Todas estas rolas salieron este año y están ordenadas conforme fueron apareciendo en mi 2020. ¡Salud y gracias por todas las veces que el mundo se acabó y la música siguió sonando!
Paulor - We - Kompakt
Against All Logic - With an addict - Other People
C.A.R. - Slow burner - Ramson Note
Arnaud Rebotini & Jonathan Fitoussi - Etat Naturel - Blackstrobe
Yan Wagner - Greeting my former self - Mille Feuilles
Zombies In Miami - Soleil - Riotvan
COMA - Bits and pieces (Lauer Absorber Mix) - City Slang
Fabio Me Llaman Soltero - Morena Moreno (Tyu Remix) - Play Pal Music
Rafael Anton Irisarri - Refuge / Refuse - Dais
She Past Away - Durdu Dünya (Boy Harsher Remix) - Creature Comfort
Die Orangen - Ride (Manfredas Remix) - Copyright Control
Tobias Bernstrup - Challenger - Tonight Records
Tim Green - Vacation to life - All day I dream
Jennifer Touch - The Wall - Fatcat Records
Benjamin Frohlich - The Big Sun (Massimiliano Pagliara Telephone Call Remix) - Permanent Vacation
Mall Grab - Sunflower - Looking for trouble
El Columpio Asesino - Siempre estás tú - Oso Polita
Guy J - Catfish - Lost & Found
Linea Aspera - Decoherence - Independiente
Jackwasfaster - El mejor día de nuestras vidas - Rotten City Files
Dion McKenzie, mejor conocida en la escena electrónica como Tygapaw, publicó su primer álbum a través de la disquera mexicana NAAFI.
Productora, DJ y artista multidisciplinaria; nacida y criada en Jamaica pero radicada actualmente en Brooklyn; desde ahí se ha venido posicionando en los últimos años como una amplificadora de las voces de las mujeres queer negras desde su propia experiencia como inmigrante caribeña viviendo en los Estados Unidos.
"Get free" es su debut en larga duración y la continuación de un discurso sónico que Tygapaw ha venido desarrollando con los EP's "Love thyself" (noviembre 2018), "Handle with care" (abril 2019) y "Ode to Black Trans Lives" (junio 2020). Dura 44 minutos y está compuesto por 11 tracks, en 3 de los cuales, participa la artista vocal Mandy Harris Williams.
Las intervenciones de Williams al inicio, en medio y al final, parecieran contextualizar el alma del Detroit Techno que McKenzie despliega con fuerza en casi todos los demás tracks a excepción de los break beats con los que contrasta el número 9.
"Get Free explora lo que es desmantelar activamente las limitaciones imaginadas, erradicar la esclavitud de la duda, seguir adelante con amor y luz, liberar cuerpo y mente. Pone en primer plano el proceso de autodescubrimiento y propiedad de uno mismo en su totalidad, con una banda sonora que palpita sin descanso y se mueve con intención", se lee en el comunicado. Y nos consta. Escuchalo aquí:
Cinco años después de haber iniciado su viaje como DJ en el mundo de la música electrónica, el guatemalteco Alberto Cano, mejor conocido como Ocarimbo, se estrenó como productor con el track "Congotren", incluída en la compilación "Savia" del colectivo Mazukamba Beats, basado en Antigua Guatemala.
Ocarimbo ha encontrado su identidad sonora en ritmos tradicionales (afro)latinos, tropicales y caribeños, de esa cuenta que "Congotren" sea una pieza de dembow hipnótico, una espiral brillante de percusiones y sintetizadores que florece, te toma por la cadera y, si cerrás los ojos, te lleva directo a una primavera onírica sublime hasta que das cuenta de que no, no estás soñando. Dale play:
El DJ y productor guatemalteco Miguel Araujo aka Mike Maraus da un paso al frente para presentar su "one man-band project" llamado Noctis Tandem con el EP "An Indie(ish) Farewell".
Según se lee en el Instagram del proyecto que fue lanzado hace poco más de un mes, este EP (compuesto por cuatro tracks) suena a "soft gaze & grunge para recordar cómo escuchábamos música cuando teníamos 16". Época en la vida de Maraus que estaba llena de rock alternativo y música industrial.
"Always divine" es el tercer track en el que capas de sintetizadores, cuerdas, percusiones y graves vocales (todo, incluyendo las letras, grabación y demás proceso de producción, hecho por él mismo) dialogan en una propuesta sonora que definitivamente recuerda a Oasis pero en la oscuridad, ralentizado y con punto de psicodelia.
Tras probar su resonancia en varios atardeceres del suroeste brasilero, confirmamos lo que dicen las letras: the sun is never late así que no dudamos en recomendártelo. Escuchalo aquí:
La pandemia y la virtualidad por momentos disuelven las categorías de tiempo y espacio. Así, seis meses parecen una sola tarde y el régimen de atención-distracción al que estamos siendo sometidxs(no sólo)digitalmente pareciera ocultarnos su materialidad. De cualquier manera, durante los últimos días han sido publicados varios álbumes que han estado en constante rotación en esta redacción. Estos cuatro son como shocks que agrietan el muro y nos re-localizan en un espacio y tiempo en construcción. Vamos recomendándotelos en el orden cronológico que han salido.
Green Hills - "Learn More" (Amplio Aspectro)
Green Hills es el nombre del proyecto solista de Ismael Pinkler del dúo argentino Carisma. Publicado bajo el sello del dúo y distribuido por Kompakt Records, "Learn More" es el título de su primer álbum, se trata de "aprender mientras se descansa" y, haciendo valer eso de que la técnica es más social que tecnológica, Pinkler descargó material de Internet y, a punta de mouse y dos parlantes, compuso un collage de loops que si se quisiera etiquetar podría sonar a cierto dub-ambient-breakbeat-lounge. Diez tracks en veintiséis minutos que según el texto que acompaña al disco "parece haber sido diseñado por un servicio algorítmico online como música de fondo personalizada y podría serlo".
