De los primos Gabriel y Gilbert Broid, se dice algo que ellos mismos se autoproclaman- "no muy políticamente correctos". Será por sus apariencias que glitchean las tendencias o por su protesta desde la pista de baile en contra del sistema de su natal Israel. Los festivales los suelen presentar como los "israeli kings of zombie/trash/glam rock n'roll" cuya misión -que también se autoatribuyen- es "traer el hedonismo de vuelta a la música".
Manifestaciones estéticas de universos internos que se convierten en objetos y sujetos de culto. Letras cadenciosas que se vuelven himnos. Luminiscencia intermintente. Esto y más encontramos en "Death to Techno", el nuevo EP de The White Screen en Garzen Records, nada más y nada menos que la disquera de los Red Axes -que ya desde hace algunos años comandan toda una nueva generación de artistas originarios del país del Oriente Próximo- donde ya habían editado su álbum debut el año pasado.
"Blue Blood" fue el primer sencillo de "Death to Techno", el nuevo EP de The White Screen en Garzen Records.
La formación de la banda por lo general es Gabriel Broid - vocales y teclados; Gilbert Broid - guitarra y vocales; Stav Ben Shchar - batería; Noa Ayaly - chello y Avishag Cohen Rodríguez - guitarra. Para los cuatro tracks que componen este EP homónimo, estas "beach goth divas" contaron con colaboraciones en el estudio de un maestro de los loops como Ryskinder y de una leyenda del Surf Rock como Ram Orion. Además del remix que otros extravagantes, los mismos Dori Sadovnik y Niv Arzi -Red Axes, le hicieron a "Death to Techno" y que te presentamos a continuación:
Turnando el micrófono con cigarrillos, el productor chileno ofreció, hasta casi las 6 de la mañana del sábado, todo un discurso durante su presentación en Guatemala que incluyó desde Ralphi Rosario, pasando por cada uno de sus hits tanto en Cómeme Music ("Duro", "El House" y "Cógeme") como en Sanfuentes Records ("Váyanse, "Nada más"y "Bajo"); hasta la versión de Shoe Vil de "Yo no quiero volverme tan loco" de Charly García y "Tecnovela", su nuevo single próximo a salir por su sello Discos Pato Carlos.
Quisimos dejar un registro del paso de Alejandro por el país -a donde vino como parte de su gira por México, así que estuvimos acosándolo para que nos respondiera este cuestionario:
¿Tu rola favorita de Los Prisioneros ? ¿Qué otra banda chilena o referencia sudamericana debimos haber escuchado ya? (De ayer u hoy...)
Es difícil decir una canción favorita, hay muchas muy buenas. Si tuviera que elegir algo diría que el disco "Corazones" es simplemente perfecto. Bandas de ayer hay algunas muy buenas como Emociones Clandestinas o Los Electrodomésticos. De hoy me gustaría recomendar a Nueva Costa que hace poco sacaron el LP "Dilema".
¿Creés que la etiqueta "Techno Latino" es adecuada? ¿Qué tiene el Techno o el House que se hace en Latinoamérica de diferente al que se hace en Estados Unidos o Europa? ¿Vale la pena "nacionalizar" la música? ¿Qué sucede cuando un/a latinx se va a producir música a Europa para presentarla después en Estados Unidos? ¿Hay algún efecto en el proceso creativo? (Vos has estado en Tokio y Sao Paulo en situaciones similares...) (Me recuerda a un cronista guatemalteco escribiendo en Japón desde una perspectiva europea porque siempre vivió ahí y ahí se hizo escritor y periodista...)
(jajaja)
Las etiquetas a veces resultan apropiadas y si son creadas es porque algo hay en el aire que se quiere atrapar. Concuerdo con esta sensación que hay en el aire de que algo pasa en Latinoamérica. Hay mucha actividad y más reconocimiento en las escenas locales y entre ellas. Ahora por ejemplo entre Chile y Argentina existe una conexión muy fuerte y tenemos más artistas cruzando la Cordillera de Los Andes para un lado y el otro.
En un ámbito estético, es imposible para mí decir qué es lo que hacemos distinto, pues Latinoamérica es enorme, pero sí puedo afirmar que existe cierta problemática en el concepto "latino" y las perspectivas con que se usa. Muchas veces desde el extranjero se proyecta sobre nosotros el cliché de lo "latino" que es simplemente una pequeña parte de lo que somos y mucho del arte que hacemos no responde a ese visión cliché. Dicho esto, para mí resulta más interesante el arte que primero nos habla a nosotros antes que hablarle al europeo o al estadounidense. Nos habla a nosotros como personas complejas, sin encerrarse en esta visión cliché. Si la música tiene la suficiente fuerza, siempre habrá almas extranjeras que van a conectar. Tampoco abogo por una "nacionalización"; no sé bien en que podría resultar pero ya me parece como otro concepto en el cuál encerrarse. Siempre espero de nosotros algo impredecible.
¿Qué lugar tiene o qué papel juega la música electrónica en el contexto social ¿e histórico? de Latinoamérica? ¿Tiene que tenerlo/jugarlo? ¿O se vale que sea una "burbuja" donde "se vale olvidarse de todo eso"?
La música electrónica es parte de la cultura de club y en esta cultura participan distintos actores en conflicto permanente. Hay quienes juegan al hedonismo como vacío o repetición de esquemas sociales dominantes y hay quienes llenan de fuerza el concepto creando espacios y escenas inclusivas y amables. La fuerza de estas escenas en cada ciudad determinará el papel que juegue en nuestro contexto social. En mi experiencia, Santiago de Chile es una ciudad que sí ha cambiado en los últimos 15 años gracias a personas que trabajan juntas creando estos espacios.
¿Cuáles creés vos que son las bases necesarias para desarrollar una escena musical o artística sostenible en países pequeños donde la industria es incipiente?
Para mí la base siempre es sentimental: confianza y amor. La confianza entre las personas y el respeto a esa confianza, además del amor incondicional a lo que se está haciendo, son fundamentales.
¿Cómo se pierde el miedo para gritar exactamente lo que se piensa o siente?
Sacando de tu vida sentimientos que te pudren como la envidia, o la ambición por dinero y likes. No digo que el dinero no sea necesario, pero no puedes tenerlo en la mente a la hora de hacer un track. Una vez estás libre de eso y sintonizado con la gente de tu vida, el lenguaje surge solo.
La otra noche íbamos caminando para el Shai Wa con unas amigas y cuando pasamos frente a la Concha Acústica del Parque Central, una de ellas sugirió que sería buena idea un concierto ahí. En ese momento vino a mi mente una imagen de Baldo Lojo cantando en ese escenario, para no recuerdo qué festival, bajo una lluvia torrencial y un público que desde la distancia parecía una nube de humo y vapor producido por una masa de cuerpos húmedos en movimiento. En ese entonces se presentaba como vocalista de la Dubvolution, con quienes, desde antes de ese entonces, actuarían en los principales festivales del país. El año pasado estuvo viviendo en Honduras y ahora vive en Europa desde donde publicó su primer y nuevo álbum homónimo como solista.
