Guardo en mi memoria cerebral la imagen de un grafiti pintado sobre la pared de una iglesia del Centro Histórico de la Ciudad de Guatemala: "Jesús era comunista", se lee. Desde entonces, he venido pensando que, por su condición de transhumanista natural, Jesús-Cristo, en efecto, podría haber sido comunista, pero no solo eso, para mí, sería el primer comunista -o el único- en la Tierra, ya que, según el mito personificado en Jesús, hablaba de poner la otra mejilla si alguien te pegaba, de no responder al mal con otro mal, de amar incluso al enemigo, de responder con bien. Algo que, dicho sea de paso, no se ha visto mucho en las representaciones que han existido desde la publicación del manifiesto comunista en 1848 y basado en eso hablo de transhumanismo: es difícil no responder a la violencia con más violencia, es difícil ser y hacer el bien en un mundo que premia la fuerza y la competitividad por encima de la ternura y la cooperatividad, por lo menos para la mayoría de humanos.
La DJ, productora y vocalista alemana basada en Brooklyn, Annegret Fiedler, mejor conocida como Perel, lleva su lectura de la figura de Jesús más allá de la cristología y en la conceptualización de su nuevo disco de larga duración propone que Jesús, en realidad, fue un extraterrestre. Si el Jesús de la biblia fue concebido por obra y gracia del Espíritu Santo, ¿por qué el Jesús de Perel no iba a ser amamantado por ella misma en la icónica portada del álbum?
Siguiendo a su álbum debut "Hermetica", lanzado en 2018 por DFA Records, compuesto por diez tracks en un total de cuarenta y dos minutos y editado por Kompakt Records, en "Jesus was an alien," Perel desarrolla un discurso que cuestiona la religión corporativizada en las diversas iglesias cristianas de la actualidad. Los títulos de los tracks hablan por si solos pero se valen de distintas influencias sonoras. Así, tracks como "The tragedy of CG", "Hunger" y "Life Aquatic", juegan con la síntesis de la electrónica analógica y experimental, algo que estéticamente podría ser interpretado como espacial. Mientras que en tracks como el homónimo "Jesus was an alien" (con vocales de Marie Davidson), "Real" o "Am Kanal", los sonidos vienen del New Wave, el Ítalo Disco o el Hi-NRG. En "Matrix", "The principle of vibration" géneros como French o "piano" House, Nu Disco y Electro son explorados. En "Kill the system" la influencia es notoriamente Acid Techno y en "Religion" también hay lugar para la electrónica downtempo. En general, ¿se podría decir que es un álbum de Cosmic Disco? Categorías van y vienen. Si los gustos rompen géneros, los géneros, al hibridarse, rompen categorías. Juzgalo -o no- por vos mismx aquí:
Benjamin Boguet, mejor conocido como Cosmo Vitelli, volvió a publicar en larga duración bajo su propio sello I'm A Cliché. Sin tomar en cuenta el doble LP que lanzó vía Malka Tuti a finales de 2019 con colaboraciones vocales de Fantastic Twins, "Medhead" es el tercer álbum del DJ y productor en solitario (aunque, ni tanto, porque en cinco de los ocho tracks que lo componen contó también con la colaboración vocal ahora de Truus de Groot) tras el "Vidéo" de 1998, editado en Disques Solid, y "Clean" del 2003 editado en Virgin.
Al francés basado en Berlín le gusta crear tramas oscilantes, atmósferas misteriosas que rumean hasta que la narratividad del disco las suspende, las afila y las industrializa con percusiones amartilladas que luego juegan a una suerte de indie-disco-ácido. Por momentos drone-electro, tenso y lento, como el movimiento en travelling nocturno de una cámara infrarroja, podría ser el soundtrack de una película de terror psicológico arrítmico hasta que el brillo melódico de los sintetizadores y las guitaras, como un meteorito cruzando la ciudad, nos libra de ser condenados a marchar y, por el contrario, nos hace bailar.
No estoy seguro de si esa es la referencia pero el título y el arte de la portada me hacen pensar en las tecnologías químicas que los seres humanos hemos normalizado para aliviar ciertos malestares. También en que largo es el camino y oscura la noche pero amanecerá y llegaremos. Escuchá "Medhead" aquí:
Depois de quase dois anos participando de várias pistas da noite brasileira, ouso dizer que a chilena radicada no Rio de Janeiro, Valentina Montalvo aka Valesuchi -que já pude ouvir três vezes até agora- é um destaque não só da cidade, mas da cena da música eletrônica brasileira em geral. Foi chamada para substituir Dr. Rubinstein no Gop Tun Festival em São Paulo, dividindo a conta com Avalon Emerson, Eris Drew, Octo Octa, Badsista, Cashu, entre outros, e se apresentou no Creamfields Festival em Santiago do Chile.
Definir o som de Valesuchi é complicado porque seu estilo não tem limites genéricos. Parece que ela prefere provocar uma experiência além da pista de dança do que se identificar com algum gênero específico. Talvez dizer que ela é uma DJ, produtora e apresentadora de rádio com versatilidade sonora virtuosa seria um eufemismo. Prova disso é seu álbum "Tragicomic" lançado em 2019 pela Mamba Rec (selo do coletivo Mamba Negra e festa paulistana) onde sairia também em 2020 seu remix de "Pedra Preta" da banda Teto Preto e seu programa mensal "Basic Needs" na rádio inglesa Noods, que dirige há mais de dois anos.
Em 2019, Montalvo posicionou-se publicamente contra a troca injusta ou desigual com a marca holandesa de festivais Dekmantel que, após realizar duas turnês pela América Latina em 2017 e 2018, na edição 2019 em Amsterdam, dos mais de cem atos anunciados, nenhum foi latino-americano, reproduzindo a lógica colonial extrativista e eurocêntrica.
Não passou um ano do ano passado para cá, mas para Valesuchi o tempo valeu a pena: abriu o Gorillaz no Chile, iniciou seu ciclo de festas no Rio chamado Venacava, do qual já participaram Verraco e Diegors, para citar dois nomes; ela voltou a fazer turnês pela Europa e se apresentou nas três edições do festival Primavera Sound em São Paulo, Santiago e Buenos Aires, dividindo a conta com Björk, Boy Harsher, Arca, John Talabot e mais, por um motivo.
Se você estiver na Tríplice Fronteira entre Paraguai, Brasil e Argentina, não perca a oportunidade de vivenciar uma noite com Valesuchi no Selina, Foz do Iguaçu, em 12 de agosto, cortesia da Tangerina Studio. Ingressos aqui.
El ex Honey Soundsystem, Robert Yang aka Bézier, volvió a Dark Entries Records el pasado 18 de febrero al publicar un EP de seis tracks titulado "Valencia" y así mismo se llama el primer track favorito de esta atrasada redacción (que tampoco maneja ni es manejada por una agenda).