Zombies In Miami - "2712" (Permanent Vacation)
El proceso creativo del debut en larga duración del dúo de Aguascalientes es particular: paralelamente a venir trabajándolo por casi diez años, Cani y Jenice, nunca dejaron de lanzar música en una gama de disqueras tan variadas como lo melódico de su sonido. Podríamos decir que "2712" es la propia versión de la suma de influencias de Zombies In Miami, especialmente las de los últimos años (Ata, Gerd Janson, Lauer, Massimiliano Pagliara y demás recurrentes del Robert Johnson). Pueda que a Jennifer Cardini le haya parecido un álbum de ítalo dance-nu disco muy colorido para publicarlo vía Correspondant pero tracks como "Disco Nostalgia" y "When your time has come" son muestra de porqué lo firmó la súper disquera basada en Múnich.
Línea Áspera - "LP II" (Independiente)
Ocho años después del lanzamiento de su "LP I", luego de la publicación de "Preservation Bias" a mediados del año pasado (ambos bajo Dark Entries Records) y tras reunir sus respectivas carreras en solitario, el dúo inglés radicado en Berlín, referente del dark wave y el minimal synth en la última década, ha decidido editar autónomamente su segundo disco de larga duración: ocho canciones en las que la emotiva -y por momentos operática- voz de Alison Lewis (aka Zanias) corta la frialdad de los sintetizadores análogos del productor Ryan Ambridge cantando letras escritas por ella misma. "LP II" continúa el manifiesto lírico sobre la experiencia de ser humane de Línea Áspera sobre una base EBM, synth-pop, industrial y hasta noise.
Lucrecia Dalt - "No era sólida" (RVNG Intl.)
La artista sonora colombiana creó un personaje-¿alter ego de ella misma? llamado "Lia" para dialogar -como quien habla o está poseída con/por un fantasma- y componer su nuevo álbum de estudio. Desde antes de 2014 (cuando Nicolas Jaar publicó su EP homónimo en su disquera Other People), los experimentos de Dalt se han convertido en su estética. En 2018 y 2020 lanzó "Anticlines" y "Anticlines Outtakes" en la compañía neoyorquina RVNG Intl. y ahora les confía "No era sólida", en el cual, Lucrecia (o Lia) "se disuelve" literalmente durante cuarenta minutos en frases como "ten cuidado de donde tiras mis partículas porque seguirán gritando allá donde me mezcle, yo miro al universo y a ti".
Foto: Danzón Records pres. "Soul Mastah Vol. 1" by Gonzo-Gonzo
Album Release Party Facebook Álbum
Recorriendo los álbumes de fotos se puede ver en los rostros de quienes asistíamos a los "danzones" un constante sentimiento de búsqueda. Y sé que muchxs se han ido encontrado a si mismxs desde entonces por cómo esas tardes y noches en la pista propiciaron la siembra de cierta semilla de liberación que dio frutos en nuestros seres y vidas.
Pero, regresando a la historia, José Raúl, me invitó a ser parte del Danzón Crew dirigiendo el fanzine que una tarde de noviembre 2013 nombraríamos "El Danzante". Para ese entonces yo ya trabajaba como asistente del gerente de una de esas marcas de Silicon Valley que tienen sucursal en Guatemala. Recuerdo que esa tarde salí -caminando para variar- de la que sería mi última oficina en el mercado laboral formal y me dirigí hacia el apartamento del Gonzo en zona 10. Iba escuchando una rola que el mismo José había compartido y permitía escuchar otro lado de sus referencias sonoras: Fly O'Tech - Funk me down. Desde entonces es una de esas "rolas de la tarde" para mí.
Gracias a la perspectiva que otorga el tiempo y la distancia diré que ahora sé que en ese momento Danzón estaba haciendo una transición en la que buscaba estructurar más el sentimiento que propiciaba con lo que promovía y eso siempre es difícil porque el afecto no necesariamente se puede racionalizar, sistematizar y hacer sostenible económicamente. Pero eventualmente yo renuncié a mi trabajo, el equipo creció y el deseo de compartir música y baile con más y diferentes personas llevó al Danzón a participar, por mencionar algo, en el Proyecto "Se Alquila", el cual, era una iniciativa que daba visibilidad a espacios en desuso a través de la organización de eventos culturales multiartísticos efímeros. Pues a mediados del 2014 SeAlquila celebraría su cuarta edición reflexionando sobre el término "Estado" y se llevaría a cabo simultáneamente en Madrid, Buenos Aires y -por uno de esos golpes de suerte que la misma gestora del proyecto (Nur Banzi) me contó- en todos los pisos del antiguo Hotel Ritz del Centro Histórico de la Ciudad de Guatemala y se iba a inaugurar con un Danzón Night que, sumado a lo que ya se había hecho con el Sonido Under Tour (que en 2013 también había llevado a Gonzo, Maraus, Lujo Prado y Mariano Santolino al Centro Histórico, Antigua y Xela), terminaría de tender una pista de baile-puente en la que se hizo común ver "danzantes" que vivían en zona 16 ir a las fiestas en zona 1 y a quienes vivían en zona 1 ir a las fiestas en Cayalá o zona 10. Sí, lo digo porque irónicamente ese año la celebración del cuarto aniversario de Danzón sería en el mismo ex Hotel pero de un momento para otro fue clausurado por lo que tuvo que cambiarse de lugar. Igual estuvo alegre, buscar las fotos.
Gonzo-Gonzo en el Sonido Under Tour 2014 que llevó a exponentes de la región centroamericana a presentarse en El Salvador, Costa Rica, Panamá y Guatemala.