Aproveché que, aparte, es un tipazo, para hacerle unas preguntas:
Mi primo se fue a Costa Rica, mi compañera a México, vos a España. ¿Hay que irse de Guatemala?
Baldo: No sé si hay que… Sin embargo, si tenés una proyección positiva, constructiva, formativa y la posibilidad clara. En ese caso sí, ¡con todo!
¿Cómo estás? ¿Desde hace cuánto estás en Galicia y qué estás haciendo por allá?
Baldo: Bastante bien, contento, descubriéndome en una cultura distinta, lo que puede ser un poco confrontativo, pero bueno, allí está el crecimiento. Estoy aquí desde finales de diciembre y estoy aquí para conocer otras escenas de música, para hacerme tablas en otro entorno (cantando con un ensamble de jazz standards), al mismo tiempo, estudiando un diplomado en Jazz y promoviendo mi carrera integralmente. Ahorita "de cabeza" con este nuevo material.
¿Qué te gustaría que se quedara “en el ser” tras escuchar tu nuevo álbum?
Baldo: Un rico feeling, cómo tomar un café en la mañana lleno de ideas creativas, un respiro alentador, un orgasmo duradero, hermoso presente, espontaneidad, gusto, delicia, gozo.
¿“Baldo Lojo” es el experimento de una faceta atemporal o el punto de partida de una faceta temporal?
Baldo: Creo que en el comienzo de la pregunta está la respuesta. Agregándole a este ser atemporal, con total apertura, exploraciones en distintos ritmos, géneros musicales, armonías y otras disciplinas.
Si te interesa la estética, contame un poco del proceso creativo de este álbum: escucho cierta instrumentalización, contame quiénes son los músicos que te acompañan, cómo ideaste incluirlos en el sonido de “Baldo Lojo”, la historia de cómo llegaste a ellos -o cómo ellos llegaron a vos. Me llama la atención, por ejemplo, que en “Tormenta” -el primer sencillo- se escucha Punta al final (algo que sonaría increíble en vivo, por cierto…) (Hace poco se publicó el primer disco de música garífuna en Guatemala.)
Videoclip de "Tormenta" primer sencillo del nuevo álbum hómonimo de Baldo Lojo grabado en Galicia, España.
Baldo: Lo comencé a cocinar años atrás dado que mi hermano ha vivido en Honduras por años y en ese ir y venir a San Pedro Sula te topás con ese caribe que nos une a los países hermanos, centroamericanos, Guatemala y Honduras, en este caso. Ese viaje en carro por lo menos dos veces al año y ver el cambio de Guatemala City a San Pedro, hace que a la cabeza le sucedan ideas: cómo va cambiando el ambiente, la temperatura, el paisaje, el sonido, los acentos, los colores… etc. De ahí me salió la cosquilla de jugar, precisamente con instrumentos envueltos en la Punta, con rítmicas, mística... Y demás, generando así, de alguna manera, fusión.
El año pasado mi hermano Laureano Lojo Marcucci me propuso grabar dos canciones, allí vi la oportunidad de realizar esta idea que ya traía dándole vueltas y se armó este proyecto, conviertiéndose él, en el productor ejecutivo.
Los músicos que se sumaron en el proyecto son banda legendaria en Honduras, por ejemplo, el maestro Eduardo López “Tenkoa” que es un percucionista excepcional y no sólo para la Punta como género musical, sino que también elabora tambores primera, tambores segunda, tamboras... Instrumentos percusivos utilizados en la Punta. Mauricio Zabala es un bajista de miedo y está muy enterado de todo lo que tenga que ver con la fusión; al igual que el gran David Cuestas batero tanto de Jazz prog, como de Rock, Funk, lo que les pongás… Por otro lado, está el pianista Edgar Figueroa, que está en la Orquesta Sinfónica de allá pero también tiene gusto por el Jazz. Néstor Rivera, un trompetista y trombonista en este caso muy bueno, con bastante rollo, ha trabajado tanto en orquestas importantes en la cultura popular de allá, en proyectos individuales y en bandas más alternativas, o sea, tiene espectro el brother. A todos ellos los conocí porque al compartir la idea de lo que quería hacer en el estudio de grabación Cosmic Sound Studio, el Ingeniero Fuad Handal Katimi, me los fue presentando uno por uno, sesión a sesión, donde a gesticulaciones, tarareos y figuras, fuimos armando la fusión de las rolas que previamente ya había hecho a guitarra y voz.
En la parte visual, tenía ganas de mostrar eso: el viaje visual del viaje en carro entre Guatemala y Honduras de forma abstracta y pues quien se disparó el dibujo fue mi hermana Geraldine Lojo y el diseño gráfico mi sobrino Laureano Lojo Figueroa.
Ahora contame de los dos tributos "Décima de segundo" y "Frío".
Baldo: Los dos tributos fueron las dos canciones que te contaba que mi hermano me propuso grabar, dado que tenía y tiene gran sentimiento por la música española de los ochenta y pues me pareció un buen reto de cómo integrarlo dentro el material. A partir de ahí también me interesó la historia de este par de personajes que justo arman su carrera a finales del franquismo, rodeados de una fiesta golpeadora y unas letras bastante chulas. Y pues, ¡a con todo!
La otra noche puse esta versión de “If I were policeman” un poco más rápido en una room party y la gente bailaba como si fuera Ska-Punk, algo irónico para ser una canción original de una banda de Dub Reggae (Dubvolution). Contamos de las reversiones que arreglaron.
Baldo: Pues, lo mismo, jugando con el tema de la fusión: si te das cuenta tiene maracas de semilla, y clave por un lado, se le suman los metales estos melancólicos propios de un sonido más tropicoso y la bataca cambia en figura, quería jugar con un poco de two step, pero suave, más dinámico, por momentos hi hats más picados y bombo, para darle ese giro y jugar con algo ya creado, que ya tenía bien claro en mi memoria pero sintetizarlo en esta “innovación”, si se le puede llamar así, que tenía en mente.
Los sintes me matan por lo que mi favorita es “Drop your chains”, se me hace una rola para derretirse en la pista de baile. ¿Hay algún mensaje entre líneas? ¿Por qué seguir haciendo música?
Baldo: “Drop your chains” es directa, creo, básicamente sugiero “Drop your chains down to the floor and keep on…” ¿En qué? Eso cada quien decide.
Sigo haciendo música porque a eso vine a la Tierra, creo... Y lo creo porque lo siento y defino que lo siento porque me entusiasma, me eleva, me revienta bien, me da cosquillas ricas, cuando se me pasa por el corazón un beat, que va a ser para una rola y este beat me propone una melodía, que va a ser la melodía central y después me visitan las ideas de arreglos con sonidos determinados de instrumentos determinados, a veces los hago tal cual y otras no les hago caso y los pruebo con otro instrumento. Ese momento inspiracional de creación, se siente bien, ¡muy bien! Y mientras eso ande dando vueltas en mi cabeza y en mi corazón, lo quiero seguir haciendo, ojalá la vida me lo permita hacer el tiempo que esté vivo y si se vale pedir, cada vez más y mejor en todo sentido. Presentar en vivo es una sensación bien chilera también, es sabroso de verdad, ese rush que no es tan cómodo porque no es disfrutable al mismo tiempo, no sabés como se va a desarrollar del todo y uno se hace sus preconceptos, pero al final es evolutivo, experiencial, ¡delicioso! Entonces la pregunta sería, ¿cómo no seguir haciéndolo? Es muy divertido, muy rico, ¡muy agradecido!
