)?
Artic Monkeys - Leave before the lights come on
Spiritualized - Hey Jane
Bonnie "Prince" Billy and Matt Sweeney - I gave you
Blood Orange - I'm sorry we lied
Arcade Fire - The Suburbs
Beastie Boys - Sabotage
En una de las entrevistas que leí, mencionaste que estabas terminando de escribir "Neza" tu próximo proyecto. Recuerdo que, cuando presentaste "Atrás hay relámpagos" en Guatemala (te pregunté por la participación de tus hijas) ya estabas trabajando en "Cómprame un revólver". ¿Cómo manejás la continuidad? ¿Cómo decidís cuál será la próxima historia que contarás? ¿En qué te inspirás o qué criterios utilizas?
Hace dos años mis hijas se regresaron a Guatemala. Fue un golpe muy fuerte. Aún no me repongo. Por eso hice una película con ellas. Es una historia acerca de la paternidad, la infancia y las cosas que me gustaban de niño. Me sirvió para que ellas entiendan en qué consiste mi trabajo y por qué debo estar en México y no en Guatemala. Eso es Cómprame un revólver para mí.
Tengo una lista de películas pendientes. Por ejemplo, hay un guión terminado desde el 2013 que se llama Perros Románticos (antes se llamaba: Está escrito en sus árboles), pero preferí escribir Cómprame un revólver y hacerla primero. Mi decisión fue una corazonada. Te prometo anarquía iba a ser mi segunda película pero en Guatemala ningún skater se animó a actuar -el papel era un romance entre dos actores. También en ese momento la historia era más apegada a mi hermano y las cosas no estaban bien con él. Tuve que hacer cambios para realizarla y bueno, se la dediqué a él. Tampoco se podía conseguir el dinero para hacerla y eso me sirvió para salir de Guatemala. Algo que debí hacer antes y pospuse durante varios años por miedo a no dar la talla. pero necesito hacer películas constantemente, me pongo de mal humor y me deprimo si no lo hago. Por eso me fui o huí. Entonces dejaba a un lado mis guiones y me inventaba algo sin tanta parafernalia, cómo es el caso de Las Marimbas del Infierno, Hasta el sol tiene manchas, Ojalá el sol me esconda y Atrás hay relámpagos. Esas son películas que necesitaba hacer o me hundía en una depresión. Necesito cada cierto tiempo historias que me den la sensación que soy autosuficiente, que decido, me empodero.
"Cómprame un revólver" es la nueva producción de Julio Hernández Cordón en la que actúan sus hijas. Se estrenó en la 50a. Quincena de Realizadores de Cannes.
¿Sería mucho pedirte una playlist para escuchar de fondo entre película y película en el ciclo de cine que presentarás este año?
¿Hay algo que querrás decir/compartir para cerrar esta entrevista?
Guatemala me radicalizó en cierta forma de hacer el cine. Me dio los cimientos para hacer cine de guerrilla, humanizó mis historias y me hizo comprender que la fragilidad es vital para crear personajes.
Como últimamente nos han estado invitando a tocar juntos, nos turnamos en qué carro nos vamos. La última vez, nos fuimos en el de aquel. Cuando terminó la fiesta, salimos caminando hacia el parqueo y nos subimos al carro. Aquel arrancó y a unos cien metros de camino, dijo: —hijueputa vos… no nos pagaron. Regresemos, porque si no les cobramos a estos cerotes en el momento, después se tardan un año en pagar. Aquel retrocedió los cien metros que habíamos recorrido, se bajó del carro dejando la puerta abierta, las luces encendidas y a mí adentro. Metí la mano en el bolsillo de mi camisa como buscando algo y encontré algo que no llegaba a ser una bacha. La encendí. El fuego hizo un movimiento como señalando al camino de terracería que estaba afuera y el humo reveló los volcanes que lo rodeaban. Contemplando el paisaje de madrugada estaba cuando una mano entró por la ventana directo a quitarme la bacha de la boca seguida de otra mano con forma de puñetazo descolocado. —¡Brother! ¡Brother! ¿Qué está pasando? ¡Me estás confundiendo!, le gritaba, pero él (supe que era hombre por la voz) también me gritaba algo que no se le entendía porque parecía que se le había dislocado la mandíbula y no lograba articular palabra. Abrió la puerta y me dejó salir. —¿Quién putas te dio esto?, me dijo. —¿Quién putas te dio esto?, gritó, refiriéndose a la bacha que tenía en la mano que no estaba usando para sacar la pistola que llevaba en el cincho. —¿Qué está pasando brother? ¡Me estás confundiendo!, repetí. —¿No sabés quién soy?, le pregunté, sin ínfulas y a decirle iba que yo tampoco sabía quién era él, cuando se me tiró encima apoyándose en su arma sobre mi cuello y gritándome eufóricamente, —¡Vos sos el que no sabe quién soy yo!, ¡Decime quién putas te dio esto y qué estás haciendo aquí! Me golpeó con la cacha de la pistola y me permitió responder: —Brother, este es un lugar donde se hacen fiestas, yo trabajo de DJ y me invitaron junto a mi compañero que es a quien estoy esperando dentro del carro. —¿Y, a qué fue?, me preguntó. —Fue a traer el dinero de nuestra paga. —Puta pero mirá cómo deja el carro, con la puerta abierta y las luces encendidas, ¿quién se cree? ¡Ustedes no saben quién soy yo! ¡Decime quién putas te dio esto! —Brother, en medio de la presentación alguien me la regaló. No tengo nada más. ¿Me podés explicar: qué está pasando? —¿Quién te invitó? —El organizador de la fiesta. —¿Así?, dudó y continuó: llamalo pues. Vamos a ver si es cierto. Lo llamé y no me contestó. —No me contesta, le dije, llamando otra vez. —No contesta. Entrá a llamarlo, me ordenó y siguió: —si no salís con él, hoy te vas a morir, sentenció apuntándome con la pistola.