Como mencioné en "Hablar sobre cultura de consumo musical (3): 20 años de música electrónica en Guatemala", otro de esos eventos que propiciaron el cruce entre las escenas electrónica y alternativa fue "El Encuentro de las Tribus", un festival con un line up curado a dedo en junio del 2015 para cerrar el Danzón Quinto Aniversario que, durante un mes, fue centralizado en la neutral -y entonces incipiente gentrificada- zona 4. A inicios de ese año lanzamos danzonperez.com que demandó más y mejor contenido.
Desarrollamos una línea editorial que procuraba (derivado de un conflicto interno personal) integrar alguna suerte de narrativa del proceso de equilibrar la "ideología de la música dance" y la ya mencionada sostenibilidad económica en un contexto de competencia desigual como el de la escena guatemalteca. Queríamos provocar encuentros de la diversidad para que se conociera, se reconociera, aprendiera una de la otra, se valoraran las diferencias que nos enriquecen y se conectara. Algunas veces lo logramos más que otras pero de cierta forma José Raúl se encargó de que las personas involucradas en Danzón fuéramos igual de diversas. Inclusive Danzón Records empezó a firmar bandas. Desde diciembre 2013 a mayo 2016 imprimimos veintitrés ediciones de El Danzante.
Yo salí de Danzón en mayo 2016 y José Raúl empezó a enfocarse en un nuevo proyecto discográfico con el dúo panameño K.E.E.N.E. llamado Cacao Records donde editaría los EP's "From La Ceiba To León" (2016, bajo el nombre Cacao Trio, junto a los hermanos Lloyd y Kevin Keene), "Collage" (2017), el single "On the point" incluido en la compilación "There's Always Cacao In Exotic Places, Vol.1" (2017) y el EP "Libertad" (2018). Podría decirse que Gonzo se despidió de Danzón Records con la compilación "Fundamentals 01" publicada a inicios de 2018 pues ese mismo año sería diagnosticado con cáncer.
Pero si algo sé, al haber trabajado esos años a su lado y haber llegado a ser su mano izquierda (la derecha siempre fue Lujo), es que a José nunca nada ni nadie puede detenerlo. Prueba de ello es que paralelamente al tratamiento para vencer el cáncer lanzó su proyecto multimedia "Mr.Tropical", y así el portador del mensaje "amor, luz y sabrosa para el mundo" literalmente trascendió a la carne habitando una dimensión desarrollada por uno de los productores de Los Simpsons.
José Raúl González "el Gonzo", el "house gangster" que no sólo se atrevió a experimentar con el "marimba house" procurando resignificar la música electrónica en el contexto mestizo local, a elevar el estándar de la cultura club en Guatemala, a representarla en toda la región y a transformarse en un personaje que nos recuerda que "existimos en esta dimensión para encontrar nuestros súper poderes", sino también a contar su historia en el documental "Yo Soy" que fue publicado hace unos meses y podés ver a continuación:
Foto: Danzón Night New York City Edition Facebook Álbum
Foto: Danzón Nights pres. We Come One feat. Green Velvet Facebook Álbum
Lo importante es el mensaje, claro. Pero el mensaje implica un soporte para poder ser decodificado e interpretado: un medio y un portador.
Voy a situar mi encuentro con José Raúl en mayo de 2011 para la fiesta de primer aniversario de Kool Beats en una hermosa casa sobre La Reforma, del lado de zona 9 (creo que ahora hay un restaurante de comida tradicional guatemalteca). Kool Beats era un radio show de música House que Gonzo y su amigo de la infancia Alex Bunge conducían en Radio Infinita todos los viernes. Por ese entonces yo estudiaba mercadotecnia, trabajaba en un departamento de (tele)marketing (diré que estos departamentos fueron los precursores de los call centers de la actualidad) y no recuerdo si todavía colaboraba con el mercadeo de una extinta radio de música electrónica online. Por ahí va la conexión porque yo me iba caminando de regreso del trabajo y tenía mucho tiempo para escuchar música. Además que Radio Infinita tenía un programa que se llamaba "Sonidos del Agua" que era realmente bueno para iniciar el día y más si se dormía poco -como me pasó a mí durante la primera mitad del año siguiente en medio de una crisis laboral. Pero regresando a la historia (asumiendo que cuando termine de escribir esto lo sea), voy a situar mi encuentro con José Raúl en esa noche porque esa noche es como una postal sonora para mí: como llegué y me fui caminando de la fiesta, tengo la imagen de las luces de los postes resbalándose de cable en cable por toda La Reforma con una rola de fondo que es como una firma del Gonzo de esos años para mí: Wally Callerio - House Gangster (Johnny Fiasco's Gangsta Boogie mix). Escuchar esa suerte de manifiesto definiendo a un "House Gangster" como alguien para quien la música no era una tendencia sino una cultura en la que toda la gente y todas las raíces eran bienvenidas, me movió algo internamente que seguro resonó con el hecho de que yo estaba cursando una introducción a los problemas de la sociedad guatemalteca y estaba leyendo al mismo tiempo "La otra historia" de Filóchofo y "Ruido de fondo" de Javier Payeras. Y digo que esos años son como postales sonoras para mí porque meses después, un compañero que se sentaba a la par mía en la oficina, me recomendó la versión unplugged de "En la ciudad de la furia" de Soda Stereo y Andrea Echeverri entonces ahora caminaba pero en mi cabeza, regresando a casa con los audífonos puestos, volaba. Se hizo habitual ir a tomar algo al Centro Histórico de la zona 1 antes de ir a zona 10 a The Box. Yo venía haciendo una transición de los raves de Trance a las fiestas en clubes y cuando me encontraba al Gonzo por esos años casi siempre le preguntaba por esa rola.