En cuatro minutos y cincuenta y tres segundos Bézier nos da un paseo por la escena new wave tanto de la Valencia Street de San Francisco de los 70's y 80's, como de la famosa Ruta del Bakalao de los 80's y 90's en Valencia, España. Intenso, veloz, agresivo, oscuro, envuelto en capas de sintetizadores y cajas de ritmo análogos, como si fueran cuero, y fosforescentes sonidos Hi-NRG, en "Valencia", Yang explora temas como la sumisión y la catarsis, la desesperación y la esperanza; y navega entre el pasado y el presente, la luz y la oscuridad, el dolor y el placer, el éxtasis de la memoria y el flujo del tiempo.
Súper track que suena a una mezcla entre Danse Society y Ash Code. Escuchalo aquí:
El colectivo y la disquera de Lituania, WhyPeopleDance y ledotmat musique, han convocado a más de un centenar de artistas para colaborar en una compilación a dos volúmenes a beneficio de la cruz roja ucraniana.
Nombres como Gardens of God, Hermetics, INIT, La Mverte, Que Sakamoto, Red Axes, Sacha Mambo, Thomas Von Party, BĘÃTFÓØT, Borusiade, Cornelius Doctor, ODOPT, Interstellar Funk, Joakim, Khidja, Mehmet Aslan, Mecanica, Materia Prima, Naduve, Rebolledo, Simple Symmetry, Thomass Jackson, Trenton Chase, Zillas on Acid, Eva Geist, Tim Paris o Paulor, han atendido a la convocatoria y el resultado es un discursivo total de 108 tracks con mucho talento emergente por descubrir que actualmente nutre las carpetas de algunos de los principales selectores del mundo.
No sé vos pero yo voy por unas cervezas y regreso a darle play. Escuchalo y apoyá la causa aquí:
PD. It's(not)all about music condena la guerra no solo en Ucrania, sino en Palestina, Siria y en todos los demás lugares alrededor del mundo donde acontece no solo con armas sino también con intelectualidad y desigualdad social.
Escribo desde un apartamentito en una isla llamada la Ilha do Fundão, donde se encuentran las instalaciones de la Universidad Federal de Rio de Janeiro. Estoy esperando la resolución de mi trámite para hacer un semestre de movilidad académica en la Escuela de Bellas Artes de aquí. Mientras tanto, los últimos diez días, he estado instalándome y perdiéndome un poco en las festividades del tradicional carnaval que, aunque está pospuesto para abril oficialmente, es obra del espíritu colectivo de la brasilidad que no espera autorización.
Gui Boratto en Dash Club
El viernes fui a escuchar a Gui Boratto a un club en Copacabana. La fiesta empezó a las 00:00 y terminaba a las 08:00. Me gustó escuchar el remix a "Like you" que le hicieron Michael Mayer y Superpitcher con su proyecto Supermayer, incluído en la compilación Kompakt 7, y su clásico "No turning back", entre otros. El sonido y las luces, como es costumbre en los clubes brasileros, también dieron la talla. Era la primera vez que se presentaba ahí (en Dash) y me dio la impresión de que muchxs de lxs asistentes no lo conocían o que lo melódico por momentos les desesperó. Impactado pero no sorprendido. Pude hacerle saber que tenía fans en Guatemala y me fui cuando terminó su set alrededor de las 06:00.
Giu Nunez B2B Carrot Green en Carnarave
Ayer domingo fui a Carnarave en un parqueo del centro, promovido por dos colectivos locales (Domply x Bem Climão). Me gustó ver mucha más diversidad tanto en este line up como en esta pista de baile que el viernes. Gente (ni toda blanca, ni toda privilegiada, ni toda hétero) que no pide permiso para ser. Lxs primerxs en llegar, como yo, entramos gratis pero incluso cuando me fui, después de media noche, todavía habían filas de personas queriendo entrar. La fiesta empezó a las 16:00 y terminaba a las 06:00. Ya sé, por eso le pusieron Carnarave...
Me encuentro de visita en mi antigua habitación en casa de mi Abuela en Ciudad de Guatemala. En mi ropero hay una cajita de guarda un buen número de brazaletes y entradas a fiestas: Above & Beyond. We Love Techno con Xpansul. Cielo con Andy Moor e Inferno con Matthias Tanzmann. Central Electrónica con Henry Saiz y Marc Marzenit, entre otras. Todas, con un personaje detrás en común: el DJ y promotor Andrés Castaño, mejor conocido como Casta, que en 2022 cumple dos décadas activo en la escena de música electrónica en Guatemala y quien a finales de noviembre, lanzó su primer disco de larga duración titulado "Lázaro". A continuación, un extracto de la entrevista que le hice hace unas semanas desde Brasil vía Zoom.
¿Cómo narrarías tu proceso dentro de la música?
Un punto de inflexión fue cuando comencé a ir a las fiestas de Música 502 y algunos raves que habían en zona 1 por los años 2001-2002. En esos eventos conocí a Francis Dávila, comencé a mezclar en su casa con vinilos. Poco a poco eso se fue desarrollando y fue raro porque, tal vez para hacer el círculo y atarlo todo, yo comencé haciendo música como productor en un software medio rata pero que trataba de darle forma creando una sesión como de treinta y cinco minutos producida, como un live act, algo así. Se lo di a Francis y cuando lo escuchó le gustó y ya fui a su casa. Desde entonces la producción ha estado presente pero muy esporádica, muy goteada. Comienza el recorrido del DJ (Casta) en estos eventos de Música 502 y en el 2003, si no estoy mal, uno de los chavos que llegaba a las fiestas con quien teníamos afinidad en ciertas cosas (Enrique Ponce) quería hacer algo, tenía esa espina de hacer una fiesta o algo. Empezamos a hablar y yo conocía a otro productor que vivía en Guatemala (Santiago Niño) a través de quien hicimos contacto con Mauro Picotto que fue el primer evento oficial de Empire Promotions (2007) y así comienza también mi ciclo como gestor que diría que ha sido el más largo de todos. En ese evento se abre la lata para todo lo que fue fiestas, festivales y actividades alrededor del baile. Del 2005 al 2016 mi tiempo se consumió mucho en hacer eventos y en qué significaba cada evento, me encanta diseñar las cosas, al final yo siento que he tratado de ver todo mi proceso como un estado de arte, no solo hacer música, sino toda esa conceptualización y diseño de los eventos ha sido también mi proceso creativo. En el camino de estos eventos me fui encontrando más necesidades que oportunidades: era latente que en el país estaban sucediendo cosas, que la escena estaba produciendo y de que poco a poco había más gente interesándose en distintas cosas pero que no había ninguna plataforma que pudiera encausar a un montón de esta gente y siendo de Guatemala es complejo trabajar con mercados internacionales y entonces a veces se minimiza mucho cada lanzamiento pero yo honestamente creo que aunque fue un recorrido progresivo mucha de la música que editamos (en CubeRec) no tenía mucho que envidiarle a otros sellos discográficos sin tomar en cuenta las grandes inversiones en que se tornan ciertas piezas, pero diría que se estaba sacando un sonido interesante que también moldeaba mucho, que cambiaba.