Entré y el organizador ya se había ido. Si salía, temía por mi vida así que corrí hacia una arboleda. Terminando de atravesarla estaba cuando me encontré de frente a mi compañero que había entrado por nuestro pago y al resto del crew de la fiesta desmontando todo. —¿Qué te pasó?, estás pálido, percibió. Sofocado, no le pude responder de inmediato pero de inmediato intenté contarles lo sucedido. —Igh… te encontraste a ese cerote, me dijo lamentándose uno de los bartenders. —Vení, me dijo otro, —escondete aquí. Muchá, sigan desmontando, gritó nervioso. Me había subido al camión donde estaban cargando el equipo de sonido y desde adentro escuché: —Bueno, hijos de la gran puta, vi que ese cerote salió corriendo y se vino para acá. Díganme dónde está o los mato a todos. Mala onda que por mí se arriesguen todos -que eran como treinta, pensé saliendo de mi escondite. —Brother, el organizador ya se fue. Aquí está mi compañero, ya nos vamos. ¿Todo bien?, interpelé.
—¿Todo bien?, repitió con tono burlón. ¡Vos no sabés quién soy yo!, mandibuleó. Otro de los bartenders (uno de quien no lo esperaba porque nunca nos hemos caído bien) le dijo: —mano, ya nos vamos, ya nadie está consumiendo nada, ya estamos desmontando todo, aquellos son DJ’s de la ciudad y el organizador los invitó, dejanos ir porfa, porfa, porfa… En esas estábamos cuando caminando hacia nosotros desde un pick up una colombiana -lo supimos por el hablado- le decía —papiii, ya deja de molestar a los chicos, vámonos… Llegó, le tomó la cara y le dio un beso. —¡Esperate!, le respondió medio empujándola y tomando la palabra: —Aquí, toda la mota, todo el tiro, todas las pepas, todo lo que se consume es mío. Nadie puede vender ni consumir nada que no sea mío. ¿Está claro?, culminó interrogándonos a nosotros y sin esperar respuesta se dirigió a mí: —Pedime disculpas. —Si es lo que querés, discúlpame, le dije dándole la mano que me agarró con fuerza, como queriendo lastimarme. —Vos, ordenó dirigiéndose a uno de los sujetos que estaban dentro del pick up, —dale un cienito a aquel. El sujeto se bajó del carro y me lo dio. —Y a vos, no te hago nada porque tenés cara de gracioso, dijo dirigiéndose a mi compañero. —Pero sabés qué, tu gorra me gusta, le dijó quitándosela y poniéndosela en un arrebato. La colombiana lo tomó de la mano, lo haló y se lo llevó hacia el interior del pick up que, cuando estuvo arriba, se perdió resbalándose en la tierra.
*Esta historia me la contó hace meses un amigo DJ de Guatemala, días después de que casi lo mataran afuera de la fiesta donde lo invitaron a presentarse.
De los primos Gabriel y Gilbert Broid, se dice algo que ellos mismos se autoproclaman- "no muy políticamente correctos". Será por sus apariencias que glitchean las tendencias o por su protesta desde la pista de baile en contra del sistema de su natal Israel. Los festivales los suelen presentar como los "israeli kings of zombie/trash/glam rock n'roll" cuya misión -que también se autoatribuyen- es "traer el hedonismo de vuelta a la música".
Manifestaciones estéticas de universos internos que se convierten en objetos y sujetos de culto. Letras cadenciosas que se vuelven himnos. Luminiscencia intermintente. Esto y más encontramos en "Death to Techno", el nuevo EP de The White Screen en Garzen Records, nada más y nada menos que la disquera de los Red Axes -que ya desde hace algunos años comandan toda una nueva generación de artistas originarios del país del Oriente Próximo- donde ya habían editado su álbum debut el año pasado.
"Blue Blood" fue el primer sencillo de "Death to Techno", el nuevo EP de The White Screen en Garzen Records.