ACTUALIZACIÓN: Mirá a Baldo Lojo presentar su álbum debut como solista en vivo desde la Sala Capitol de Santiago de Compostela.
Stefan Kozalla sigue dando probaditas de su nuevo álbum "Knock Knock" que publicará el próximo 4 de mayo mediante su disquera, Pampa Records. El primer sencillo fue "Illumination" que contó con la vocales de Róisin Murphy y ahora nos presenta "Pick Up", un EP compuesto por 3 tracks: el homónimo en versión original, una versión disco extendida y "The Love Truck" como b-side.
Nos quedamos con la versión disco extendida porque samplea aquella rola de Gladys Knight que dice, "neither one of us (wants to be the first to say goodbye)".
El 18 de mayo sale esta esperada colaboración entre el regiomontano y el dúo israelí(quienes dejaron escucharla en su sesión para Boiler Room en 2013). Será incluída en el primero de la nueva serie de EP's de Varios Artistas titulada "Solidarity Forever" de Cómeme Music y ya podés escucharla aquí:
Anoche me contaste que ibas a ser papá y de inmediato vino a mi mente aquel cuadro en el que estás orinando en la maceta del piso 15 (¿ó 16?) del edificio El Centro que daba a una ventana -parecida a las que desde sexto grado nos parecieron televisiones- con la ciudad a oscuras de fondo: desde tus espaldas parecía que te estabas orinando sobre la noche. La soledad se había vuelto nuestra fiel compañera, la desgracia se había dado cuenta que era inútil y por eso se marchó, la sangre de los últimos días se había convertido en licor y estábamos bañados en ella. Esa noche, como anoche, fuimos y regresamos caminando. Siempre brindamos porque el día que dejemos de hacerlo nada será igual, será como dejar de leer o escuchar o presenciar. Porque el día de transmitir nuestra experiencia de vida llegaría y el "cómo" -que me enseñaste que era lo que definía todo- podría estar más claro.
No recuerdo si fue esa noche que después de despedirnos, regresé corriendo a abrazarte y decirte que te quería mucho. Siempre nos despedimos pero nunca nos decimos adiós. Siempre he odiado las despedidas. Más, sabiendo que todxs vamos al mismo lugar detrás de la frontera del tiempo.
En ventas, algo de lo primero que se aprende es a llamar la atención-captar el interés del cliente para que tome la decisión de comprar. Constantemente nos convencemos -para convencer- de que estamos vendiendo-comprando "algo nuevo" cuando realmente lo único que podemos vender-comprar es "algo desconocido" (o, en realidad, ¿existe algo nuevo?) pues sólo así se despierta la auténtica curiosidad y, sobre todo, porque es más probable que algo sea desconocido a que sea nuevo: de eso que cuando alguien pretende adquirir "algo nuevo", constantemente se decepcione; mientras que cuando alguien descubre algo que le era desconocido, lo peor que pasa es que no es de su agrado.
Algunas preguntas que valdría la pena cuestionarle a lxs configuradrxs de experiencias en Guatemala son:
¿Cómo hacen que el dancefloor salga de su casa? ¿Le engañan ofreciéndoles "una nueva/diferente experiencia" o, ¿añoran insertarse en su cotidianidad? Porque para lo segundo, tendrían que conocer, por lo menos, las generalidades de los hábitos del dancefloor:
¿Cómo escucha música? ¿Cómo se entera de eventos? ¿Cómo llega y se va? ¿Cómo se la pasa en la entrada? ¿Qué sucede ya adentro? ¿Cuál es su presupuesto e itinerario de consumo? ¿Qué pasa después del evento? ¿Cómo se mantiene fiel a una programación? ¿Cómo se crea comunidad?
Esto y más hay que tomar en cuenta a la hora de configurar una experiencia. Sin embargo, es trascendental recordar que la única experiencia que vale la pena vivir es la vida misma, que es el experimento de cada quien y no por proponer un camino, inhibir la exploración de otros. Un camino es un camino y la única que influencia que vale la pena absorber es la que propicie las condiciones que te permitan influir.
"100% club tunes, or 'deviant dance' as I like to call it because it's fun to twist the rules of ultra codified dance music. It's dedicated to that dude every DJ encountered at a club, who comes shouting "play harder" while you're playing, like he knows better"
Así presentó "Play Harder", el primer álbum de su nueva firma "Cray76", el aclamado dj y productor francés, Joakim Bouaziz, esta mañana.
Cuando dice "deviant dance" el label boss de Tigersushi me recordó aquella rola en la que Cerati grita que "hay anarquía en sus movimientos pero al mismo tiempo alguien los controla" y es que romper los órdenes musicales y las etiquetas que pretenden imponerlos con el único fin de mercadearlos implica disgustar a más de uno en la pista de baile (como a ese technosteronoso amigo que todxs tenemos que siempre quiere música más dura -o más rápida).
Tampoco es que Cray76 no sea una autoría de música dura -o rápida, lo que ocurre es que la música dura no necesariamente tiene porqué ser rápida y la música rápida no necesariamente tiene porqué ser dura. ;) Dale play:
Ya sabemos que no vamos a ganar y tampoco es que tengamos mucho que perder: Tenemos ganas de jugar y día a día estamos muriendo así que, ¿por qué no morir jugando(noslá)?
Vox Low se presentó oficialmente en la "escena de música rock para bailar" cuando Ivan Smagghe (heredero de la síntesis que DJ's -y ex integrantes de bandas- como Andrew Weatherall o Arnaud Rebotini obtuvieron tras ser testigos de la transición post punk-new wave de los 70's-80's - electroclash de los 90's-00's) remixeó su primer sencillo "I wanna see the light" publicado en Astro Lab Recordings en 2013 e incluido por Rebolledo en su compilación "Momento Drive" para Kompakt Records al año siguiente.
En 2015 lanzaron "Something is wrong" y no había vuelta atrás: sintetizadores de un futuro tenebroso (por no decir fúnebre), bajos hipnóticos, hi-hats disco a 4 tiempos, guitarras psico-guturales y voces enajenadas eran la evidencia: el híbrido maldito había sido engendrado. Un Je Maintiendrai estaba reventando: el Death Disco venía a redimir a punks, rockabillies y ravers por igual. Otra prueba de eso fue "Some words of faith", incluído en otro EP lanzado en 2016 también en Correspondant, el sello de Jennifer Cardini.
Pero fue hasta el viernes de la semana pasada que el dúo francés -hoy por hoy una banda- publicó su primer álbum (homónimo) en una disquera que, principalmente, edita derivados del rock: Born Bad Records. Para este debut, Vox Low hizo nuevas versiones de los dos hits mencionados en el párrafo anterior y reveló 7 canciones más.