En 2015 también sucede una fractura muy fuerte en mi vida porque yo decido dejar de lado la parte más formal laboral, me voy a vivir a Atitlán, me dedico por un lado a una empresa propia y por otro al festival VFL (Voices From the Lake), ese fue mi foco. Me voy al lago pensando que nunca voy a regresar a la ciudad pero estando allá, al año, hablando con diferentes personas, resulta que hacemos una alianza con La Fototeca y de la necesidad de gestión se produjo una cantidad increíble de exposiciones, libros editoriales y festivales en cuestión de año y piquito. Después de eso yo tampoco pensé que regresaría al lago. Sentí que había unificado mi vida y que le estaba dando ese propósito de todas las piezas que se juntaban y que yo me podía dedicar por completo a eso y comenzaba a volver a tocar mi vena productora que años atrás salió con "Santa Cruz", un par de veces con Bruxxas, en un remix al Gonzo pero realmente fueron veces difusas porque para mí la producción es un arte súper intensivo, o sea, no es algo que podás agarrar una hora y después a la semana agarrar otra hora, por lo menos en la fase creativa inicial, yo necesito meterme cinco, seis, diez horas en el estudio y no parar, estar enfocado para generar ideas y después conlleva tiempo estructurarlo. Salgo de La Fototeca, ya estábamos en la ciudad y me reinserto al mercado laboral con Alterna con quienes también teníamos afinidad y en medio de eso entra la pandemia.
¿Cómo viviste la llegada de la pandemia?
Estaba esperando hacer el siguiente festival VFL, tenía algunas rolas sueltas que venía trabajando desde que entré a La Fototeca, cosas como estructuras, simplemente bases y cuando entra la pandemia, fue raro, fueron como tres días de entender, si me preguntás quién es el Casta de hoy, yo mismo diciéndome, ¿qué es esto? ¿No voy a tocar? No. ¿No puedo hacer el festival? No. ¿Qué voy a hacer? ¿Qué rumbo tomo? Y siento que fue un proceso complejo, principalmente durante los primeros meses de la pandemia, pero honestamente también fue un regalo, por lo menos para mí, de tiempo en el que pude parar y decir: voy a dedicarme a hacer música. La pandemia fue parte de ese proceso, yo no la puedo obviar, la mayoría de los pájaros y cosas que se escuchan en el disco sucedieron y se pudieron grabar porque yo salía a las cinco de la mañana a grabar porque no habían carros que sonaran.
¿Cómo fue tu reencuentro con el estudio?
Fue romper mis propios esquemas. Tuve que quebrar al Casta que era el DJ y al Casta que era el gestor porque tenía esta preconcepción de que como no había hecho música por tanto tiempo probablemente yo no era digno de hacerla, me definía más con los arquetipos de DJ o promotor. Pero fue un proceso que justamente se ata a la experiencia de "Lázaro" pues habla de todo ese ciclo y para mí fue muy inspirador haberme metido de cabeza, haber pasado por mis frustraciones y mis miedos, haber recibido validación y varias cosas que hicieron que el material se completara y terminar hoy donde si me preguntás, ¿quién es Casta?, te diría que es un productor musical, es lo que hago netamente.
Debutás en larga en duración tras veinte años de carrera. En tiempos donde se pretende imponer una percepción de la realidad a la velocidad del scrolling, ¿qué les decís vos a las nuevas generaciones acerca del tiempo que toma desarrollar un proyecto con el cual te sintás lo suficientemente identificado como para lanzarlo en formato de álbum que es como dejar un registro, una foto sonora de un momento de tu historia?
Para mí la responsabilidad de hacer un álbum era muy grande porque realmente sabía que quería hacer algo que estuviera muy bien hecho y que tuviera todas las capas del proceso completas: una buena mezcla, una buena masterización ("Lázaro" fue masterizado por Cid Inc), tal vez algo de instrumentación, tener como varias capas; pero también es un proceso súper personal, no tengo la menor duda de que si lo hubiera hecho en los primeros cinco años hubiera salido terriblemente mal. Pasé muchos años queriendo sonar como alguien más. Para mí la parte musical se completa cuando me animé a experimentar con cosas que normalmente no hacía: bpm's diferentes, beats atípicos, también a explorar la parte interna, mi ser político, filosófico y espiritual. De ahí que el disco tenga frases y fragmentos de meditaciones, de un discurso de José Mujica y otras cosas que reflejan mucho de mí. Si la idea es sacar una pieza que uno quiere que reverbere en el tiempo y que sea como una identidad o imagen de uno, no es un tema de prisa ni de mercadeo, hay que darle el tiempo debido a la música, al concepto y a uno mismo para terminar de aceptarse o aceptar lo que uno quiere hacer sin ser manipulado o aspirar a sonar como alguien más.
Portada por Marlov Barrios y Jimena Pons
¿Tres palabras con las que definirías musicalmente "Lázaro" y por qué?
Melódico porque todos los tracks -a excepción del número 5- incluyen capas ambientales y los ambientes ya de por sí son melódicos; documental porque contiene muchos sonidos de la cotidianidad que a veces son obvios y a veces inmersos (pájaros, agua, grama, tránsito, etc.) y chamánico-espacial porque el álbum no es rápido, oscila entre 95 y 118 bpm y sí trato de que evoque a ese estado meditativo, de que entrés en ese trance y te lleve pero hay un mantra repetitivo en todos los tracks.
Si uno busca "Lázaro" en Google, el resultado es principalmente una referencia bíblica, ¿el concepto está influenciado por esta y surge antes o después de la música?
Sí, yo no leo la biblia pero sí está influenciado por esa referencia. La alusión más bien viene a través de ver a Lázaro como un personaje netamente humano y a Cristo como un personaje divino y, entonces, pensar en ese personaje humano como un renacer más humano, más auténtico, más honesto, que delega cada vez menos sus responsabilidades. Un renacer donde de alguna manera ese ser humano se acepta de una forma mucho más completa, acepta sus errores y acepta su responsabilidad pero en felicidad y amor que al final es para mí el canal de todo esto, entonces, ¿cómo poder trascender? Esa es la parte que para mí es el momento clave de la humanidad que estamos viviendo desde el 2019, el hecho de que estamos inmersos en este tren de tecnología que no nos hace parar y cuestionarnos qué significa ser humano. Ese es el último umbral que tenemos que quebrar antes de pasar al siguiente ciclo evolutivo.
Hablame de Identidata.