Kool Beats fue el prólogo de Danzón. Ahora lo sé por dos fechas muy específicas que recuerdo. Las dos en Metro de los tiempos de Jimmy Luna: la fiesta de segundo aniversario a la que no asistó nadie más que yo y aún así, tanto Alex Bunge como Gonzo tocaron toda la noche. Y la presentación de Danny Dance (que vendría a seguir removiendo esas ideas de que bailar era una expresión y que, efectivamente, la música House también era un mensaje). Así, antes de que acabara el 2012, Danzón Pérez ya estaba al aire y había sustituido a Kool Beats no sólo con la programación de Danzón Radio sino con una plataforma que incluía eventos una noche al mes en Ciudad de Guatemala y un atardecer al mes en Antigua (de ahí los Danzón Nights y Danzón Sunsets) y, además, Gonzo ya tenía listo su primer álbum y había decidido editarlo y distribuirlo bajo su propia disquera: Danzón Records (de la que también se derivaría y comenzaría a publicarse el Danzón Podcast).
En febrero 2013 fue la primer "release party" de Danzón Records: y fue por "Soul Mastah. Vol.1", el primer disco de Gonzo-Gonzo y el primer lanzamiento del sello (que desde entonces y hasta septiembre 2018 editaría treinta y nueve placas discográficas entre EP's y LP's cuyas portadas fueron obra de la diseñadora Carolina Niño). En abril vino la Semana de Música Avanzada (creo que era la tercer edición consecutiva del festival) para la que Cube y Danzón produjeron "Viva Feliz" (una fiesta antesala de la exposición homónima curada por Emiliano Valdés de Proyectos Ultravioleta que sucedería en septiembre de ese mismo año y en la que se exhibirían y sonorizarían las pinturas de Fernando Iturbide, tío de José Raúl, en la galería del Centro Cultural de España en Guatemala). Recuerdo que eso fue viernes, en El Gran Hotel de la zona 1, que esa noche conocí a Maraus y que el domingo de ese mismo fin de semana me lo encontré en la Avenida Simeón Cañas porque resultó que era el añorado Danzón Público por la mañana y por la tarde era el estreno de "Le Under Tropic" (una serie de livestreams del Danzón) cuya primera transmisión iba a ser desde un jardín en zona 9 (que años después se llamaría The Secret Garden). Maraus me invitó a irme con él y me llevó en su carro al lugar. Fue una primera buena tarde de muchas más que vinieron después. Pero no me cabe duda que las "release parties" constituyeron la distinción definitiva de la marca Danzón como promotora durante los primeros años de la disquera pues se invitaba al artista autor del lanzamiento (que por lo general era underground internacional), se buscaba un lugar poco convencional para realizar la fiesta y se imprimía un tiraje limitado de CD's. También se preparaban visuales e interiores procurando propiciar una experiencia multisensorial para quien asistiera. Hay que decir que ese estándar de comunicación y "setting" de eventos prevalece hasta hoy en lo que realizan los DJ's y las promotoras de la escena que nacieron desde entonces.
Foto: Juanro Enríquez ("Smoke" EP by D.Soul Relase Party)
Con más intuición que una idea clara, Gonzo comenzó a funcionar conscientemente como un agente e inconscientemente como un mediador haciendo circular a la mayoría de DJ's de la escena local, consiguiendo presupuestos para dignificarles sus presentaciones, abriendo espacios, exponiendo la cultura de los clubes, sacándola a la luz para que se viera lo que era: música recorriendo y activando cuerpos y mentes, territorios físicos y simbólicos.
Recuerdo que escribí algo sobre la exposición "Viva Feliz" y cuando me encontré a José Raúl en un Danzón Sunset (seguramente en octubre 2013, en el extinto Bar Las Tres Marías) me invitó formar parte del equipo de Danzón dirigiendo una publicación impresa. Y esta historia continuará...
Pero mientras, escuchá el set que Gonzo-Gonzo grabó en vivo y nos acaba de compartir, el cual, en sus palabras es "Un mensaje de agradecimiento por parte mía a toda la escena de música electrónica de Guatemala y Centroamérica por tantos años de apoyo, tantos momentos vividos y bailados. Han sido 15 años lindos. El house siempre seguirá siendo la palpitación que me abrió un universo desconocido, sea lo que sea que esté de moda allá afuera, para mi el house será el feeling que me empujó a hacer lo que hice y seguramente seguirá siendo base de lo que siga haciendo mientras esté con vida.
No sé si este sea mi último set grabado en vivo, pero sepan que lo grabé con mucho amor y feeling. A pesar de lo que estoy pasando, este set me dejó con mucha energía."
Mientras las fronteras argentinas permanecen cerradas, Carolina Stegmayer e Ismael Pinkler, continúan desarrollando el catálogo -que definen como un recorte del tiempo- de su label por un año.
El dúo de Buenos Aires ha asumido Amplio Aspectro como un proyecto discográfico 2020 y aunque por la situación mundial no ha podido celebrar una release party oficial, ya ha lanzado el segundo álbum de lxs mismxs Carisma titulado "Escenas", así como el EP "Ani" de Rumanians (aka Ani Castoldi de Ibiza Pareo) y dos de esas joyas cuasi de colección que rara vez se digitalizan: "Estrella 1996" de Carola Bony, un EP inédito compuesto análogamente en ese año y ahora "Trineo", la reedición del disco debut homónimo de este alter ego de Flavio Etcheto. Todo, eso sí, distribuido por Kompakt Records.
Hablar de Flavio Etcheto es hablar de esos personajes que transitaron con nombre propio por el lado electrónico de Gustavo Cerati para quien compuso varias de las letras y canciones de discos como "Bocanada" y "Siempre es hoy" y con quien vivió la precursión de la música electrónica en el rock y la escena latinoamericana no sólo por la cercanía con otro de esos personajes hablando de Daniel Melero sino también con el formato híbrido de "lap top bands" que proyectos como Roken (Cerati + Etcheto + Leandro Fresco) u Ocio (Cerati + Etcheto) les permitieron experimentar.