Creo que, en sí, este disco es un discurso (A)político desde la pista de baile (que no necesariamente está en un club). "Now we are ready to spent" y "You are a slave" me hacen pensar en el mito perpetuado por el establishment sobre el(falso)incentivo en función de la(falsa)productividad en el que se basa la(falsa)competencia y la(falsa)meritocracia del estilo de vida material asociado a la prosperidad y al poder: "Si tuvieran todo lo que quisieran, se quedarían echados al sol", nos dice el(falso)sistema monetario. "Gánenselo." "Ya venieron al mundo, ahora paguen. ¿Quiéren seguir existiendo en él? Paguen."
"Rides Alone" y "We can't be blamed" son un par de baladas krautrockeras ideales para un paseo en bicicleta alrededor del lugar de la portada del álbum.
"What if the symbols fall down"... ¿Qué pasaría si un día la culpa (y otros que nos condenan) empezara a desaparecer? Si nadie pudiera venderte el consuelo ni el perdón porque ya no es necesario. Porque no, no es tu culpa. Y ya estás aquí, y no sólo tenés ganas, también tenés dudas de lo que podés hacer con menos peso en la mochila de tu esperanza... ¿Qué pasaría?
"Trapped on the moon" es una rola para cruzar caminando la ciudad. Y "Rejuvenation" un llamado a la revisión, regenaración y rediseño, no del sistema, porque ese es imposible cambiarlo, pero sí de los hábitos basados en valores que crean culturas y una invitación a la fiesta de la inminente decadencia, sobre todo.
PD. El título de esta entrada también pudo ser
"La interpretación de una obra es una proyección psicológica."
Una selección ecléctica de videos publicados en los últimos días que, por supuesto, son la excusa para compilar y compartir algunas rolas. (¿O las rolas son la excusa para seleccionar y compartir algunos videos?)
C.A.R. - Eyes On You
El próximo mes Chloé Raunet, mejor conocida como C.A.R. (Choosing Acronyms Randomly), lanzará su nuevo álbum "Pinned" vía Ransom Note Records. Entre sesiones de grabación del mismo, surgió "Eyes On You" un bonus track que, según ella, "no combina" con los 11 tracks incluídos en el álbum pero que igual quería publicar "por diversión" junto a este video:
Hermetics - Collider
El tiempo le ha ido (cor)respondiendo al multifacético Santiago Niño, disidente del mainstream desde hace más de 10 años (aun cuando la música electrónica mainstream no era ese pop que se derrite con el sol): el colombiano le dijo que no a las grandes compañías discográficas del momento-hoy grandes fábricas de plástico, se fue a vivir a Buenos Aires, empezó un label, escribió un libro y nunca dejó de producir música diversa, sí, pero también con un estándar de calidad en común que hoy certifica Renaat Vandepapeliere firmando "Collider", el primer track del nuevo proyecto de Santiago, para el primer volumen de la nueva serie de su disquera R&S Records, "RV Trax" y que Alejandro Sarceño interpreta visualmente:
Mabe Fratti & EvilTapes - Continuidad Petrificada (feat. Gudrun Gut) / The Cycle of Breathing
Mientras en Guatemala la experimentación sonora está actualmente buscando espacios, en México los espacios que dan lugar a la cultura constantemente están buscando referentes de experimentación. Por eso desde que se fue, la virtuosa chelista guatemalteca no ha dejado de presentarse y las colaboraciones eran cuestión de esperar: El 10 de febrero publicará "Moot Point", un nuevo álbum en coautoría con Santiago Rodríguez, mejor conocido como EvilTapes, del cual, ya se pueden escuchar tres de las cinco canciones originales (las otras seis son remixes) aquí y desde finales de diciembre, han dejado ver estos dos videos dirigidos por Gaby Ríos (Guatemala) y Sal Vanegas (El Salvador), respectivamente.
Clarian - Under the Gun
Tenía una grabación en un teléfono que perdí de Clarian cerrando su set en Guatemala (2015) con este track: el primer sencillo de su esperad(ísim)o nuevo álbum "Television Days" que finalmente saldrá el 23 de febrero en Balance Music. "Under the gun" vio la luz este viernes en un EP que incluye remixes de Tiga y Michael Mayer.
De por si hablar de cultura en un país hiperdiverso como Guatemala es una pretensión, no digamos intentar "conceptualizarla-definirla" para identificarse y sentirse perteneciente a tal diciendo "soy guatemaltecx". Cada cultura tiene sus propios valores que, resguardados en una estructura de hábitos y transmitidos tradicional-generacionalmente, le va otorgando también nombre propio. ¿Cuántas culturas habitan en Guatemala y cuántas están siendo representadas en las tomas de decisiones de interés nacional?
Dicho eso y que Guatemala "es" dependiendo del/a guatemaltecx que te hable de Guatemala. Aquí no voy a empezar a decir quién es cultx y quién no dependiendo de la música que escuche porque cada quien tiene una escala de valores fundamentada en el condicionamiento cultural de como vino, le presentaron y le mostraron el mundo, o sea, fundamentada en lo que le hizo ser como es.
Lo que sí voy a decir es que todxs somos consumidorxs. Todo uso de recursos externos al cuerpo, la mente, el alma y el espíritu es consumo. Y que desde el nacimiento de las primeras -y, según yo, únicas- ideologías políticas (nomadismo y sedentarismo), la satisfacción de necesidades y deseos humanas han sido las principales objetos de intercambio y, consecuemente, sujetos del mercado. Desde entonces "pagamos" por satisfacerlas.
Tampoco voy a detallar cómo la música pasó de ser utilizada para reunir al rebaño y comunicarse con otras tribus a afectar auditorios y convertirse en el arte del sonido, o sea, cómo pasó de ser un medio a un fin. Porque no me sé todos los detalles. Pero sí voy a generalizar mi punto con esto:
"Cada vez que gastas dinero, éstas votando por el mundo que quieres."
Cambiemos las palabras: "gastas dinero" por "pagas una entrada", "votar" por "construir" y "mundo" por "escena":
¿Es la música necesidad o deseo? ¿Cómo la estamos satisfaciendo? ¿Es sólo un medio mercadológico? ¿Qué tenemos en común quienes escuchamos(diversa)música cotidianamente y quienes asistimos a eventos musicales habitualmente? ¿A qué nos atreveríamos llamar "cultura musical"? ¿Qué es lo que nos importa a todxs de la música, independientemente del "género"? ¿Que siga sonando? ¿Hay alguna alineación ideológica entre artistas-venues-público-productores de eventos-prensa? ¿Cuál es? ¿Cuáles son nuestros criterios -y cuáles compartimos- para pagar por una entrada? ¿Qué escena estamos construyendo en Guatemala? ¿O se está construyendo sola?
(esta vez)No es vómito. A ver qué trae el 2018. El 2017 dejó este, el primer sencillo del nuevo álbum del ex Brunnette, Jonathan Bree. El video (Benjamin Zambo) es obra aparte... El álbum sale este año.
Mentira, sí hay algo que quiero decir: ¿Por qué a veces nuestra resistencia se reduce a no permitir que lxs demás sepan que no estamos bien? ¿Acaso alguien lo está?