Hay que hacer música pero de ahí moverla y encontrar el canal de distribución correcto para que llegue al público toma trabajo también, hay que sacar bases de datos, contactar, etc. Este sello nace de la necesidad de este canal y de mi experiencia colaborativa durante el proceso de "Lázaro" con varios artistas (Marlov Barrios, Jimena Pons, Rodrigo Fuentes) que fue como una integración de escenas artísticas. La idea es que tenga ese ángulo donde se pueda unificar al ecosistema cultural y que esa unificación también traiga colaboraciones y cosas que puedan florecer a futuro. La disquera Lapsus Records de Barcelona apadrinó Identidata y ellos cuentan con la distribución a !K7, una de las casas matrices más importantes, diría yo, de la música electrónica. Desde hace años quería establecer una disquera que imprimiera todo en formato físico y cuando vi este trabajo con Marlov y Jimena dije: aquí está, hay que sacar obras de arte y pensarlas como tal. Próximamente habrá una exposición con vinilos edición especial intervenidos por Marlov y afiches especiales de Jimena en la que además de poder ver todas estas capas habrá una sala para escucharlo. De este interés todo se ha ido concretizando a tal punto que podés saber en primicia que el segundo lanzamiento de Identidata será de Joaquín Orellana.
Tres fechas de estos 20 años que vienen a tu mente en este momento.
Regresando en la historia, te voy a decir cuatro porque seguro se me escapará más de una. Como DJ, la segunda fecha que le abrí a Ferry Corsten en Irradiah (2006). Cuando me bajé y durante toda la noche la energía de la gente fue muy fuerte y yo como DJ me sentí muy satisfecho. Como gestor, nunca voy a olvidar la fiesta con James Holden (2007). James Holden para mí es una persona que me ha influenciado y que me ha impactado tanto y esa fiesta fue la que inició todo eso. No se olvida nunca la fiesta de cierre de Semana de Música Avanzada con Tom Ellis de El Monumental (2013) en esa terraza siento que fue una noche especial y no se me olvida tampoco mi presentación de diez horas en la Sexta Avenida (2012), creo que me marcó haber podido tocar en un espacio público, haber podido tocar para gente tan diferente de esa forma tan abierta y tan directa, inolvidable la energía que se creó que fue preciosa y también lo mucho que tuve que pasar en cama por no poder caminar de lo adolorido que estaba.
¿Qué significó para vos la transformación del Gonzo?
Mucho de lo que sucedió conceptual y filosóficamente en "Lázaro" iba de la mano con lo que hablábamos con el Gonzo todo el tiempo: desde situaciones políticas y acciones en el mundo hasta si tenía sentido o no cobrar cover o regalar el agua en los danzones. Eso me inspiró a ser cada vez más honesto con mi trabajo y con mi música. Vi su crecimiento y atrevimiento musical desde Gonzo-Gonzo hasta Mr. Tropical y eso también me inspiró además de lo que me inspiraba como ser humano, haber visto ese proceso evolutivo y haber escuchado su música por supuesto que dejó marca. Sigue conmigo. Hace poco terminé una canción para él que saldrá en un compilado. Yo lo sigo recordando siempre y sigue estando presente de una forma u otra. Pero sí fue algo fuerte, marcó toda esta pandemia para mí de una manera muy directa y fue uno de los espacios donde me sentí más drenado en toda la pandemia.
Aunque Andy Martin es un viejo conocido para la escena de música electrónica mesoamericana (en la que se viene posicionando como un referente desde su natal Guanajuato, México), fue hasta hace unos años que este DJ y productor comenzó a hacer pública la exploración que estaba realizando de sus raíces jamaiquinas.
Se fue a instalar a Berlín -donde también lo conocen bien- y desde ahí dio a luz a un sello discográfico dedicado al sonido del dub y del dub techno en formato de vinilo: Mole Audio. Como pasa con lo que ya está anunciado, una cosa llevó a la otra y así se vio encerrado en un estudio de la emblemática "Beat Street" en Kingston, Jamaica, colaborando con la leyenda del dub, Lee "Scratch" Perry.
Para tener una idea de la influencia que tuvo Perry en la industria de la música en general (trabajó como productor de Bob Marley & The Wailers, Beastie Boys, The Clash, The Orb y un largo entre otros) habría que decir que antes de él, la figura del ingeniero de sonido no era vista más allá que como un técnico y que, después de él, el mezclador, ingeniero de sonido o productor, pasó a ser visto como un creativo más dentro de los procesos musicales en los que utilizaba las consolas, mesas de mezcla y demás equipo del estudio como instrumentos musicales. A partir de sus experimentaciones al emplear efectos y mezclar ritmos desde las consolas, "Scratch", es considerado uno de los creadores de géneros como el reggae y, su lado electrónico, el dub, y todo lo que vino después(no solo)técnicamente.
Lee "Scratch" Perry en su estudio en 1978. Foto: Adrian Boot
Entonces Andy, en medio de la exploración de sus raíces, se encuentra con Lee y colaboran en un sencillo titulado "Revolution": un manifiesto a favor de las migraciones alrededor del mundo y en contra de su capitalización (que en países como Guatemala o México se ven románticamente traducidas en remesas) pero también un track minimalista, con subfrecuencias meditativas que dialogan produciendo una mezcla entre ficción documental techno y tradición afrocaribeña, que también fue interpretada visualmente:
El EP se completa con un remix de Legowelt, quien agrega sintetizadores cósmicos, efectos ácidos y pads eufóricos construyendo una trama vaporosa en delay; un remix de los también alemanes Turmspringer, quienes agregan percusiones hipnóticas y paisajes de ecos desarrollando flujos ondulantes; y el remix de Nit Yardman, que es el mismo Andy Martin experimentando el concepto clásico de música dub con elementos y herramientas sonoras contemporáneas. Escuchalo aquí:
Sucre Recordings fue una disquera enfocada en deep house e inspirada en los primeros días del house en Chicago y en Detroit que operó desde Frankfurt entre 2011 y 2014 dirigida por Daniel Tischer quien también actuaba como DJ y productor bajo el aka de D. Soul.
El 2014 fue un año significativo tanto para Sucre Recordings como para D.Soul ya que la disquera publicaría su octavo y último lanzamiento registrado a la fecha, el "Love da groove" EP del DJ y productor guatemalteco Gonzo-Gonzo, y, por su parte, el alemán publicaría el EP "Smoke" vía Danzón Records. Cosa que lo llevaría a presentarse en Guatemala. (Un año antes Gonzo-Gonzo había lanzado su álbum "Soul Mastah Vol. 1" y el EP "Brown & Proud" y, de paso, inaugurado el ciclo de release parties que sería la insignia de la disquera guatemalteca.)