La formación de la banda por lo general es Gabriel Broid - vocales y teclados; Gilbert Broid - guitarra y vocales; Stav Ben Shchar - batería; Noa Ayaly - chello y Avishag Cohen Rodríguez - guitarra. Para los cuatro tracks que componen este EP homónimo, estas "beach goth divas" contaron con colaboraciones en el estudio de un maestro de los loops como Ryskinder y de una leyenda del Surf Rock como Ram Orion. Además del remix que otros extravagantes, los mismos Dori Sadovnik y Niv Arzi -Red Axes, le hicieron a "Death to Techno" y que te presentamos a continuación:
Turnando el micrófono con cigarrillos, el productor chileno ofreció, hasta casi las 6 de la mañana del sábado, todo un discurso durante su presentación en Guatemala que incluyó desde Ralphi Rosario, pasando por cada uno de sus hits tanto en Cómeme Music ("Duro", "El House" y "Cógeme") como en Sanfuentes Records ("Váyanse, "Nada más"y "Bajo"); hasta la versión de Shoe Vil de "Yo no quiero volverme tan loco" de Charly García y "Tecnovela", su nuevo single próximo a salir por su sello Discos Pato Carlos.
Quisimos dejar un registro del paso de Alejandro por el país -a donde vino como parte de su gira por México, así que estuvimos acosándolo para que nos respondiera este cuestionario:
¿Tu rola favorita de Los Prisioneros ? ¿Qué otra banda chilena o referencia sudamericana debimos haber escuchado ya? (De ayer u hoy...)
Es difícil decir una canción favorita, hay muchas muy buenas. Si tuviera que elegir algo diría que el disco "Corazones" es simplemente perfecto. Bandas de ayer hay algunas muy buenas como Emociones Clandestinas o Los Electrodomésticos. De hoy me gustaría recomendar a Nueva Costa que hace poco sacaron el LP "Dilema".
¿Creés que la etiqueta "Techno Latino" es adecuada? ¿Qué tiene el Techno o el House que se hace en Latinoamérica de diferente al que se hace en Estados Unidos o Europa? ¿Vale la pena "nacionalizar" la música? ¿Qué sucede cuando un/a latinx se va a producir música a Europa para presentarla después en Estados Unidos? ¿Hay algún efecto en el proceso creativo? (Vos has estado en Tokio y Sao Paulo en situaciones similares...) (Me recuerda a un cronista guatemalteco escribiendo en Japón desde una perspectiva europea porque siempre vivió ahí y ahí se hizo escritor y periodista...)
(jajaja)
Las etiquetas a veces resultan apropiadas y si son creadas es porque algo hay en el aire que se quiere atrapar. Concuerdo con esta sensación que hay en el aire de que algo pasa en Latinoamérica. Hay mucha actividad y más reconocimiento en las escenas locales y entre ellas. Ahora por ejemplo entre Chile y Argentina existe una conexión muy fuerte y tenemos más artistas cruzando la Cordillera de Los Andes para un lado y el otro.
En un ámbito estético, es imposible para mí decir qué es lo que hacemos distinto, pues Latinoamérica es enorme, pero sí puedo afirmar que existe cierta problemática en el concepto "latino" y las perspectivas con que se usa. Muchas veces desde el extranjero se proyecta sobre nosotros el cliché de lo "latino" que es simplemente una pequeña parte de lo que somos y mucho del arte que hacemos no responde a ese visión cliché. Dicho esto, para mí resulta más interesante el arte que primero nos habla a nosotros antes que hablarle al europeo o al estadounidense. Nos habla a nosotros como personas complejas, sin encerrarse en esta visión cliché. Si la música tiene la suficiente fuerza, siempre habrá almas extranjeras que van a conectar. Tampoco abogo por una "nacionalización"; no sé bien en que podría resultar pero ya me parece como otro concepto en el cuál encerrarse. Siempre espero de nosotros algo impredecible.
¿Qué lugar tiene o qué papel juega la música electrónica en el contexto social ¿e histórico? de Latinoamérica? ¿Tiene que tenerlo/jugarlo? ¿O se vale que sea una "burbuja" donde "se vale olvidarse de todo eso"?
La música electrónica es parte de la cultura de club y en esta cultura participan distintos actores en conflicto permanente. Hay quienes juegan al hedonismo como vacío o repetición de esquemas sociales dominantes y hay quienes llenan de fuerza el concepto creando espacios y escenas inclusivas y amables. La fuerza de estas escenas en cada ciudad determinará el papel que juegue en nuestro contexto social. En mi experiencia, Santiago de Chile es una ciudad que sí ha cambiado en los últimos 15 años gracias a personas que trabajan juntas creando estos espacios.
¿Cuáles creés vos que son las bases necesarias para desarrollar una escena musical o artística sostenible en países pequeños donde la industria es incipiente?
Para mí la base siempre es sentimental: confianza y amor. La confianza entre las personas y el respeto a esa confianza, además del amor incondicional a lo que se está haciendo, son fundamentales.
¿Cómo se pierde el miedo para gritar exactamente lo que se piensa o siente?
Sacando de tu vida sentimientos que te pudren como la envidia, o la ambición por dinero y likes. No digo que el dinero no sea necesario, pero no puedes tenerlo en la mente a la hora de hacer un track. Una vez estás libre de eso y sintonizado con la gente de tu vida, el lenguaje surge solo.