A los 27 días -y por pura apropiación cultural- de haber ingresado al club, se fue a dormir. Se sentía cansado. Le dolía el cuello. Había llevado una cabeza muy pesada todo el día. Pesaba la gente, sus voces, sus modos,(no necesariamente sus mensajes y luchas)la cotidianidad que dejaban ver, el ruido que le provocaban en conjunto. Lxs de este club están condenadxs a ser unicxs en masas homogéneas, por lo tanto, están condenadxs a la soledad. Lxs más desdichadxs, están condenadxs al ruido también, a ser espectadorxs del circo social. A que el silencio sea accesible sólo cuando la gente, sus voces y sus modos duermen(no necesariamente sus mensajes y luchas). Por eso, porque se sentía cansado y por pura apropiación, me dijo: "toma mis palabras, mis rolas y viaja, continúa tu viaje, haz algo con ellas, mejóralas, encuentra, siente más. La mariposa grita mi nombre."
27 rolas que me acompañaron en este fragmento del viaje llamado 2017 más o menos en el orden que las fui(me fueron, nos fuimos)encontrando-sintiendo:
Art P - A scene from a future (Manfredas Edit) - Les Disques De La Mort
It's a Fine Line feat. Olivia de Lanzac - Cardiogram (Dollkraut Dub Version) - Kill The DJ
Superpitcher - Little Raver - Hippiedance
2RAUMWOHNUNG - Somebody lonely and me (DJ Koze Remix) - It Sounds
Gaussian Curve - Another place - Music from memory
Cosmo Vitelli - El Sí Señor - I'm a Cliché
El Mató A Un Policía Motorizado - Fuego - Laptra discos
Actress - Fantasynth - Ninja Tune
Roosevelt - Heart (Cleveland Remix) - City Slang
Cornucopia - Letter for poly - Tale & Tone
Actress - Untitled 7 - Ninja Tune
Alex Hentze - Solsticio Nórdico (Grischa Lichtenberger Remix) - CubeRec
e-Dancer - Feel the mood - KMS Records
Lauer - Vizzi Vazzi - Running Back
Smagghe & Cross feat. David Junto Club and Emily Evans - Paradiso - Ransom Note Records
Radio Slave - Children of the E (Kink SP1200 Remix) - Running Back
Superpitcher - Hiding - Hippiedance
Pale Blue - Comes home (Pional Remix) - Me Me Me
Falco - Einzelhaft (Tuff City Remix) - Sony
James Holden - Each moment like the first - Border Community
Daphni - Like is what you make it - Jiaolong
Crudito Sava - Todo y nada - Balance Music
Talaboman - The ghost hood - R&S Records
Mano Le Tough - Your heavy head - Pampa Records
BadBadNotGood feat. Colin Stetson - Confessions Pt. III - Innovative Leisure
La escena de música electrónica en Guatemala, contrario a proponer espacios-tiempos libres de juicios te pone una cámara en la cara. Prevalecen "formas" de bailar pero, ¿todas se valen? Por eso nadie baila. Si la gente bailara no iría a socializar: se desarrollaría una meta sociedad: se sentiría una "conexión" -que muchxs presumen pero pocxs han sentido-. Perdería sentido pretender ser cool. No se puede vender y culturizar al mismo tiempo puesto que vender es en sí una cultura: la cultura de la industria que vende identidad. Nos quieren convencer de cómo somos vendiéndonos cómo aspirar a ser. Nos dicen qué y cómo bailar pero no escuchan música aunque siempre mantengan algo sonando.
Nos venden lo que les sale más barato. Por eso casi todo suena igual de una u otra forma: llevamos años escuchando lo mismo a pesar de la diversidad artistas que exportan porque se siguen enfocando en el dancefloor que dejó el EDM: tanta es su ansiedad de acaparar y "educar" a lxs nuevxs que todos los años se olvidan de lxs viejxs habitantes del dancefloor que autónomamente se quedan cultivándose. Por eso es que hubo un boom de promotoras: porque lo único que enseñaron fue a vender. Querer ser la propia versión de sus influencias. ¿Es eso posible?
De las réplicas vienen los juicios, de los juicios se deriva la competencia. ¿Qué tan amiga es la competencia de la libertad? ¿Queremos ser libres? ¿Qué es la libertad? <Lo que posees te posee. Lo que posees te posee. Lo que posees te posee.> ¿Me estoy proyectando escribiendo esto? ¿Podemos ser mejores "dejando ser"?
¿Exigir una cultura de "no juicio" es juzgar? ¿Vale la pena pretender heterogenizar un grupo de personas? ¿Es posible llegar a acuerdos basados en la diversidad de los juicios de valor? ¿O sólo hay que reunirse con quienes comparten nuestros valores? ¿Tienen que haber valores? ¿Cuáles? ¿Qué es lo que(me)vale, (me)importa? de la escena y de la música electrónica? ¿Estamos hablando de moral? ¿Cuál es la moral de la escena de música electrónica? ¿Cuáles son sus valores? ¿Qué puede hacer la música electrónica por Guatemala? ¿Tiene que hacer algo? ¿Tiene que hacer algo por mí? ¿Puede?
¿Puede hacer algo además de distraerme? ¿Para qué querríamos ser mejores si cuando todo esté bien volverá a empezar?
No, yo no me desaparecí. Pero, ¿qué lugar puede ocupar la música en mi mente si, ni soy músico y ya no vivo de la música? Vivo gracias a la música que co-pilotea mi bici o la que escucho cuando no estoy leyendo o la que bailo cuando estoy triste pero de lo contrario: la música, la Electrónica y la escena en Guatemala son 3 de las más de 99 cosas que, como buen macho, me pelan la verga diariamente.
Tengo cosas más importantes que hacer: encontrar una forma de llegar al futuro o aceptar que este es el futuro, por ejemplo. Y la verdad, este país, si no fuera porque aquí estoy, también me pelaría la verga. Sólo por eso todos los días abro mi Twitter y sigo a las mentes más brillantes de la revolución que vivimos: para ver, ¿qué puedo hacer? ¿Qué puedo hacer yo, alguien más, frustrado, vicioso, soñador, fan de la música electrónica por este país? ¿Por qué TENGO que hacer algo si también TENGO que ver qué hago para sobrevivir?
¿Y si tuviera todo el dinero del mundo qué haría? No sé qué haría. Hace unos años hubiera invitado a ciertxs DJ's, a mis favoritxs, a fiestas que hubieran sido gratis, sólo para mis amigxs: lxs que siempre íbamos a las fiestas que habían apenas con la entrada comprada en preventa o a un revendedor y el dinero suficiente para comprar un pachón de vodka que dosificábamos para que durara toda la noche. Eso sí: sabíamos quién se presentaría y si igual íbamos a regresarnos a casa caminando, íbamos a pasar una noche que nunca olvidaríamos. Ahora no sé qué haría con tanto dinero. Supongo que me compraría un ticket al futuro que podría estar en la donación de computadoras a una escuela en el interior del país para que mi nombre trascendiera mi existencia o en alguna cabaña escondida en alguna montaña perdida del Japón. Pero no tengo todo el dinero del mundo, ni tengo dinero siquiera y para más chingar, siempre que mi mundo se ha acabado, la música ha seguido sonando.