"Love da groove" está compuesto por tres tracks originales, una versión instrumental y un remix. No me referiré al primer y al tercer track originales ("Fear is the only darkness" y "Oh yeah"), ni a la versión instrumental de "Oh yeah" ni al remix del barcelonés Baldo de la misma porque me parece que, aún cada uno con sus particularidades, en general todos van en la línea deep house del label. Sin embargo, siempre es interesante notar en los procesos creativos de Gonzo el uso de percusiones latinas, samples tanto musicales como discursivos (muy a lo que harían después la ola de lo-fi house producers como DJ Boring o Fort Romeau pero a su propio estilo, en alta calidad y en una dialéctica filosófica y estética).
Pero hay un track que se sale de esa figura deep house en este EP. Y este es, curiosamente, el que le da título: "Love da groove". Este track es completamente diferente a los otros cuatro. Aquí no hay percusiones latinas pero sí una intensa línea de bajo más a lo "Flashdance" de Deep Dish que a "He's a dream" de Shandi que acompaña al kick y una serie de pads desde el inicio.
En cuestión de treinta segundos, una distorsionada capa de síntesis desciende y sumerge a quien escucha hasta que lo libera en una superficie más bailable: beats, claps, un vocal apenas perceptible al fondo, más cuerdas: guitarras, efecto wah wah wah y, justo en el momento cuando nos estamos preguntando si estamos escuchando pop o latin house, sucede lo inesperado: un sample indescifrable (quienes conocimos de cerca a Gonzo sabemos que muchas veces ripiaba vinilos completos para usar un recorte) nos lleva a dar una vuelta bastante dub ¿o funky? hasta que nos regresa a la pista.
A mi criterio uno de los secretos mejor guardados de la discografía de Gonzo-Gonzo. Escuchalo aquí:
El colectivo de música electrónica orgánica con sede en Antigua Guatemala, Mazukamba Beats, lanzó su segunda compilación cuyas regalías se destinarán a proyectos comunitarios de conservación de los manglares de la costa pacífica guatemalteca.
Aún sin poder realizar sus fiestas mensuales en todo el país debido a la situación de la pandemia global (y la mala gestión del gobierno local), Mazukamba Beats lanzó Savia: Manglar para dar seguimiento a la resistencia discográfica colectiva que han estado desarrollando desde el año pasado cuando se lanzó el primer volumen de la serie Savia.
La compilación abre con la percusiva colaboración entre los productores guatemaltecos El Suchi y Arteriam, titulada B’inel Ja’. Este par también colaboró recientemente con el rapero maya tz'utujil Tzutu Kan en la producción de las pistas de su nuevo EP Mayan Beats producido por KC Porter (Carlos Santana, Los Fabulosos Cadillacs, Selena).
Quince años después de haber llegado al “el futuro de la música”, cuando Chancha Vía Circuito y compañía tocaban las ahora famosas cumbias bajadas y experimentales en el Zizek Club de Buenos Aires, Alex Hentze se reencontró con Pedro Canale para colaborar en el segundo tema de Savia: Manglar. Se trata de Perigeo en el que los sonidos de los sensibles sintetizadores del guatemalteco y la paleta orgánica del argentino se fusionan en una pieza cadenciosa y poderosa a la que, uno de los fundadores de Mazukamba Beats, se refiere como "una alusión a las fuerzas que la luna nos trae, el movimiento energético que está latente en la naturaleza y el ejemplo vivo de que estamos caminando sobre un ser vivo que merece nuestro respeto y que nuestro aprendizaje viene heredado de sus enseñanzas ”.
El tercer tema es obra de Oscar Cano, más conocido como Ocarimbo y por la mezcla afro-latina en su sonido. Avicennia Bicolor no es la excepción: en menos de treinta segundos te hipnotizan las líneas dembow, que se cruzan con loops y en la intersección, capas bajas de síntesis y cantos de bandadas de aves del caribe Mesoamericano yuxtapuestos.
El fuego se lleva adentro es el título de la ofrenda sonora en clave de dancehall raiz de la cantautora maya k'iche’ Aurora Nohemi de Quetzaltenango. La quinta pista es Transistores Tropicales, el melódico aporte afrohouse de la guatemalteca Camila Camaleón.
Acuático, IDM, dub&drumstep, enigmático, así suena Caimán, el aporte del artista de Sacatepéquez, Elashar Caballeros, más conocido como Guía, que precede al cierre de la compilación: Espora, una colaboración de trance orgánico combativo entre el dúo Selva y Cerro (integrado por la poeta maya k'iche' kaqchikel Rosa Chávez y el diseñador de sonido Sonido Quilete) y otro de los fundadores de Mazukamba Beats, Parutz.
Así como las raíces de los mangles toleran las sales del mar para propiciar las condiciones que hacen posible la vida, este grupo de músicxs sigue alzando la voz durante una pandemia que no cesa, descentralizando y forjando una nueva identidad sonora centroamericana, mientras busca incidir. realidad más allá de la pista de baile urbana.
Escuchá y comprá Savia: Manglar a continuación, los fondos se destinarán a proyectos comunitarios de conservación de los manglares de la costa pacífica guatemalteca.
La chelista, vocalista, compositora y artista sonora guatemalteca basada en México, publicó su segundo álbum a través de la disquera londinense Unheard of Hope. El marcador de tiempo Será en el título da cuenta de que, quien lo escuche, asistirá a una obra de carácter narrativo: es la historia de una incertidumbre del futuro que tiene su raíces en un acontecimiento del pasado, que la autora re-presenta en nueve piezas de música electroacústica y cuyo gesto con su mano en la foto de la portada (que en el lenguaje de señas internacional significaría la letra "T"), en términos no verbales de Mesoamérica, podría ser una referencia al grado de dificultad que atraviesa la idea reguladora del mundo "Será que ahora podremos entendernos": la comunicación humana.
Y es que entre humanos, comunicarnos para entendernos es solo una cara del proceso, la otra es ¿para qué entendernos? Y es en esta conversación donde llegaremos (o no) a un acuerdo, a una confabulación que construya mundo. Y es cuando se hará evidente que todo encuentro humano implica una relación de poder (ya que todxs emitimos información desde una localización social) y que toda relación de poder es asimétrica (porque estas emisiones de información vienen de lugares diversos y muchas veces desiguales). En este marco, Mabe Fratti aplica el concepto de diagramación espacial para organizar las piezas de su disco como quien ordena los objetos de un lugar y, en este sentido, sugestionar las posibilidades dinámicas que puedan ocurrir.
Si no nos quedamos con que la seña de la portada significa lo pisado que es comunicarnos (no digamos entendernos) y, más bien, rescatamos la letra "T" como la posible forma del espacio en el que transcurren 55 minutos y 27 segundos, personalmente diría que la historia "Será que ahora podremos entendernos" es una danza de cuerdas y circuitos en tres grandes actos:
El primero parte de la premisa de que "Nadie sabe" porque no hay una sino "Mil formas de decirlo" (o más) y por eso expresarlo de la manera que salga es lanzarse "Hacia el vacío". En esta parte, probablemente porque es el inicio no lo sabremos y por cierto opening en clave alegre y andante pero entre líneas el sonido del chelo es el piso resquebrajándose bajo los pies. La dulce voz canta siento el cuerpo vibrar, algo se aproxima, vuelven los sueños oscuros y los hilos eléctricos de sintetizador tejen el sonido de una profecía que se cumple recurrentemente: Empiezo a contar en retroceso. ¿Cómo te digo si solo sale un balbuceo? Tal vez ahora pueda decirlo, tal vez ahora pueda ser. En este punto vamos en caída libre mientras se escucha un juego de palabras Solo con hablar ayudamos anulamos algo.