Ocio: Flavio Etcheto + Gustavo Cerati
Trineo, sin embargo, es un proyecto individual de Flavius E al que se ha referido recientemente en una entrevista para el medio chileno No Nací En Manchester como "la búsqueda de una música de baile que no fuera solemne, sino divertida". El nombre es porque "es un artefacto divertido que plantea un juego, la utilización del frío como juego a través del trineo", adelantándose a lo que se catalogaba como música de máquinas, pues, "yo sabía de antemano que se iba a hablar de música fría, pero en realidad lo que buscaba era romper el hielo, plantear el juego.Como proponiendo un salto sobre esos sobrepesos en que se encasillan las cosas." "Los nombres (de las canciones del primer disco homónimo) hacen referencia a la nieve, a la claridad, laderas donde dejarse llevar, alturas que plantean elevación y confines mágicos."
Según Etcheto, el álbum, publicado en 1997 por sello local Sonoridades Amapola únicamente en formato CD, "fue fruto de una lectura de lo que pasaba en los lugares donde iba a bailar, pues, quería hacer un disco que fuera bailable y divertido. Eso no pasaba en Buenos Aires. Sí habían DJs que tocaban música de otras latitudes, pero nadie componía electrónica en ese sentido acá. Yo estaba muy influenciado por la noche y me gustaba mucho bailar e ir a fiestas donde sonaba House o Jungle, y de ahí tomé el impulso para hacer Trineo. La principal influencia era ese nuevo sonido, pero al mismo tiempo pretendía generar algo con gusto sudamericano.”
Nada como mezclarlos en el presente para conectar (aprender, contemplar y parar de sufrir por) el pasado y el futuro. Enhorabuena por Carisma y Amplio Espectro. Escuchá "Trineo" aquí:
Los productores Tony Gallardo II (de México) y Fabio Me Llaman Soltero (de Guatemala) publicaron el primer single de su nuevo proyecto en conjunto.
Centroamérica es una declaración de la añeja búsqueda estética en América Latina: identidad sonora dentro del espectro de la música electrónica contemporánea mundial. Por eso "Líquido" combina dembow, percusiones latino-africanas, sintes y vocales programados en más de cuatro minutos de perritmo darks con sabor a cusha.
El sencillo fue editado por el sello Discos Sentimiento en un EP que incluye remixes de Dany F y Alejandro Veneno. Dale, escuchalo y ponete líquido vos también:
El maestro parisino del Electro Techno, Arnaud Rebotini, ha registrado 8 semanas de cuarentena en igual cantidad de EP's con su serie "This Is a Quarantine".
Arnaud era el otro integrante de una de esas bandas-puente entre el Electro Clash, el Death Disco y el Techno Ácido a inicios de los 2000 circulando principalmente entre Francia e Inglaterra: Black Strobe, que en tiempos de la formación Rebotini-Smagghe remixeó a Röyksopp, Rammstein, The Rapture y un largo e injusto "entre otros".
Por eso no es sorpresa que el ahora cabeza de Black Strobe Records prácticamente haya podido escoger "a dedo" qué artistas quería que reconstruyeran 8 tracks suyos inéditos que desde el 20 de marzo -y durante 8 viernes consecutivos- fueron publicados junto a su respectivo video y reversiones de nombres como Alessandro Adriani, The Hacker, Zanias, David Carretta y más pero fueron los remixes de Lokier (a "Digital Lockdown") y de Perel (a "Workout") los que nos gustaron particularmente.
Todos los videos de la serie son diferentes pero siguiendo la temática de cada single y son obra de los realizadores Thomas Bernon y Franck Podguszer a partir de la documentación de Véronique de Saint-Pastou y Linda Simhon. Miralos uno tras otro a continuación y que no te sorprenda cuando volvamos a hablar de Arnaud Rebotini. Lleva años siendo uno de nuestros favoritos.
Conforme pasan los días la incertidumbre sobre los calendarios crece. Industrial, laboral, académico, artístico, deportivo: en ninguno se sabe qué va a pasar, en qué día marcar la fecha de "reinicio". Lxs pesimistas dicen que hay que dar el año por perdido, que hay que preocuparse por sobrevivir y llegar al 2021. Lxs optimistas insisten en hackear la crisis, en buscar creativamente fórmulas y modelos para setear un "nuevo normal" y que no sea necesario esperar hasta que "todo regrese a ser como era antes" para volver a empezar porque en algo coinciden unxs y otrxs: nada volverá a ser lo que era y sea lo que vaya a ser, tomará tiempo en transformarse y después en dejarse comprender.
Lo cierto es que "todavía no hay cura para el COVID-19, no se sabe cuándo la habrá" y por lo tanto, no queda más que esperar y en el caso de los gobiernos, atenerse a las medidas que proporcionen los sistemas de salud. Dicho de otra manera: mientras los sistemas de salud no estén en capacidad de controlar la pandemia, los gobiernos no pueden levantar las restricciones para las aglomeraciones de personas.
Otra cosa cierta es que la política está regida, más que por la religión, por el mercado, entonces lo que está pasando es que por presiones económicas (¿sabemos o no sabemos de dónde vienen?), los gobiernos paralelamente a "no permitir que suba el número de muertes", están comenzando a "abrir el comercio". En principio, muchos colegios y universidades nunca dejaron de impartir clases (y en el caso de los privados nunca dejaron de cobrar) adoptando el exclusivo modelo de educación a distancia al que han accedido quienes tienen y pueden. Las instituciones educativas que no están impartiendo clases online y lxs estudiantes que no han podido acceder, se encuentran en un limbo temiendo perder el año. Ahora, muchas empresas industriales exigen la reapertura, incluso de fronteras. En muchos países del mundo ya se está viendo a las personas salir a trabajar o a ejercitarse, ya hay tránsito vehicular y las aerolíneas inician un proceso de adaptación.