Digo chingar porque, para quienes no nos ha quedado más que escuchar música para sobrevivir aquellos días que una mezcla de esperanza, incertidumbre y exasperación hacía que sólo se distinguieran por su nombre, o sea, para lxs que siempre íbamos, no tener a donde ir a bailar es un problema: Quienes hemos pasado por el taller del diablo por lo general hemos escuchado más música y por lo tanto -sabemos- más de música, de artistas, de disqueras pero más -y sobre todo- de cómo se vive la música. Le pese a quien le pese.
No somos las más guapas ni los que más botellas compramos. Es más, somos algo fexs: no salimos bien en las fotos y cuando sí, no nos vemos bien. Por eso le pelamos la verga a las promotoras locales: porque no somos populares, no somos cool y encima somos fexs. ¿Por qué alguien querría juntarse nosotrxs? ¿Porque -sabemos- de música? hahahahaha... A las promotoras locales les pela la verga si vamos o no a sus fiestas, no necesitan a quienes llevamos años asistiendo: tienen el dancefloor que dejó el EDM: ¿se imaginan todas esas bocas abiertas-sedientas de atol?
A las promotoras líderes -en dar atol con el dedo- lxs que siempre íbamos les pelamos la verga y por eso la música electrónica es irrelevante y, vamos, pela la verga en Guatemala. Continuará...
*Esta es una recopilación no oficial basada en mi gusto personal "que no es ningún criterio estético". ¿O sí? Si dejé afuera las rolas por las que usted lxs conoció o no incluí sus "greatest hits". No me perdone.
Ya no estoy para enumerar todos los venues donde se han presentado. No lo voy a lograr. Y presentarlxs por los labels donde han publicado su trabajo(es tan 2013 y para eso vaya a Resident Advisor)igual es disfuncional porque el catálogo de este dúo originario de Aguascalientes, México está disperso por todo el mundo. Tampoco pretendo ya definir "su sonido". Para eso seleccioné estos 10 tracks siguiendo cierta cronología y procurando ilustrar que los "géneros -y etiquetas- musicales" son un invento del mercado: la música sólo es buena o mala, es el único axioma que aplica.
COMA - Cycles (Zombies In Miami Remix) - Kompakt
Con esta rola iniciaron su primer Boiler Room después de Gus Gus. En ese entonces yo ya trataba con Cani la posibilidad de traerlxs a Guatemala y me contó que duró la mitad (por lo general los sets para Boiler Room duran 1 hora) porque hubieron quienes se pasaron de fiesta y cortaron la transmisión.
Zombies In Miami - Canibal - La Dame Noir
Supongo que se llama así por el pseudónimo del esposo de Jenice. Esta y "Roller Bit" (la otra rola que incluye el EP) me llevaron a mucha de la música que me gusta hoy por hoy.
Zombies in Miami - The End Of The Beginning - Correspondant
Sí, tienen otra rola que se llama "This is not the end". No son la misma.
Zoé - Arrullo de estrellas (Zombies In Miami Remix) - Universal
La segunda vez de Zoé en Guatemala venía presentando su nuevo disco "Prográmaton" que incluía la versión original esta canción. Fui porque me regalaron las entradas y había invitado a una chava que me gustaba. Me sacaron a medio concierto por fumar.
Zombies In Miami - El Fuego - Love on the rocks
Se la escuché por primera vez a lxs Carisma en su Boiler Room y cuando supe que era de lxs Zombies me cagué porque en esos días venían por segunda vez a Guatemala (a la Semana de Música Avanzada 2016). Un rolón que todavía no supero.
D-Formation - Balkia (Zombies In Miami Remix) - Suara
Suscribo lo que dije cuando salió: "Si alguien me lo pregunta, Zombies in Miami le hizo un favor a Suara reconstruyendo este track. Pero como nadie lo hace, igual lo afirmo: esto sí es un remix, una propia interpretación del original agregándole características de sonido igualmente propias.
Demasiado para un label que, en promedio, saca un EP cada semana dejándome, personalmente, varios cuestionamientos en relación a su proceso/táctica de curaduría." #SorryNotSorryCoyuliebers
Machino - Sin fin (Zombies in Miami Remix) - Glauben
El catálogo de Cani y Jenice es tan amplio y diverso que no sólo a mí se me ha de haber pasado esta por alto.
Zombies In Miami - Turquoise - Bordello A Parigi
Me di gusto incluyéndola en mi programa de radio y explorando esta súper disquera.
J.E.E.P. - Terroir Tropical (Zombies in Miami Remix) - Galaktika
Otra que se me pasó por alto. Juzgue usted.
Zombies In Miami - Mithril - Correspondant
Se las escuché en su último Boiler Room. Salió hace un par de meses. A volar...
Bonus: Zombies In Miami - Soleil - Unreleased
No sé cuántas veces escuché su
set en Burning Man 2014 por esta rola. Cuando lxs trajimos la primera vez (para
el lanzamiento del website de Danzón) y la tocaron en vivo fue especial. Ricardo Girón estaba a la par mía. PD: Cani no te enojés. Supe que se la enviaste a cierta gente en Guatemala pero a mí no así que mejor recordate que fue de lo primero que hice cuando te conocí: preguntarte cómo se llamaba.
Sólo porque aquí la escena es
incipiente no significa que cualquiera pueda venir a "hacer” cualquier
cosa. No importando la calidad ni el contenido. Pareciera que aquí “hacer” es
suficiente. Ese estándar -mediocre- fácil de alcanzar, ha hecho que muchxs
amateurs con recursos repliquen el modelo y un dancefloor underground, educado
por los años en la escena (que aquí no lleva más de 15) y de no más de 500
habitantes, esté disperso -y buscando algo que no encontrará- en sus propuestas
homogéneas, apenas conceptuales, nada constructivas -mucho menos identitarias-
y sobre todo, pretenciosas.
Faltan generaciones para que esto
cambie pero da pena ver el desperdicio de esfuerzo, aunque sea ajeno. Tercermundismo
es invertir talento en mierda. En un futuro se les recordará como la sangre
que tuvo que correr para que nosotrxs pudiéramos bailar.
No son ni las 11 de la mañana del último día de septiembre 2017 en el aeropuerto internacional "Juan Santamaría", Ciudad de Alajuela, Costa Rica. De las dos horas de viaje, dormí, si mucho, 30 minutos y todavía nos faltan 18 kilómetros para llegar a San José. Un taxista tras otro nos ofrecen llevarnos al Centro Histórico por $30, $40, $50 y hasta $70 pero por menos de un dólar tomamos un bus en perfectas condiciones en una estación a la vuelta de la salida del aeropuerto y en menos de una hora ya estábamos haciendo fila en el banco para comprar colones e ir a almorzar. Fuimos al mercado y opté por un "casado" (almuerzo casero) que incluyera el típico "gallo pinto" tico (combinación de arroz y frijoles).