El segundo gran acto comienza con una balada que, ante la cadencia de bombos y platillos, funciona como el corazón obstruido del álbum pues hay alguien "En Medio", cuyo ending me remite al The Redeemer de Dean Blunt. Sigue con "Inicio Vínculo Final" que, entre golpes metalúrgicos, puntazos de guitarra y capas de distorsión y psicodelia, será como aquella tenebrosa, larga, fría y densa noche en el bosque montañoso de aquel solo improvisado de Jimmy Page en "Dazed and confused (The song remains the same)". Ya en "Aire", el nudo a base de un loop de chelo en dramático suspenso comenzará de desenvolverse en una sinuosa cuerda de gas ascendente por momentos imposible de respirar.
"Será que ahora podremos entendernos" empieza a aterrizar con un tercer acto en el que Mabe Fratti canta, sobre la atmósfera juguetona al principio y densa después (que me resuena al remix de Nicolas Jaar a "Lux" de Brian Eno) de "Cuerpo de agua", con voz oscilante pero siempre andante: ¿Cómo sabes si lo que sientes es lo que dices que tú sientes?, ¿Cómo sientes? Cuestionamientos ontológicos y epistemológicos que continuarán entre brillantes y accidentados sintetizadores, sonidos rumiantes y de hélices en "Qué me hace saber esto" y que podrían apelar al modo cómo nos enseñaron a sentir y nombrar lo que sentimos. El disco cierra con "Un día cualquiera" en la que ya no habrán vocales, solo el arco del chelo saltando sobre las cuerdas, en un ecosistema drone que contrasta con ciertos sonidos de viento ancestral que podrían ser una vez más circuitos emulando flautas.
Regresando a la idea de comunicación, uno no habla cualquier cosa con cualquiera (texto y contexto). La artista guatemalteca lanzó su nuevo álbum el viernes y yo comencé a escribir esto en la madrugada luego de que la luz de la luna llena que entraba por la ventana me despertara. En Brasil eran las 03:00 de la mañana del 25 de junio. En Londres las 07:00 (por eso pude escuchar el disco antes de que llegara a redes sociales). En Guatemala eran las 00:00 horas. En México la 01:00 de la mañana. Y en Cuzco, Perú, la capital del Tahantinsuyo (Imperio Inca), donde había concluido la celebración del "Inti Raymi" (en español "fiesta del sol") o, Año Nuevo Inca, también.
El Año Nuevo Inca, viene con el solsticio de invierno, después de la noche más larga del año. Se conmemora el origen mítico del Inca, quien es enviado por el sol como su representante (dios) ordenador de las acciones de las poblaciones del mundo y se pide (como viene el frío) por la cercanía del sol con la tierra. Así, en el territorio del imperio más extenso del Abya Yala (o América precolombina) nadie puede verlo a la cara porque, ¿quién puede ver directamente al sol sin quedar ciego?
Pero el último "Inti Raymi" con la presencia del Inca fue realizado en 1535. Según, "La Nueva Crónica y El Buen Gobierno" de Felipe Guamán Poma de Ayala, menos de dos años antes, en 1533, los españoles llegaron con el emperador Atahualpa y le dijeron (con la ayuda de un traductor) que venían de tierras muy lejanas, como mensajeros y embajadores de un gran señor, que quería ser su amigo. Atahualpa les respondió que lo que decían sería verdad y que les creería pero que no podía ser amigo de su señor pues él también era un gran señor en su reino. Al escuchar esto, un fraile con una cruz en la mano derecha y un breviario católico en la izquierda, le dijo que también era embajador y mensajero de otro señor muy grande, amigo de dios, que adorara la cruz y que creyera en el evangelio pues este señor no quería que adorara nada más, que todo lo demás era cosa de burla. Atahualpa le respondió preguntándole quién le había dicho eso, que él no tenía porqué adorar a nadie más que al sol que nunca muere y el fraile le respondió que se lo había dicho la voz del evangelio, que se encontraba en el breviario (una suerte de prebiblia). Atahualpa le pidió entonces el libro y se lo acercó al oído pero, al no escuchar nada, se lo comunicó al fraile y dejó el libro a un lado. Esta acción de inmediato fue vista como una ofensa y una blasfemia por el fraile y los españoles, quienes apresaron a Atahualpa y, después de robarle todo, en medio de una plaza llena de sus súbditos nativos que nunca le habían visto la cara, le cortaron la cabeza y declararon la conquista del territorio Inca (que iba desde los andes peruanos hasta la patagonia chilena-argentina pasando por lo que hoy conocemos como Ecuador y Bolivia).
Si toda relación de poder es asimétrica y todo encuentro humano es una relación de poder y se requieren de acuerdos para confabular y crear mundos, ¿nos dará tiempo como especie para volver a aprender a entender la alteridad sin aspirar a dominarla? Solo lo tiempo lo dirá... Estuve parafraseando a Kant, Bourdieu y Ranciere y, para terminar, parafrasearé a Galeano diciendo que la utopía está en el horizonte que se aleja en la medida que nos acercamos y, por lo tanto la utopía, como las obras maestras, solo sirven para eso: para seguir buscándolas. Eso y que el camino es un proceso en perpetua construcción, son cosas que Mabe Fratti sabe muy bien, por eso, su discografía más que un mapa de su sonido, es el registro sonoro de sus huellas.
Escuchá "Será que ahora podremos entendernos" aquí:
La música australiana radicada en Brighton publicó el tercer capítulo de una trilogía sonora de sanación personal en clave de ambient etéreo y gótico: un LP compuesto de diez tracks liberados vía Houndstooth, la disquera basada en fabric, en el este de Londres.
Como solista, Penelope se sale del trabajo para pista de baile que hace como vocalista del dúo The Golden Filter para entrar en una de construcción híbrida de géneros que oscilan entre lo épico, lo oscuro, lo clásico, lo electrónico, lo experimental, lo denso y lo emancipador. Así, mientras en "Penelope One" (Optimo Music, 2017) explora aspectos del nacimiento y el renacimiento y el poder del cuerpo femenino y en "Penelope Two" (Houndstooth, 2018) se centró en el reconocimiento del dolor y en cómo cada quien lleva su propia historia de pérdida, en "Penelope Three", Trappes trata de sanar las historias que guarda en su cuerpo entregándose al amor universal y explorando su metamorfosis a través de historias sobre la maternidad, la feminidad divina, la ansiedad, los poderes curativos y sus conexiones espirituales a través de loops de vocales operáticos y polifónicos, notas de sintetizadores pesadas y sostenidas pero suspendidas en el aire, pianos, guitarras y violines reverberados, drones subterráneos y más sonidos que podrían asociarse al paisajismo surrealista del shoegaze o el dream pop.