El calendario más incierto es el artístico y el de la industria que conlleva las puestas en escena en formatos presenciales alrededor del mundo. Con el cierre de venues y la cancelación de eventos, se está viendo una sobreoferta de "livestreams" en Internet (algunos de mejor calidad que otros) como una de las primeras reacciones ante la imposibilidad de presentarse físicamente en vivo. Para lxs músicxs independientes, plataformas como Bandcamp están procurando apoyarles renunciando a su comisión por venta un viernes al mes y para lxs mainstream, las fechas más cotizadas de todo el año están siendo reprogramadas para los últimos meses del 2020 con más ilusión que cualquier otra cosa pues, lo dicho: no hay nada cierto.
Entonces, como no hay nada más que hacer, vale la pena imaginar posibilidades si este momento histórico para la humanidad "resetea" la industria artística y, con esto, la escena musical que participa de ella.
No habrá eventos masivos en mucho tiempo
Los megafestivales y las actuaciones que reúnen decenas de miles de personas (o tipo seis personas por metro cuadrado) son los principales afectados pues no podrán realizarse mientras la medida de dos metros de distanciamiento físico mínimo esté impuesta.
Una vez levantada esta medida, habrá que concretar y diseñar medidas de seguridad sanitaria para contrarrestar el esparcimiento del virus. Ya se habla de tomar la temperatura en el ingreso, mascarilla obligatoria (lo cual es un gran wtf porque, ¿cómo vas a beber y comer dentro del evento si te exigen y alguien está pendiente de que todo el tiempo tengás puesta la mascarilla?) y de fragmentar el espacio para que divida al público asistente en grupos que puedan mantener la distancia. También se habla de reducir costos de producción y subir el costo del boleto para regular la cantidad de asistentes y, con ello, la rentabilidad.
El fee de los artistas será reducido
Si los grandes rectores de la industria del "entretenimiento" musical en vivo deciden reducir costos de producción, eso incluirá la propuesta económica para los proveedores del talento artístico que contraten. Se habla de una reducción tanto para artistas como agentes de hasta el 50% pero vamos, esto no es tan negativo: habían honorarios inalcanzables (por no decir inhumanos) para escenas pequeñas. Es cierto que muchxs artistas no circularán tanto como antes pero es probable que quienes circulen sean algo más que músicxs o rockstars buscando fama y dinero.
El costo de los vuelos aumentará
La industria aeronáutica también será severamente afectada. Algunas de ellas, para dar una idea, anuncian que su capacidad y alcance de operación será "como hace treinta años". Esto supondría un costo mayor para quienes vuelen porque prácticamente también tendrán que pagar "por el asiento vacío de a la par". Las rutas que operarán son la otra gran interrogante pues dependen de las regulaciones de cada ciudad y país destino.
Regresarán los eventos con talento local o un solo headliner
Al reducirse la cantidad de grandes artistas internacionales circulando, se esperaría que lxs locales tomen protagonismo hasta que sea "necesario" de nuevo alimentarse de lo que está sucediendo afuera de su ciudad o país.
Esto no puede traducirse en programar a lxs artistas que hay porque no hay otrxs, no. Esto debe interpretarse como una oportunidad para visibilizar la calidad de artistas que estaba siendo sofocada por factores que no tienen nada que ver con música: nepotismo, estrategias digitales, entre otros.
Para las escenas pequeñas esto no será algo nuevo pero para las que acontecen en grandes ciudades sí: un/a solx DJ o una sola banda internacional alternando con talento local. Muchxs hemos leído o sabido de como fueron los inicios de las carreras de nuestrxs íconos: muchxs empezaron en un ambiente cabaretero, sólo ellxs con su guitarra o sus tornamesas cara a cara con el público. Esto abre la puerta a que, ante la restricción de aglomeraciones de personas, lxs DJ's y bandas opten por ofrecer varias fechas por día o los agentes y promotores ofrezcan una suerte de "residencias" para que lxs músicxs permanezcan por más tiempo en las ciudades ofreciendo varias fechas y participando en actividades formativas como talleres y conversatorios, etc. Todo un reposicionamiento del underground.
Vienen experiencias musicales híbridas
Las marcas de los patrocinadores seguirán buscando exposición y, en teoría, en estos tiempos, quienes no están asistiendo físicamente a un evento, son potenciales asistentes incluso al mismo evento pero virtualmente.
Como mencionamos al inicio, teniendo como referencia lo que marcas como Boiler Room han hecho, la sobredosis de transmisiones en vivo durante las casi dos cuarentenas que llevamos, ha dejado buenas y malas experiencias en términos técnicos, creativos, cualitativos y de alcance pero no cabe duda que vinieron para quedarse. Ya se habla de ofrecer contenidos digitales que anticipen, complementen y extiendan las experiencias físicas y, aunque es claro que la realidad virtual nunca reemplazará a la realidad presencial porque nunca podrá sustituir ni hacer sentir lo mismo que el contacto directo, la interactividad mediante interfaces tecnológicas muchas veces nos puede acercar más a la intimidad de nuestrxs ídolxs que comprando el boleto más caro e incluso nos podría hacer vivir la música multisensorialmente. Sí, hablamos de que el futuro de la música es su integración con la biotecnología pero mientras ese futuro llega, otro futuro ya está aquí: el de regresar a disfrutar y descubrir artistas sin tantos accesorios innecesarios y parafernalia que nos distraiga de lo importante.
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Tres cuestiones dejaremos en el tintero: ¿Cómo será y cómo se configura una nueva normalidad? ¿Qué es y cómo es la nueva masividad? ¿Cómo se pasa de comunidad artística o musical a gremio de artistas o músicxs? (Esta última para que, cuando la pandemia vuelva, haya algo ¿una institución de artistas para artistas? que lxs represente y apoye económica y legalmente más allá de la coincidencia de sus identidades expresivas, de sus esfuerzos estéticos hasta para hacer merch o las migajas que les dejan las plataformas de streaming y las tiendas de música online.)