Quedamos en juntarnos con la hermana de mi primo -que horas antes había decidido acompañarme- y una amiga guatemalteca que está estudiando en la UCR pero una lluvia semejante pero más intensa que el "chipi chipi" cobanero nos hizo refugiarnos en un bar de la esquina. La hermana de mi primo no llegó y mi amiga llegó con "chiliguaro" (aguardiente tradicional costarricense combinado con salsas de chile picante). Desde el balcón contemplamos un desfile de paraguas y a un grupo de chicxs bailando pero no invocando ese "olvido del silencio del hambre y del ruido de la muerte" como ilustraría alguien en Guatemala.
Monumento a "Los presentes" del escultor costarricense
Fernando Calvo.
Foto: Gilberto Luna, Municipalidad de San José.
Como no paraba de llover, no nos quedó de otra más que seguir bebiendo una cerveza por aquí, un chiliguaro por allá. Así nos enteramos que Hernán Cattaneo ya estaba en Costa Rica para su presentación en el Club Vertigo. Mi primo (maldito blasfemo) no vendría con nosotrxs a la fiesta por lo que, cigarrillos después, nos separamos. Humo, música y ducha donde mi amiga y al Uber (Pre perfecto, si me lo preguntan). No son ni las 11 de la noche del último día de septiembre 2017 en las afueras del Centro Comercial donde se encuentra el Club. Un gusano humano lo envuelve. Nosotrxs fumamos.
La chica que verifica mi nombre en la lista de acreditaciones me pregunta por mi equipo de foto y video. Le digo que no uso, que vengo a bailar como se baila aquí para traducirlo en una suerte de crónica. Se ríe y me pone el brazalete. Subo las gradas y me topo con unos cuadros-espejos que me llevan al 2007 donde el inspector del colegio donde estudiaba nos formó en fila para ir a vernos en un espejo que había andado cargando en una cajita desde hace una semana advirtiendo que ahí estaba acumulando "todo lo que nos alejaba cada día de la victoria". "¿Habremos perdido?", me pregunté subiendo otro grupo de gradas. "Estoy aquí. Por fin. lo bueno de no tener nada es tampoco tener límites", pensé.
Me encontré primero con Elena, después con Leo. Ellxs -Mobius Strum- y Fredo Cortez -el propietario de Vértigo- le entregarían la cabina al argentino que, de un momento a otro, pasada la media noche, apareció a sus espaldas. Llevaba el dilema de entrevistarlo o no. Iba nervioso. No tenía nada qué preguntarle. Lo sé todo de él. Sé hasta que ahora vive en Buenos Aires con su esposa y sus tres hijas "para que adquirieran la identidad argentina" tras haber residido en Barcelona y antes en Londres. Sé que fue porque intencionalmente tocó un set aburridísimo en el extinto club Museum de Buenos Aires en el 98 (porque Los Chemical Brothers habían decidido reventar el dancefloor abriendo la noche que compartían cartel con Paul Oakenfold -el primer superstar dj de la historia- que estaba ahí cuando lo hizo y al escucharlo, le agradeció, lo invitó a su tour mundial y se lo llevó a Europa) que se le abrieron todas las puertas. Sé que concuerda con el inglés con que es un "entretenedor" pero también sé que difiere cuando entretiene a quien él quiere porque sabe que "a quienes les gusta Hernán Cattaneo, les encanta y para quienes no, ni existe" (hoy por hoy él decide a dónde ir y qué bookings aceptar). Sé de la descendencia de su disquera Sudbeat, del alcance y la cobertura global de su radio show Resident que todas las semanas presenta nueva música, de sus legendarias compilaciones para Renaissence y Balance, de su ejemplo para artistas como Guy J y sé de gente que lo sigue a todo el mundo. Como un peregrinaje.
Le pedí que le mandara saludos a sus fans en Guatemala a lo que me respondió "¿Cuándo voy a Guatemala?". ¿Qué le iba a decir? "Brother, ahorita estoy haciendo una coperacha en Guate para llevarte". No. No supe qué decirle así que le dije cualquier cosa, que la primera vez que visitó Guatemala, yo tenía 16 años y no me habían dejado entrar. Que había pensado en escribirle una carta pero que estaba ahí: Agradeciéndole y representando mínimamente. Sonrió, me agradeció, me dijo que le encantaría venir pronto a Guatemala y mandó saludos. Ahí tengo la grabación.
No cortó el set que le antecedía, más bien comenzó el suyo con este track:
Y lo que se anunciaba como una sesión de 2 a 4 horas, terminó siendo un viaje dentro del viaje de más de 8 horas (parecía que hablaba solo pero devolvió uno que otro saludo, no vi que bajara al baño sino hasta alrededor de las 9 de la mañana que gritos de agradecimiento inundaron el vacío que el Gary Stewart Audio System había dejado en un todavía poblado Club Vertigo -que había topado su capacidad dejando afuera a muchas personas con ticket en mano incluso). Mezcló, sin exagerar, más de 100 tracks. Los géneros musicales no existieron. O, por lo menos, no a golpes inmediatos. Muchos pasajes para meditar bailando eso sí. Hernán Cattaneo es un entretenedor que, contrario a distraerte, te enfoca entre los clímax y clímax que crea. Irradia sencillez. Es imposible temerle a la oscuridad cuando vuelve a ralentizar los sonidos para conectarse, pareciera, especialmente con vos y cada una de las almas que comparten la pista en un hilo invisible de satisfacción, como si todxs en ese cronotopo estuviéramos participando de otra dimensión de la experiencia humana: una donde se valía quedarse para siempre en esa noche porque el presente era un fin y no un subordinado del futuro.
Eso dije en mi mente cuando la oficial me dejó abordar mi vuelo.
Lo acepto. Aún estaba ebrio. (Horas antes había bajado de Carretera a El Salvador y dormido una hora para estar a las 6 a. m. en el aeropuerto.) Pero le dije a la oficial que no bebía.
La noche anterior habíamos despedido a una amiga que se fue a vivir a La Antigua (o por lo menos esa fue mi excusa para enajenarme). Ya borracho le balbuceé al oído, "la otra noche tu hermana me preguntó por qué, si presumía conocerte-identificarme tanto con vos, no éramos más cercanos. Fue la noche que tembló. No supe cómo explicarle que no me acerco mucho a quienes se van. Que cuando quiero, quiero fuerte y me cuesta dejar ir. Que por eso quiero a muy pocas personas, animales y cosas. Porque no se irán, no sin mí. Aunque yo tienda a perderlas. Tu hermana me dijo que no podés curar a un enfermo usando su enfermedad como remedio. Que ya no podía ayudarte. Que yo también estaba enfermo. La otra noche le dije a mi primo que crecer sin burlarse del mundo y su moral era imposible, que dolía mucho y me recordé de vos y que te ibas."