Emocionalmente desnudo, como las portadas y los dos álbumes anteriores y mediante atmósferas vaporosas, íntimas y confidentes, Penelope busca no solo liberarse del proceso de duelo, sino también de las ansiedades sociales, abrazando el cambio generacional que está sucediendo a medida que su hija crece, su madre envejece y ve el mundo cambiando drásticamente. Aquí, Trappes luce con orgullo su amplitud de experiencias de vida: dolor, alegría, amor, pérdida y la libertad de aceptar el cambio y reconocer las lecciones aprendidas. Es una celebración de la feminidad y un testimonio de la sabiduría adquirida al vivir y permitirse vivir. Algunas voces que vinieron a mi mente mientras lo escuchaba fueron: Lana del Rey, Cold Specks, Skylar Gray, Nancy Sinatra, entre otras.
El dúo parisino entrega su primer disco de larga duración. Son once pistas e incluye colaboraciones con C.A.R., Yula Kasp y Narumi Hérisson (de Tristesse Contemporaine), por mencionar algunas.
Esperado porque después de escuchar el proyecto integrado por Simon Says y Florent Frossard, tanto en el EP que firmaron en Lumière noire en 2015, como por el remix que hicieron a "Incognito" de Caraxes (C.A.R. x Red Axes) para Kill The DJ en 2016, obvio queríamos escuchar más.
En "Les Mystères de Lorient", lanzado por Dialect Recordings, Il Est Vilaine -que se presentan en formato de live act análogo- ofrece un recorrido por diversos pasajes de su sonido retro-futurístico: death disco en "Arty Show", industrial trip hop en "Yvré-L'Evêque" (feat. C.A.R.), krautrock en "Phare Ouest" (una paradisiaca balada en colaboración con Yula Kasp), indiedance en "Les Mystères de Lorient" (feat. Narumi Hérisson cantando en anglo-japonés), electroclash con cierta textura desértica en "Marilyn Drum" (feat. Marcus), synthpop en "Agitation", post-punk en "Cris in theme", más electrónica vintage y polvorienta en "Night in Carnac", guetto house en "Bar à Gwin" (feat. Macdara), acid disco en "Ride de Veau", surf rock en "Sailing" y balearic chill hop en "Calavera" (feat. Sofía Fanego). Todas estas etiquetas procurando definir un soundtrack psicodélico cuando tal vez solo sea posible escuchándolo ante el atardecer neón de un roadtrip.
Hace unos días, Alemania declaró los clubes de música electrónica como instituciones culturales al mismo nivel de las casas de ópera, las salas de concierto, los teatros, entre otros, dejando atrás la categoría de meros "lugares de entretenimiento".
Mi interpretación es que si un club puede producir cultura es porque existen practicantes de una "cultura club" que encuentran en ese lugar, enfocado en la socialización de la música, un espacio y tiempo dentro de un circuito, para poder ser y reconocerse, retroalimentarse y continuar en ese proceso -cultural- siempre tenso entre influir y ser influenciados por el entorno.
Para mí, es imposible ver la escena de música electrónica en Guatemala y su cultura con los mismos ojos inocentes de hace tantos años cuando es evidente que sus pistas de baile son territorios en disputa entre unos cuantos que nos tomamos (tal vez demasiado) en serio las posibilidades de la música dance y los clubes para transformar la realidad vs. los dueños de la finca, los narcos, los machos y los herederos de privilegios y mal gusto.
Vale la pena reconocer que la escena de música electrónica en Guatemala produce cultura, pero también cuestionarse, ¿cómo es esa cultura? Porque, con ciertas programaciones y line ups, políticas de puerta y de barra y, no digamos, al ver ese repugnante video de Bebo Arzú en una cima para presentar una serie titulada "TERRITORIO", pareciera que hasta a una dimensión tan insignificante de la existencia llegan las consecuencias racistas y clasistas del colonialismo y la independencia criolla que, por cierto, este año celebra 200 años.
El DJ y productor guatemalteco liberó para descarga gratuita la re-elaboración que hizo de la canción de la banda argentina Bándalos Chinos (que no conozco y no sé si me ponga a averiguar).
Al escuchar la original es claro que la versión de Martín Jerez es una traducción del indiepop con cierta tendencia nu disco a una composición en clave deep house que hasta podría funcionar sin los vocales pero que al escucharlos, aparte de darle ese toque sabroso que no encontrás en Londres, te recuerda que estás atardeciendo en un lounge de Ciudad de Guatemala, Buenos Aires o alguna capital latinoamericana donde el sol pega diferente.
"Siento que ya lo soñé" dicen los vocales envueltos en capas de pads y líneas de bajos con un patrón rítmico que conforme avanza el track, entre otros arreglos destellantes y percusivos, constituyen un dispositivo para transportarse de una ciudad a otra con tan solo cerrar los ojos.
El edit de Jerez saca la canción original del terreno de lo nostálgico y melancólico para colocarla en un no-lugar en el que transcurre un día entero: de sonidos de pájaros que entran en diálogo con la voz del vocalista a samples de notas sostenidas y ascendentes de sintetizadores que Jerez reaprovecha, no para contar el final de la historia como sucede en la versión original, sino para difuminarlo dejando abiertas las posibilidades a lo que pueda ocurrir en la transición del día a la noche al amanecer.
La semana pasada una compañera del curso de la universidad vino a bailar a mi kitnet y ayer asistí a la pre fiesta de cumpleaños de un amigo que vive en Chicago por Google Meets. Estas dos situaciones inevitablemente me hicieron pensar en como la cultura club se ha transformado en medio de la pandemia: actualmente somos ravers bailando desde habitaciones aisladas que se conectan con sus pares virtualmente (ojo con los cables subinteroceánicos) para sentirse menos solos.
Y en medio de la pandemia, la música sigue viniendo. La semana pasada el dúo de electropop brasilero Noporn publicó su tercer álbum de estudio.
Salve la casuacausalidad porque fue Renan, mi compañero del curso de la universidad quien me los presentó después de que yo puse algo de Teto Preto. "você vai gostar de Noporn", me dijo, y seguidamente le dio play a "Xingu", del primer álbum homónimo lanzado en el 2006 por el dúo creado en 2002 por Liana Padilha y Luca Lauri.