Ha de ser difícil formar una banda. Una banda de Rock. Yo nunca he estado en una pero he tenido la oportunidad de estar cerca de algunas. Parafraseando a un amigo que en estos días borró su Facebook e Instagram cuestionando si el coronavirus era real (guitarrista, por cierto), es difícil encontrar dos, tres, cuatro o las personas que sean necesarias y que compartan primero, la pasión por la música, o sea, el lugar que ocupa la música en sus vidas y segundo, el compromiso que requiere no solo escucharla, leerla, comprenderla y valorarla, sino crearla, procesarla y mantenerse creándola y ensayándola individualmente y no digamos colectivamente en armonía como para formar una banda hasta encontrar -o no- eso que lxs Artistas nombran “su sonido”.
Difícil o no, los individuos a los que me voy a referir a continuación, coincidieron una tarde, en un bosque a las afueras de la ciudad. Si se conocían de antes, es probable. Pero más probable es que ahora se conozcan mejor. Desde aquella coincidencia, algunos se han ido, otros se han quedado, unos han venido, otros se han ido y regresado y así, quienes han buscado(se)han encontrado, cuatro años después,(en)el registro de un momento. Su perpetuidad. Hoy por hoy un álbum musical es eso: la perpetuación del registro sonoro de un momento (o sea de un fragmento de la línea infinita -o inexistente- de tiempo) en un espacio compartido y si es un disco, es la materialización de este registro.
Pero este registro también es de colores, seguramente de los colores de aquella tarde que se ha repetido muchas veces desde entonces: azul oscuro (Luispe), verde musgo (Rudy), celeste (Javier) y rojo intenso (Sol); pues de estos colores es FORA, que en portugués significa “fuera”. Así estos Foráneos, que vinieron de muchos lugares, con sus memorias, historias, dolores e ilusiones entre sus equipajes, en un bosque a las afueras de esta ciudad, META los hizo encontrarse pero hasta hoy, cuatro años después, pueden escucharlo y verlo.
"Intriga" fue el primer sencillo de "Meta",
el álbum debut de la banda guatemalteca Fora.
Meta es la línea entre la pasión y la obsesión. Entre el deseo y la nostalgia. Por eso es que no se dejó ver ni escuchar antes. Porque Luispe, Rudy, Javier y Sol tenían que recorrerla primero. Y esta línea como sabemos, termina por recorrerse hacia dentro. Meta fue y es un objeto de introspección. Son cuarenta y ocho minutos de viaje al interior de una mente que podría ser la de cualquiera de nosotrxs. Cuarenta y ocho minutos de infinito.
En este viaje, las guitarras se apoderan de Javier y Luispe, el bajo de Sol y la batería de Rudy. La voz de Meta (que son las dos voces de Javier y Luispe) le canta a los recuerdos que quiere olvidar, a los instantes que anhela duraran más de un momento, a la claridad que se distorsiona, a la utopía de un día poder transcribir la belleza.
En todas las(diez)canciones el contraste de la voz bífida de Meta se ajusta -y a veces no- a cosas que desesperadamente no se saben y a una psicodelia enajenante. Como si Luispe y Javier lucharan por tratar de explicar que el mundo se está acabando, que lo único que importa es amar y ser amadx, que no hay más futuro que el segundo que amando y siendo amadx, se hace eterno. Cada uno (Luipe y Javier) compusieron cinco canciones cada uno. Cada uno es voz principal en las que compuso y guitarra melódica en las que compuso el otro. La batería de Rudy y el bajo de Sol son onmipresentes.
Con el tiempo, el álbum se convertirá en una METÁFORA: la de un grupo de amigos que escondieron su tesoro en un atardecer y todos los años se reúnen para hacer fogatas y jugar a buscarlo en un bosque a las afueras de la ciudad con la certeza de que unx siempre encuentra lo que busca, aunque no sepa exactamente qué es. ¿Quién no quisiera eso? ¡Mamá, yo quiero estar en una banda!
Dos amigos de la casa se juntaron (aunque actualmente eso quiere decir virtualmente) para producir este track que te presentamos hoy.
Según lo comunicado por Baldo, vocalista de Dubvolution y desde hace unos años solista radicado en España, las pláticas con el DJ y productor Mariano Santolino para esta colaboración surgieron en 2018. Santolino le envió la base rítmica sobre la que Lojo compuso las letras y los arreglos instrumentales (bajo, teclado y voz) y se la envió de regreso a Mariano para que la mezclara y masterizara.
La rola fue presentada esta mañana en una pieza visual realizada por Laureano Lojo a partir de un video dirigido y grabado en un paseo por Módena, Italia para el que diseñó y agregó efectos y animaciones.
Miralo y escuchá "Buenos Tiempos" acá:
Y después, te invitamos a leer la entrevista que tuvimos con Baldo Lojo a propósito de su primer álbum como solista aquíque acabamos de actualizar con la presentación del disco en vivo desde la Sala Capitol de Santiago de Compostela, Galicia.
Y a conocer más del proyecto de Mariano Santolino aquí.
En estos días íbamos a tener la oportunidad de ver en vivo la actuación de la banda brasileira -aunque sería más preciso decir colectivo artístico multidisciplinario- Teto Preto pero ya es de conocimiento público lo que está pasanda con los eventos masivos alrededor del mundo.
El conjunto paulista integrado por la artista visual Laura Diaz, los productores Savio de Queiroz y Pedro Zopelar, el multiinstrumentalista William Bica y el performer francés Loic Koutana (L’Homme Statue), es un jam/catarsis colectiva multicolor que emergió de MambaRec, disquera del evento itinerante Mamba Negra fundado por Carol Schutzer (aka DJ Cashu) en 2013 en un contexto político que demandaba una plataforma de espacios seguros para que comunidades marginadas (particularmente transgénero, LGBTIQ+, mujeres e identidades no binarias) resistieran ante las imposiciones(no solo)homofóbicas, machistas y violentas del estado mediante música y baile.