En algún momento de la noche, ella puso esta canción y mientras me derretía en la pista pensaba en todas las noches que compartimos con las personas que queremos y cuanto quisiéramos que no terminaran nunca. Pensé en la gente que se fue, en lo que hicimos y dejamos de hacer, antes y después de ellas. Pensé en su hermana y en que si la quería ver, podía subir a buscarla a la habitación donde dormía. Por un instante, recordé a algunas de esas personas que no volví a ver. Enumeré con quienes, algunas veces, sí nos habíamos visto. El vacío de no tener nada y la incertidumbre de no saber qué vendrá, se llenó de nostalgia, como si lo hubiera dejado todo en el pasado. Vi mi sombra intervenida por imágenes de aquellos lugares de los que sólo recuerdo el esmalte dorado del sol sobre el gris, donde se intercambiaban nuestras ingenuidades y algo nos tentaba a dejarnos ir, pensé en los lugares que no conocemos y concluí que la única vida que vale la pena ser vivida es aquella que merece repetirse.
Brindamos porque lo hablado, lo escuchado y lo bailado esa noche no se nos olvidara nunca. Cuando la oficial me dejó pasar, supe que a Costa Rica, llevaba buena suerte.
"Me colé en una fiesta" fue el tercer sencillo de Mecano, grupo español de tecno-pop, incluído en su álbum homónimo que debutó en 1982.
A Lester Figueroa y Alexander Mazariegos los conocí impartiendo un taller titulado "el ruido como producto" en el marco de la Semana de Música Libre que Creative Commons Guatemala organizó en el 2014. Un año y meses después estábamos caminando por el centro histórico de Tegucigalpa en busca de pizza (sí, en una de las 5 ciudades más peligrosas del mundo y qué) tras la conferencia que ofrecieron sobre circuit bending y su proyecto audiovisual en el Museo para la Identidad Nacional de Honduras: ellos compartían el cartel de la fiesta de cierre del Modular + con Lena Willikens y Paula Temple y yo estaba cubriendo tal Festival.
Por ese entonces ya habían lanzado "Lo siento ya no me importa" (Bajo Presión Records, 2013) y presentado "Éxitos del verano de 1982 - 1987" en la Semana de Música Avanzada 2015, su primer y segundo álbum, respectivamente. Meses después habían regresado del Festival Rompiendo Fronteras de San Cristóbal de Las Casas, realizado el Festival Gradiente y se preparaban para presentar su tercer álbum homónimo en la Plaza de La Herradura del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias, por lo que los invité al programa de radio que en ese entonces conducía y que transcribo a continuación:
Foto: Maya Coj
¿Cómo han llevado de la mano su profesión de ingenieros mecánico-industriales y su carrera musical?
Lester: Más que transicionando, integrando los oficios. Más que considerándonos músicos, considerándonos hacedores y más que etiquetarnos a nosotros mismos, rompiendo la creencia de que "tenés que hacer esto para poderlo representar".
¿Qué motivó sus ganas de hacer cosas?
Lester: Ingeniárselas para hacerlas, no importando qué fuera. Y es que desarmando, comprendés y comprendiendo, modificás la realidad, o sea, la hackeás.
Alexander: Musicalmente nos gusta mucho la cumbia, Aniceto Molina, por mencionar a alguien; el metal también.
Lester: Yo vengo de bandas Punk, de tocar guitarra como un instrumento "base". ¡Terminé con juguetitos de Q5! Fue como caer en un género porque lo estábamos haciendo literal-electrónicamente por convicción, ya que entre amigos vas conociendo artistas como Squarepusher o Aphex Twin y te preguntás: "esta gente, ¿cómo hace su música?" y descubrís que, cuando no hay tanta facilidad y acceso a ciertos aparatos hay personas que crean su propio hardware o lo que requieran para hacer que funcione como ellxs desean y de esa idea -que luego también descubrimos era todo un movimiento (tinkering)- partió nuestra "caída" al circuit bending.
Ustedes hacen IDM, 8Bit, Noise, Drum & Base, Glitch, entre otros, por medio de circuit bending (técnica para corto-circuitear dispositivos electrónicos de bajo voltaje). ¿Cómo mantenerse autónomos y no autómatas entre tanta tecnología? Por ejemplo, ¿cómo no crear discapacidad al hacer un mundo de apps y que alguien no tenga acceso a smartphone/apps?
Lester: Es complicado porque de alguna manera tu forma de pensar se empieza a adaptar a las máquinas porque estás rodeado de estas pero Diéresis parte del concepto "desobediencia tecnológica" para usar la tecnología como herramienta pero no la usarla para lo que te venden que fue hecha. Nuestro circuit bending parte de sacarnos de la cabeza la idea de que es un juguete y convertirlo en un instrumento. Como quien encuentra un motor de ventilador y lo convierte en un molino para maíz, por ejemplo.
Cuando ustedes mencionan Punk, a mucha personas inmediatamente se les vendrá a la mente el DIY (do it yourself/hazlo tú mismx). ¿Creen que ahora es más DIT (do it together/hagámoslo juntxs)? (Pregunto por el Festival Gradiente en el que los participantes fabricamos nuestros propios sintetizadores).
Lester: Procuramos crear, fabricar, modificar y optimizar las soluciones de acuerdo a nuestros problemas y necesidades en vez de comprarlas para luego liberar los inventos. No nos interesa quedarnos con lo que aprendimos. Eso es entregar un producto final a un consumidor final. Si a una persona le exponés cómo hiciste para llegar a ese punto, ellxs podrán "hackear tu hack" de acuerdo a sus propias necesidades y problemas y de esa manera, los objetos también se vuelven proactivos de aprendizaje, entonces empezamos a hablar de pedagogía maker.
Hacer cosas, es un tanto vaciarse del conocimiento que uno tiene para llenarse de otro. Compartir es innovar. Promovemos la libertad y exploración del constructivismo y no el adoctrinamiento y la imposición del construccionismo.
Una persona humana no nace siendo, sino se hace conforme va creciendo en un entorno que le proporciona ciertos estímulos y por lo tanto la persona llega a ser como tal, tienen que ver mucho los procesos de enseñanza-aprendizaje en la casa y las aulas.
Foto: Pepe Orozco
¿Cómo han manejado su carrera independientemente?
Lester: Nos hemos movido bajo un instinto propio pero no dejamos a las personas que nos han apoyado y halado hacia nuevos horizontes que no nos habíamos planteado. Como artistas y músicos muchas veces te limitás a ciertos tiempos-espacios pero para romperlos necesitás personas, colectividad, o sea, comunidad que te ayude a generar infraestructura.
¿Cómo ha ido el proceso creativo-evolutivo de su propuesta?
Lester: Eso de decir desde el día 1 "soy artista" es complicado, llevamos 5-6 años, es importante irse definiendo, compactando. Quienes nos escucharon en el primer concierto y quienes nos escucharán hoy podrán pensar que no somos los mismos y la palabra no es ir creciendo, sino irse conociendo.
Alexander: Al inicio decían que sólo en Europa nos entenderían pero nosotros quisimos ser profetas en nuestra tierra y por eso hemos intentado ser muy explícitos invitando a hacer lo que hacemos.
Lester: Nuestro primer álbum "Lo siento ya no me importa" era más ruido plano y análogo; para el segundo, "Éxitos del verano 1982-1987", nos digitalizamos, y para el tercero "Diéresis", integramos las herramientas.
Alexander: Se podría decir que hemos ido "subtitulando la experiencia".