Digo causalidad como digo que el dúo de São Paulo -actualmente conformado por Liana Padilha y Lucas Freire- un día antes había publicado su tercer disco titulado "Sim" que abre, nada más y nada menos, que con un track titulado "Festa no meu quarto" que suena bastante soulful, bastante deep, suficiente para convertir un pequeño aparta-estudio como el mío en un lounge con vista a las estrellas. "Voy a invitarte a una fiesta, ¿vas a venir?", dice la letra.
El segundo track "Enfeite de cabelo" y el cuarto "Praia de artista" saltan, entre esa línea detallista, seductora, el tercer track "Leis da fisica" que dice, como exigiendo posibilidades en sus letras, "dos cuerpos no ocupan un mismo lugar en el espacio, solo precisas de la explicación matemática para saberlo"; el quinto "Pérola suja", el sexto "Slow sex" y el séptimo "Baba bombom", suenan más electro, más industrial, siempre eróticos. El octavo track es en inglés, se llama "Butterfly" y vuelve al calor de los cuerpos moviéndose bajo la luz multicolor de la noche. Mientras que el número nueve, "Geleia do morango", es sin duda mi track favorito del álbum por su narrativa nocturna y política, romántica y profética: "nada restará de la fiesta", dice la letra, entre percusiones que van de un estilo mínimal synth a uno más tribal y de regreso al electro.
El disco, compuesto por once tracks en total, cierra con la poesía electrónica "@minhaloucuratemtrilhasonora" (o, "mi locura tiene banda sonora") y "Noite longe do mar", una balada para continuar viendo al cielo desde la ventana, esperando que las miradas se crucen, para seguir con vida, aunque por el momento la fiesta sea en la habitación.
Desde Brasil, donde la escena todavía está parada, abrimos la redacción de it's(not)all about music para que amigxs del blog alrededor del mundo, que llevan más de un año sin poder salir a bailar, compartan sus historias. Historias desde la pista. Hace unas semanas publicamos las primeras. Esta es la segunda entrega.
LA INTRO DEL MILENIO
Allá por el 2015-2016, las Intu Deep nights de los miércoles en el Box fueron las primeras fiestas que me hicieron sentir parte de un movimiento del cual me sentía orgulloso de formar parte. Ver a Piedrasanta con Haze mezclando en el Box, fueron de mis primeras escuelas cuando quería aprender cómo es que se mezclaba y cómo iban evolucionando sus sets semana con semana.
Yo no se por qué y espero nunca saber, porque que bonito también tener cierto misterio ante ciertas cosas, pero siempre he sido fanático de las famosas "intros" en los sets. Para mi un dj que se esmera en elegir un track que rápidamente definís como su propia "intro" a su set, es de mucho mérito. Sabés que algo bueno viene, porque algo bueno encontró para el resto de su set.
Para las "intros", Haze siempre ha sido mi favorito (mi segundo es Única Partícula) y una noche del Box llenísima, no recuerdo muy bien quién empezó a tocar primero, pero Haze se subió al booth a las 10:55 PM en punto y listo para iniciar.
Recuerdo muy bien esa noche y como me sentía, fue una época oscura para mi estado emocional. Dudas existenciales de cómo el sistema funcionaba, por qué hacía lo que hacía, por qué no hacía lo que no hacía. Me sentía por muchos ratos, bastante solo.
En fin, Haze se subió a tocar y dejó que el último track del opener terminara y un cierto silencio se apoderó del Box... todos esperando que pasaría, pero yo sabía que Haze siempre tenía una intro distinta para cada set (y todas las intros siempre fueron magistrales).
Luego de 10 segundos sin música, el sonido del Box blasting de volumen y suena: "MUSIC... MAKES THE PEOPLE... COME TOGETHER... yeeeaaahhh..." Madonna se apoderó con esos vocales durante los siguientes 30 segundos y el primer kick del primer track fue la mecha suficiente para el resto de la noche. Nos volvimos los mismísimos John Travolta y Olivia Newton todos en el dancefloor, de la emoción y nadie podía parar de bailar. En esos 30 segundos, me sentí parte de este movimiento, me sentí parte de algo que sabía que amaba y en ese momento todo me cazó. En esos 30 segundos, ya no me sentía solo. Me sentía acompañado de muchos, y lo mejor es que no a todos los conocía... Ahora entiendo que era el dancefloor que se volvió parte de mi. Especialmente, el dancefloor del Box.
Gracias Haze. Jamás voy a olvidar esa intro.
Martin Jerez, Guatemala.
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NO EXISTES LYRICS
Alguna vez fue que planeamos hacernos todo el daño de una vez. Había pasado los últimos tres o cuatro años perdido entre tardes y luces, cafés y alcoholes, dancefloors y afters sin encontrarte y justo cuando empezaba a salirme de todo, apareciste afuera de aquel bar con tu rostro precioso, como de diablo. Te dije que tenía ganas de morderte. Me respondiste que sólo éramos amigos, que sin mordidas. Y, en efecto, en dos o tres ocasiones, hasta me dejaste esperando. Pero yo estaba hipnotizado, así que insistí. Dictando una sentencia desafiante. No hay libertad sin perdón. Por eso te escribo por aquí. Porque no te perdono y por eso soy prisionero de no dejarte ir. Porque si te tengo enfrente, te abrazo. Estás en casa. La polaroid sobre la silla, un brillante truco de apariencia. Vos, acalorada, con los labios jugosos, esperándome en nuestra habitación para ese viaje a Playa del Carmen. Vos, riéndote, con las pestañas incrédulas, tapándome la boca para que la doctora me cosiera la frente tras aquel accidente en bici. Vos, lloribunda, vestida toda de negro, llegando a mi casa para, según vos, darme el pésame por la muerte de mi padre que murió días después. Tu presencia es mi pesadilla. Tu ausencia un sueño recurrente. Como quien se corta la piel, aliviás tu dolor existencial experimentando con hombres que no se lavan las manos antes de tocarte. Dejás que te usen, que te coleccionen. No te molesta aceptarlo y hasta te gusta. “Es tu costo de oportunidad para aprender”, asegurás. Las putas vinieron a resarcir a las mujeres. Como un extraño tic nervioso, arrojo palabras, gestos contra la pared. Tu cuerpo no es mi jardín. Ni mis lágrimas ropa que quitarte. Toda una noche embalsamada. Apagándome porque, no había sido con uno, ni dos, sino tres y posiblemente más que nadie iba a mencionar… Golpeé las mismas caras una y otra vez. Hasta a ellos los idealizo. Temí por mi cerebro aprisionado. En una trama vulgar. Me masturbo reconstruyendo sus escenas. Quizás deba tomarme una revancha, aún tenemos cuentas que saldar, deslizaré mi puño por tu espalda. ¿Te estás dando cuenta? Como un extraño tic nervioso, arrojo palabras, gestos contra la pared, pulso salvaje. En el amor, uso las mismas armas que uso en la guerra. Destellos contra la pared. La fantasía se acabó. Sacaré mi almohada de entre mis piernas. No existes.
Anónima, México.
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