Despúes de lanzar su EP "Gasolina" en 2016 -con el que llamaron la atención de la prensa gracias a su videoclip grabado en medio de una protesta en los Juegos Olímpicos de Rio, que ganaría el premio a mejor dirección de video nacional en el Music Video Festival 2017 y sería parte del soundtrack de la también premiada película "Corpo Elétrico"- el grupo inició su trayectoria con presentaciones clave alrededor de Brasil como el Boiler Room Sao Paulo 2018.
Ese mismo año publicarían, también a través de Mamba Records, su primer larga duración titulado "Pedra Preta" (la "Piedra Negra" sagrada que, parafraseándoles, "es un amuleto que transforma el lamento de nuestra generación en un grito de lucha") que incluye ocho tracks originales y que sirven a la banda como soporte para desarrollar una extensa narrativa sobre la creciente opresión contra las culturas queers en Brasil. Así, por ejemplo, el track homónimo "Pedra Preta" es un guiño al incendio del Museo Nacional de Brasil al que el gobierno le había recortado el presupuesto para mantenimiento. Y el single del álbum "Bate Mais" ("Golpea más") está dedicado a la política lesbiana-afrodescendiente Marielle Franco y la modelo no binaria Matheusa Passerelli que fueron asesinadas en 2018.
Con arreglos feroces y canciones enérgicas que combinan Techno, House, Jazz y Tropicalia, el grupo construye en el disco un ambiente lleno de revueltas, misterio y pasión que en 2019 ya se ha visto reflejado en sus provocativos performances (en los que cada integrante contribuye con un rol, desde el uso del cuerpo como medio expresivo, pasando por vocales moduladas y en secuencia, hasta percusiones precisas y filosas o melodías impecables pero juguetonas) en festivales como el Dark Mofo de Tasmania, Les Escales en Francia y este año en el CTM Festival de Berlín y el Bahidorá en México que lo llamó "un carnaval dentro del carnaval", pues, el universo de Teto Preto es sinónimo de libertad, placer, exploración y espíritu freak; indumentaria, historias, discotheque, disrupción y fiesta canalizados en un sonido pop experimental y extrovertido que lo ha llevado del underground paulista a todo el mundo.
Sentite bienvenidx y escuchá "Pedra Preta" completo aquí:
El DJ y productor parisino basado en Berlín, Cosmo Vitelli, celebra 15 años de su disquera I'm a Cliché Records con la compilación "Bongo Beats and Bankruptcy" en la que reúne el trabajo de trece Varios Artistas amigos-aliados y nuevas caras con la que ilustra la diversidad en la paleta de sonidos que el sello ha expuesto durante los años que ha estado al aire como record label independiente.
Ojo, no se trata de una colección retrospectiva, todo lo contrario: es la segunda compilación en la historia de la compañía, una recopilación de trece nuevos y excéntricos tracks que, como es característico en Vitelli, van de la cadencia a la demencia y que marcará el inicio de un calendario de lanzamientos más reducido y selecto para la disquera.
Ya sean downtempo, uptempo o ambient, cada track-contribución de esta compilación destila, en su propia idiosincrasia, la esencia de I'm a Cliché: música electrónica influenciada por la cultura club pero de ninguna manera limitada a la pista de baile. En todo caso es al margen, fuera del spotlight donde se aprecia mejor. ¡Enhorabuena!
Dale play aquí y entrá al vasto universo sonoro de I'm a Cliché:
Uff... era cuestión de tiempo para que volviéramos a hablar de la franco-canadiense Chloé Raunet. La hemos venido siguiendo desde que era vocalista de Battant (2007 - 2011)(banda a la que, por cierto, el eterno Andrew Weatherall remixeó en su primer EP); después, cuando en 2014 firmó en Kill The DJ (de Ivan Smagghe) su álbum debut "My friend" que incluía el súper hit "Idle Eyes" y aquel track "Angelina" que luego remixearía -y convertiría también en súper hit- Manfredas en Les Disques De La Mort. Como vemos, bendita entre trendsetters (y eso que no hemos mencionado el "Caraxes" EP que grabó con los Red Axes en 2016).
Battant - Old shool baby
C.A.R. - Angelina (Manfredas Vocal Remix)
En 2018 publicó su segundo disco en Ransom Note Records. Nunca lo dijimos (peores errores hemos cometido...) pero para #ItsNOTallAboutMusic, "Pinned" fue el mejor álbum de ese año. Un disco lento -aunque por momentos agresivo (y es que, aunque los días post punk de Chloé en Battant ya pasaron, el punk en Chloé se despierta con ella todos los días); el álbum es parte french synth pop/parte cold wave andrógeno, electrónico análogo, minimalístico, fosforescente en la oscuridad de una ciudad que sucede en el interior del mundo de Raunet.
C.A.R. - This city
Ahora, en plena pandemia, C.A.R. regresa a la disquera inglesa para publicar, antes de que cualquier otra cosa pase, su tercer larga duración titulado "Crossing Prior Street" y así cortar la claustrofobia y celebrar -aunque sea en confinamiento- que podemos seguir escuchándola cantar, componer y escribirle a lo vivido -incluído lo que no valdría la pena repetir- porque es lo que nos ha traído hasta aquí.
Diez tracks de art pop electrónico magullado pero en última instancia esperanzador que cuenta la historia personal de Raunet redimiéndose de una infancia rota en su natal Vancouver encontrando su camino en las calles solitarias del este de Londres a los 16 años. Respaldada en la reconciliación emocional, artística y sonora de Chloé Raunet, "Crossing Prior Street" es una yuxtaposición de la crudeza de las máquinas y la catarsis de las canciones que, como el sol atravesando las nubes, en un día gris y lluvioso, brilla. Escuchalo aquí:
